Photoshop CS4中文版基础与实例教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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页数:320

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出版时间:2009-7

价格:45.00元

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isbn号码:9787111271710

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• 设计
• Photoshop
• CS4
• 图像处理
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深入探索数字影像的无限可能：一本不以Photoshop CS4为核心的教程指南 （图书名称暂定：创意视觉工作坊：从原理到实践的数字图像处理精进指南） 导言：超越特定软件版本的思维构建 在这个信息爆炸的时代，数字影像技术日新月异，工具软件的迭代速度令人目不暇接。然而，真正的创意与专业技能，绝不应被某一个特定版本的软件所束缚。本书，《创意视觉工作坊：从原理到实践的数字图像处理精进指南》，旨在为渴望构建坚实理论基础和掌握跨平台、跨时代图像处理思维的读者提供一条清晰的路径。 我们深知，许多初学者和进阶者在学习过程中，往往过分依赖特定软件界面的“傻瓜式”指导，一旦软件升级或需要切换平台时便会感到无所适从。本书的核心目标，正是打破这种对特定工具版本的依赖，引导读者深入理解图像处理的底层逻辑、色彩科学的本质，以及视觉传达的艺术规律。因此，本书完全不包含针对“Photoshop CS4中文版”的任何具体步骤、菜单导航或操作界面的详尽介绍。 第一部分：数字图像的基石——理论重构与科学认知 本部分致力于打牢读者的理论基础，确保您对所处理的每一张图像都有深刻的科学理解。 第一章：像素的哲学与数据结构 本章将深入探讨数字图像的构成要素。我们将详细分析像素的物理意义，讲解不同位深（如8位、10位、16位）对动态范围和色彩精度的影响。重点讨论栅格图形（Raster Graphics）与矢量图形（Vector Graphics）在原理、应用场景及内存结构上的根本区别。我们不谈工具栏的位置，而是探讨如何根据图像的用途（印刷、网络、高精度扫描）来选择最合适的底层数据格式。 第二章：色彩科学与管理的心脏 色彩是图像的灵魂，但其背后是严谨的物理学和数学原理。本章将全面解析色彩模型，包括但不限于： 1. 加色模型（RGB）：从人眼视觉出发，探讨不同色彩空间（如sRGB, Adobe RGB, ProPhoto RGB）的色域范围、Gamut Mapping（色域映射）的挑战，以及如何在不同设备间保持色彩的一致性。 2. 减色模型（CMYK/LAB）：详细讲解印刷油墨的特性、油墨覆盖率（TIC/TIL）的限制，以及如何使用LAB空间进行更精准的亮度、色彩分离和校正。 3. 色彩管理系统（CMS）：聚焦于ICC Profile（国际色彩联盟配置文件）的原理、创建、应用和验证。读者将学习如何正确设置工作空间，确保从采集设备到显示器再到输出设备之间的色彩“翻译”准确无误。 第三章：分辨率、采样与插值算法的奥秘 图像尺寸的调整并非简单的拉伸或压缩。本章将揭示底层算法的运作机制： 有效分辨率的界定：理解DPI（每英寸点数）与PPI（每英寸像素数）在不同场景下的实际含义。 重采样机制的剖析：对比经典的插值算法（如最近邻、双线性、双三次）的数学模型，分析它们在放大（Upscaling）和缩小（Downsampling）时引入的视觉损耗或锐化效果，并指导读者在特定场景下选择最适宜的算法。 --- 第二部分：流程与逻辑——跨平台的高效工作流构建 本部分将关注处理图像时的思维模式和工作流程的优化，这些技能不受特定软件界面的限制。 第四章：非破坏性编辑的哲学与实践 本书倡导非破坏性工作流（Non-Destructive Workflow）。我们将探讨的重点在于概念而非具体操作：如何通过图层组、蒙版（Masking）的概念而非特定的“图层样式”菜单，来实现对原始数据的永久保护。我们将讨论使用外部参照文件（如智能对象概念的延伸）来维持原始素材的完整性，从而实现未来修改的灵活性。 第五章：精细化调整的数学模型 对于曝光、对比度和色彩平衡的调整，我们不依赖于滑块的直观感受，而是深入理解其背后的数学逻辑： 1. 色阶（Levels）与曲线（Curves）的真正含义：将曲线视为一个分段函数，理解输入值（Input）到输出值（Output）的映射关系，以及如何利用直方图（Histogram）的统计数据来指导精确的影调控制，特别是高光和阴影区域的细节恢复。 2. 混合模式（Blend Modes）的底层计算：系统梳理常用的混合模式（如正片叠底、滤色、叠加）的数学公式，解释它们如何在像素层面上与其他图层进行交互，从而指导用户根据目标效果选择最科学的叠加方式。 第六章：专业图像的合成与匹配技术 图像合成是数字艺术的核心技能。本章将聚焦于如何实现物理上的真实感，而非仅仅是视觉上的拼接： 光影与透视的统一：讲解透视原理（单点、两点透视）如何应用于图像元素，以及如何根据光源方向、强度和环境光来模拟合理的阴影投射与环境光反射。 纹理与噪点的一致性：探讨在合成过程中，不同素材的颗粒感、胶片噪点或数字噪点的不匹配性，并教授如何通过噪声分析和生成技术来统一画面整体的质感。 --- 第三部分：专业输出与未来视野 本部分面向专业应用，关注图像的最终呈现与面向未来的技术储备。 第七章：印刷准备与出片标准 对于需要进入物理世界的图像，本章提供的是印刷工艺知识而非软件导出设置： 陷印（Trapping）原理：解释在四色印刷中，为避免套印不准而进行的色彩重叠处理的必要性。 分色（Separation）与网点（Halftone）：理解光栅化图像如何通过不同大小和密度的网点来模拟连续色调，以及不同印刷设备对AM（幅频调制）和FM（频域调制）网点的要求。 第八章：面向未来的数字媒体与工作流集成 本章展望了图像处理技术的发展方向，强调工具的演进不应阻止技能的深化： RAW文件的价值与处理哲学：探讨不同相机厂商RAW文件的特性，强调RAW处理是对图像原始数据的最大化保留，其核心在于白平衡、曝光补偿和降噪的初始决策。 跨软件协作基础：基于文件格式标准（如TIFF, PSD, DNG的结构化特性），讲解如何在不同的专业应用（如三维渲染、专业修图、平面设计软件）之间无缝传递高质量数据。 结语：能力迁移的重要性 本书的每一页，都旨在培养读者独立思考和解决问题的能力。当你掌握了色彩科学的原理、理解了算法的逻辑，以及建立了系统的非破坏性工作流后，无论是使用当前流行的软件，还是未来出现的任何新工具，你都将能够迅速适应并高效地完成创作任务。我们教授的是“如何思考如何处理图像”，而非“在这个软件里点哪个按钮”。 本书不提供任何关于“Photoshop CS4中文版”的操作手册，但它将为你打开通往所有数字图像处理软件的通用大门。

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这本书的封面设计着实吸引人，那种带着磨砂质感的深蓝色调，中间是那个标志性的、略显复古的火焰图标，一下子就把我拉回了那个CS4时代。我记得当时刚接触PS，对那些复杂的菜单和工具面板简直是一头雾水，朋友推荐我试试这本“基础与实例教程”，当时也没抱太大期望，毕竟市面上这类书汗牛充栋。然而，翻开第一章，作者用一种极其温和且有条理的方式，把“图层”这个核心概念讲得透彻无比，不像有些教程上来就扔一堆专业术语把你轰晕。尤其是关于蒙版的讲解，书里特意用了好几个生活中的例子，比如用窗帘来比喻蒙版的不透明度，一下子就找到了感觉。阅读过程中，我发现作者似乎特别注重“为什么”而不是仅仅停留在“怎么做”的层面，这对于打下坚实基础至关重要。比如说，在讲到色彩模式时，它不仅仅是告诉你CMYK和RGB的区别，而是深入剖析了它们在印刷和屏幕显示上的原理差异，让人明白在不同场景下选择不同模式的必要性。而且，这本书的排版布局非常人性化，关键步骤的截图清晰到每一个像素，关键操作的快捷键都会用醒目的颜色标记出来，即便是后来我升级到了更高版本的PS，我依然会偶尔翻出这本老书，去重温那种扎实、稳固的构建过程。它给我的感觉，就像一个经验丰富的老教师，耐心且循循善诱，让你在学习的初期就建立起对这个强大软件的敬畏和亲近感，而不是仅仅把它当成一个工具箱。

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这本书的最后一章，关于“优化输出和文件格式管理”的章节，是我认为最能体现作者专业素养的地方。在那个网络图片资源尚未完全标准化的年代，如何平衡文件大小和视觉质量是一个大问题。作者非常务实地分析了JPEG、GIF、PNG这几种主流格式的适用场景，不仅仅是给出建议，而是通过实际测试数据，对比了同一张经过复杂处理的图片在不同压缩比下的文件大小和视觉差异，这种量化的分析让人信服。更重要的是，它教导的不是如何一键导出，而是如何利用“存储为Web所用格式”对话框中的每一个选项——比如“有损压缩的级别”、“交错选项”、“色彩表设置”——来达到最佳的“性价比”。我曾按照书中的指南，将一个用于网站的Banner图优化到了极限，既保证了色彩的准确性，又将文件体积控制在一个极小的范围内，这在当时的网络环境下是巨大的优势。这本书的这种“收尾工作”的严谨性，体现了作者的职业精神：一个好的作品，不仅要有精彩的制作过程，更要有完美的呈现方式，这是非常成熟的教学思路，让人受益匪浅。

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这本书的深度和广度，在我看来，是它最大的亮点之一，尤其是在探讨“非破坏性编辑”理念时，简直是醍醐灌顶。在那个PS功能尚未完全普及的年代，很多初学者习惯于直接在原始图层上进行修改，一旦出错，存档就意味着前功尽弃。这本书花了专门的篇幅，用图文并茂的方式，极力推广“使用调整图层”和“智能对象”的工作流程。它不厌其烦地展示了，同样是改变亮度对比度，直接在原始图层上操作和使用“曲线调整图层”所带来的天壤之别。更让我印象深刻的是，书中对“图层混合模式”的解析，它不是简单地罗列15种模式的名称，而是针对几种最常用（如“叠加”、“柔光”、“变亮”）的模式，结合实际的黑白灰三种不同色调的图层进行叠加实验，直观展示了每种模式在处理光影、色彩关系时的具体效果。这种科学的、实验性的教学方法，让我对PS的理解从“工具箱”升级到了“调色台”和“合成实验室”的层面。虽然CS4的界面现在看来可能略显陈旧，但这本书奠定的理论基础和工作习惯，至今仍是我在使用最新版PS时的黄金准则，让我避免了许多不必要的返工。

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作为一个对排版和文字处理有一定要求的用户，我对书中关于文字工具的章节评价非常高，这部分往往是很多基础教程容易敷衍了事的地方。这本书对于“文字工具”的讲解，远超出了“输入文字和改变字体大小”的范畴。它非常细致地讲解了“字符面板”和“段落面板”中每一个参数的实际影响，比如字距、行距、字偶距的调整，并配有大量的“调整前后对比图”。我记得书中有一个小节专门讲解如何处理“中文字体的字距收紧问题”，这是很多非专业书籍会忽略的细节。通过书中的实例，我学会了如何使用“度量衡工具”来精确测量文字块的视觉平衡，而不是凭感觉去拖动。而且，它还特别涉及了如何将文字“栅格化”之前，进行最后一次的“路径描边”处理，保证了最终输出的图形清晰度。对于需要制作海报或宣传册的设计新手来说，这本书提供的文字处理知识，足以让你在排版上显得非常专业和讲究，完全看不出是“临时抱佛脚”的产物，充满了出版物应有的规范感。

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说实话，我买这本书的时候，主要目的是想速成一些处理照片的技巧，特别是那些老照片修复和人像磨皮的“黑科技”。这本书的“实例教程”部分，可以说是完全对症下药。我尤其欣赏它对于“实例”选择的独到眼光，没有选择那些过于花哨、脱离实际的商业案例，而是紧紧围绕我们日常生活中最常遇到的需求展开。比如，它有一个关于如何去除照片中杂乱背景物体的章节，作者并没有直接使用“内容识别填充”这种一步到位的现代功能（当然，那会儿CS4可能还没有那么成熟），而是细致地展示了如何结合“仿制图章工具”和“修复画笔工具”进行分区域、有层次地“手工修复”，每一步都强调了采样点的选择和笔刷边缘的过渡处理。这种“慢工出细活”的教学方式，虽然初期操作繁琐，但一旦掌握，你的后期思路就会变得非常扎实，即便是面对更新软件的新工具，你也能快速理解其底层逻辑。我通过学习其中一个“旧照片色彩恢复”的实例，成功地把祖母一张泛黄的老照片处理得焕发生机，那种成就感是无可替代的。这本书没有让你成为一个只会点按钮的“操作员”，而是培养了一个懂得“雕琢”图像的匠人，注重的是细节的打磨和整体的和谐统一，这一点远超我的预期。

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高手进阶的基础。

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