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出版者:

作者:Hill, Tim

出品人:

页数:448

译者:

出版时间:2007-11

价格:373.00元

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isbn号码:9780954526771

丛书系列:

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• 英文原版
• 传记
• Beatles
• The Beatles
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《乐坛传说：披头士之外的音乐脉络》 引言 在音乐的浩瀚星空中，总有一些名字闪耀着超越时代的光芒，它们不仅定义了一个时代，更深刻地影响了后世无数的音乐创作者和听众。“披头士”无疑是其中最为耀眼的存在之一。然而，伟大并非孤立存在。在“披头士”的音乐巨浪席卷全球的同时，无数其他风格、流派、艺术家也在各自的领域默默耕耘，共同编织了二十世纪下半叶乃至今日丰富多彩的音乐图景。 本书《乐坛传说：披头士之外的音乐脉络》并非要讲述“披头士”的传奇故事，也并非要对他们进行任何评判或比较。相反，它将带领读者深入探索在“披头士”的时代，以及紧随其后，那些同样具有开创性、影响力深远，却常常被大众目光所忽略的音乐领域和艺术家。我们将拨开“披头士”的光环，去发现那些隐藏在背景中，却同样塑造了现代音乐基因的独特声音。 这不仅仅是一次音乐史的梳理，更是一场关于音乐创新、文化碰撞与艺术演进的深度对话。我们将从音乐的源头追溯，审视那些孕育了全新风格的土壤，展现不同文化元素的融合与创新，以及那些在历史洪流中被低估却至关重要的音乐力量。本书致力于呈现一个更加广阔、多元的音乐世界，一个“披头士”之外，同样充满惊喜与启迪的音乐宇宙。 第一章：摇滚乐的觉醒与早期实验（1950s-1960s初） 在“披头士”横空出世之前，摇滚乐已经开始悄然萌芽，并以其叛逆的精神和动感的节奏迅速吸引了年轻一代的目光。本章将聚焦于摇滚乐在诞生初期的几股重要力量，它们为后来的音乐发展奠定了坚实的基础。 蓝调与乡村音乐的交融： 摇滚乐的根源可以深究至美国南部的蓝调、乡村音乐以及节奏布鲁斯。罗伯特·约翰逊（Robert Johnson）的神秘吉他技艺和关于他与魔鬼交易的传说，至今仍是蓝调音乐的传奇。他的音乐充满了原始的力量和深刻的情感，为无数后来的吉他手提供了灵感。而汉克·威廉姆斯（Hank Williams），这位乡村音乐的巨匠，以其真挚的歌词和朴实的旋律，描绘了普通人的生活、爱情与失落，他的音乐触动了无数美国人的心弦，也为乡村音乐注入了灵魂。这些早期音乐家对旋律、节奏和情感表达的探索，为日后摇滚乐的爆发提供了丰富的素材和情感基础。 早期摇滚的拓荒者： 当摇滚乐开始成型，一批具有颠覆性的艺术家出现了。查克·贝里（Chuck Berry），被誉为“摇滚乐的奠基人”之一，他的吉他riff极具标志性，歌词内容贴近青少年生活，如《Johnny B. Goode》等歌曲，直接点燃了年轻人的激情。小理查德（Little Richard），则以其狂放不羁的舞台表演和充满活力的嗓音，将摇滚乐的能量推向了新的高度，他的《Tutti Frutti》和《Long Tall Sally》至今仍是摇滚史上的经典。法兰基·莱蒙（Frankie Lymon & The Teenagers），作为青少年偶像组合的先驱，他们的和声以及融合了R&B元素的声音，预示着乐队音乐的可能性。这些艺术家不仅仅是音乐家，更是文化符号，他们打破了传统的音乐界限，用全新的声音和态度挑战着当时的社会规范。 跨越大西洋的早期影响： 在美国摇滚乐风靡的同时，英国本土也在孕育着自己的音乐声音。克里夫·理查德（Cliff Richard），常被誉为“英国的埃尔维斯”，他的音乐风格受到早期美国摇滚乐的影响，但同时也融入了英国本土的流行元素，成功地将摇滚乐的活力带给了英国的年轻观众。他的出现，为英国乐坛注入了一股新的活力，也为日后“英伦入侵”埋下了伏笔。 第二章：迷幻摇滚与民谣复兴：超越主流的旋律探索 在“披头士”的黄金时代，音乐的界限被不断拓宽。迷幻摇滚以其超现实的音效和哲思性的歌词，为听众带来了前所未有的感官体验。同时，民谣音乐也经历了一场深刻的复兴，将社会关怀和个人情感融入到质朴的旋律中。 迷幻浪潮的先锋： 吉米·亨德里克斯（Jimi Hendrix），这位吉他之神，以其前所未有的吉他演奏技巧和对效果器的创造性运用，彻底改变了人们对电吉他的认知。他的音乐充满了实验性，将蓝调、摇滚和迷幻元素融为一体，创造出令人震撼的音景。他的现场表演更是如同一场感官盛宴，将音乐、视觉和精神体验完美结合。感恩而死（Grateful Dead），则以其即兴演奏和开放式的音乐结构，构建了一个独特的音乐社群。他们的音乐融合了摇滚、民谣、蓝调和乡村，每一次现场演出都独一无二，成为迷幻摇滚文化的重要象征。杜阿·鲁帕（The Doors），以其黑暗、神秘的歌词和主唱吉姆·莫里森（Jim Morrison）充满诗人气质的表演，为迷幻摇滚注入了哥特式的颓废美学，他们的音乐探索了人性的阴暗面和存在的哲学命题。 民谣的回归与人文关怀： 与迷幻摇滚的狂放不同，民谣音乐在这一时期经历了一场深刻的复兴，回归到更为质朴和人文关怀的表达。鲍勃·迪伦（Bob Dylan），无疑是这一运动的核心人物。他用富有诗意的歌词和极具批判性的社会洞察力，将民谣音乐提升到了新的艺术高度。他的歌曲不仅是音乐，更是时代的呐喊和深刻的思考，影响了整整一代人。琼·贝兹（Joan Baez），以其清澈纯净的嗓音和对民权运动的坚定支持，成为了民谣音乐中的一位重要女性声音。她用歌声传递和平与正义的理念，激励了无数追求平等与自由的人们。彼得·保罗与玛丽（Peter, Paul and Mary），以其优美的和声和对社会议题的关注，将民谣音乐带入了更广阔的听众群体，他们的歌曲充满了温暖和希望。 跨界的实验： 迷幻摇滚和民谣的交汇也催生了许多跨界作品。万德洛（The Band），这支融合了摇滚、乡村、蓝调和民谣的乐队，以其扎实的音乐功底和深厚的根源性音乐风格，在当时众多实验性的乐队中独树一帜。他们对美国音乐传统的深刻理解和创造性运用，为后来的根源摇滚（Roots Rock）奠定了基础。 第三章：灵魂乐、放克与节奏布鲁斯：黑人音乐的黄金时代 在摇滚乐之外，黑人音乐在二十世纪下半叶也迎来了其辉煌的黄金时代。灵魂乐、放克和节奏布鲁斯以其独特的节奏、深情的演唱和强烈的生命力，不仅征服了世界，更深刻地影响了后来的流行音乐。 灵魂乐的深情呼唤： 詹姆斯·布朗（James Brown），被誉为“灵魂乐教父”，他用极具爆发力的嗓音、富有感染力的表演和独特的“放克”节奏，定义了灵魂乐的能量和精神。他的音乐充满了力量感和即兴性，对后来的放克、迪斯科和嘻哈音乐产生了深远影响。艾瑞莎·富兰克林（Aretha Franklin），这位“灵魂女王”，以其强大的声场和充满力量的演唱，将灵魂乐的情感深度和精神力量推向了巅峰。她的歌曲不仅是音乐，更是女性力量和黑人文化的宣言。史提夫·汪达（Stevie Wonder），作为一位音乐天才，他在早期创作的灵魂乐作品，如《Uptight (Everything's Alright)》等，展现了他对旋律、节奏和歌词的深刻理解，也预示了他日后更加多元和实验性的音乐成就。 放克的律动与节奏革命： 放克音乐，以其独特的切分节奏、强烈的贝斯线和铜管乐的运用，成为了舞池的宠儿，也为后来的舞曲音乐奠定了基础。放克大师（Parliament-Funkadelic），以其狂野的舞台风格、天马行空的歌词和充满实验性的音乐，构建了一个独特的音乐宇宙。他们的音乐充满了乐趣和自由精神，成为了放克音乐的代表。斯莱和家庭石乐队（Sly and the Family Stone），作为最早将黑人音乐与摇滚乐融合的乐队之一，他们创作的放克音乐，融合了灵魂、摇滚、迷幻等多种元素，展现了跨越种族和文化的音乐融合力。 R&B的演变与创新： 节奏布鲁斯（R&B）作为黑人音乐的重要分支，在这一时期也经历了不断演变和创新。马文·盖伊（Marvin Gaye），从早期的情歌王子，逐渐走向了更具社会意识和艺术深度的音乐创作。他的专辑《What's Going On》以其深刻的社会批判和动人的旋律，成为了R&B音乐史上的里程碑。奥蒂斯·雷丁（Otis Redding），以其充满爆发力和感染力的嗓音，将灵魂乐的情感表达推向了极致。他的歌曲充满了真挚的情感，打动了无数听众。 第四章：前卫摇滚与概念专辑：音乐的边界拓展 在“披头士”的后期，以及紧随其后，摇滚乐开始进入一个更加实验和艺术化的阶段。前卫摇滚（Progressive Rock）的出现，将音乐的复杂性、叙事性和艺术性推向了新的高度。概念专辑的兴起，也让音乐的表达方式更加丰富和深刻。 前卫摇滚的史诗篇章： 平克·弗洛伊德（Pink Floyd），以其宏大、史诗般的音乐作品，模糊了摇滚乐与古典音乐、电子音乐的界限。他们精心构建的音乐场景、富有哲思的歌词以及对声音效果的极致运用，创造出令人震撼的视听体验。他们的专辑《The Dark Side of the Moon》和《Wish You Were Here》等，至今仍是音乐史上的经典之作。杰弗森飞机（Jefferson Airplane），作为迷幻摇滚的重要代表，他们也逐渐将音乐向更具实验性和前卫的风格发展，将迷幻的氛围与复杂的音乐结构相结合。吉他大师（King Crimson），以其复杂的节奏、多变的音乐风格和充满挑战性的编排，被誉为前卫摇滚的“教父”。他们的音乐充满了实验精神，不断突破着摇滚乐的边界。 概念专辑的叙事力量： 概念专辑的出现，标志着音乐不再仅仅是歌曲的集合，而是一个完整的艺术作品，拥有统一的主题、叙事或情感线索。谁人乐队（The Who），他们的摇滚歌剧《Tommy》和《Quadrophenia》，通过音乐讲述了复杂的故事，展现了乐队在叙事性和音乐编排上的巨大野心。简·奥斯汀（Genesis），他们早期的专辑，如《Foxtrot》和《Selling England by the Pound》，以其充满想象力的歌词、华丽的编排和史诗般的音乐结构，构建了一个充满奇幻色彩的音乐世界。伊鲁斯·弗里亚（Yes），以其复杂的器乐演奏、高亢的和声和充满哲思的歌词，创造了一种独特的前卫摇滚风格，他们的音乐充满了对宇宙、宗教和人生的探索。 爵士与摇滚的融合： 在前卫摇滚的探索中，爵士乐的即兴性和复杂性也常常被引入。弗兰克·扎帕（Frank Zappa），这位充满争议却又极具创造力的音乐家，他的作品融合了摇滚、爵士、古典、实验音乐等多种元素，以其讽刺的歌词和精湛的音乐技艺，挑战着听众的认知。约翰·麦克劳克林（John McLaughlin）的Mahavishnu Orchestra，则将印度音乐、爵士乐和摇滚乐进行了大胆的融合，创造出一种充满能量和异域风情的音乐。 第五章：硬摇滚与重金属的崛起：力量与嘶吼的宣言 当迷幻的色彩逐渐褪去，一股更为直接、强劲的声音开始占据主流。硬摇滚和重金属的兴起，以其失真吉他、强劲鼓点和嘶吼的嗓音，表达了一种更为原始、粗犷的力量感，成为了摇滚乐中一股不可忽视的重要力量。 硬摇滚的先驱： 齐柏林飞艇（Led Zeppelin），以其强劲的吉他riff、充满力量的演唱和对布鲁斯、民谣元素的吸收，定义了硬摇滚的黄金时代。他们的音乐充满了史诗感和神秘感，成为了硬摇滚的标杆。黑色安息日（Black Sabbath），被誉为“重金属之父”，他们创作的黑暗、沉重、充满末世感的音乐，为重金属音乐奠定了基调。他们的音乐充满了工业化的冷酷和压抑感，成为了重金属的代表。深紫（Deep Purple），以其经典的键盘riff和充满力量的演唱，成为了硬摇滚的另一支重要力量。他们将古典音乐的元素融入到硬摇滚中，创造出独具特色的音乐风格。 重金属的多样化发展： 随着硬摇滚的发展，重金属音乐也开始走向多样化。放克·摩尔（Motörhead），以其速度、力量和毫不妥协的音乐态度，成为了鞭打金属（Thrash Metal）的先驱。他们的音乐直接、粗犷，充满了原始的能量。铁娘子（Iron Maiden），以其史诗般的歌词、复杂的旋律和流畅的吉他演奏，成为了新古典金属（Neoclassical Metal）的代表。他们的音乐充满了英雄主义和奇幻色彩。犹大圣徒（Judas Priest），以其标志性的皮裤皮夹克造型和充满力量的演唱，成为了重金属音乐的经典形象。他们的音乐充满了力量感和阳刚之气。 硬摇滚的普及与转型： 除了硬摇滚和重金属的极端化发展，许多乐队也通过对硬摇滚元素的吸收和转化，创作出更为流行化的作品。响应者（The Rolling Stones），虽然他们早期风格更为接近蓝调摇滚，但随着时间的推移，他们的音乐中也逐渐融入了更具力量和冲击力的硬摇滚元素，他们的现场表演充满了能量和激情，成为了摇滚乐的常青树。谁人乐队（The Who），在他们的音乐中，也常常展现出硬摇滚的强劲节奏和冲击力，尤其是在他们的现场表演中，更是将这种力量感发挥到极致。 结论 “披头士”的音乐成就固然辉煌，但音乐史的壮丽画卷并非仅由他们一人绘就。本书《乐坛传说：披头士之外的音乐脉络》，通过对蓝调、乡村、早期摇滚、迷幻摇滚、民谣、灵魂乐、放克、R&B、前卫摇滚、硬摇滚和重金属等多个重要音乐领域及其代表性艺术家的梳理，力图呈现一个更加丰富、多元的音乐图景。 这些艺术家和音乐风格，如同星辰般点缀着音乐的历史长河，它们各自以独特的光芒，孕育了新的音乐形式，激发了无数创作者的灵感，并深刻地影响着我们今天的音乐品味。它们是音乐演进的脉络，是文化碰撞的载体，是人类情感与创造力的集体表达。 本书的目的是引导读者跳出“披头士”的光环，去发现那些同样伟大的音乐传奇。希望通过对这些“被遗忘”的音乐脉络的探索，能够帮助读者更全面、更深入地理解现代音乐的形成和发展，感受到音乐世界无尽的魅力与惊喜。音乐的旅程是永无止境的，而在这场旅程中，每一个声音都值得被倾听，每一个故事都值得被讲述。

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我得承认，我对二十世纪中叶的英国文化背景了解不多，这也是我犹豫是否要读这本书的原因之一。但这本书的优秀之处在于，它构建了一个非常扎实、有机的文化土壤来承载“披头士”的崛起。作者没有把他们孤立地看待，而是巧妙地将利物浦的港口文化、战后英国社会阶层的松动、以及美国“猫王”文化的影响等宏大背景熔于一炉。这使得整本书的分析维度非常立体。例如，书中有一章节专门探讨了他们服装风格的演变，从最初的西装革履到后来的迷幻印花，这不仅仅是时尚的更迭，更是社会心态的映射。阅读过程中，我经常需要停下来，查阅一些当时英国政治和社会事件的资料，这反而激发了我对那个年代更深层次的好奇心。作者的语言风格是那种略带学术性，但又极其流畅和富有感染力的，他使用了大量的时代原声材料和评论家的早期乐评进行交叉验证，极大地增强了论述的可信度。这本书更像是提供了一套解读文化现象的“方法论”，让你在理解了“披头士”之后，能够更清晰地看待其他流行文化现象是如何在时代洪流中被塑造、又如何反作用于时代的。

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这本《The Beatles》简直是一部音乐史的活化石，我拿到手的时候就被它厚重的质感和精心设计的封面吸引住了。翻开内页，那种扑面而来的时代气息简直让人身临其境。作者似乎不仅仅是在罗列乐队成员的名字和发行日期，他更像是一位资深的音乐考古学家，用极其细腻的笔触，深入挖掘了约翰、保罗、乔治和林戈在那个特定历史时期所经历的心路历程。书中对于他们早期在汉堡酒吧驻唱的艰辛、与小野洋子的复杂关系，以及后期风格转变背后的哲学思考，都有着非常独到的见解。我尤其欣赏作者对歌曲创作过程的描述，那种近乎“还原现场”的细节描摹，让我仿佛能听到录音室里每一个音符诞生的瞬间。比如，书中对《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》专辑制作幕后的种种挣扎与突破的论述，详实到让人惊叹，完全不是那种泛泛而谈的肤浅介绍，而是充满了对艺术追求的敬畏。这本书的价值，不仅在于记录了“披头士”这个现象级的存在，更在于它提供了一个观察上世纪六十年代青年文化、社会思潮变迁的绝佳窗口。读完之后，我发现自己对摇滚乐的理解，以及对“流行”二字背后复杂性的认知，都得到了极大的提升。对于任何一个真正热爱音乐的人来说，这都是一本不容错过的案头宝典。

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这本书给我的最大震撼，在于它对音乐本身的技术性剖析。作为一个业余吉他手，我一直很好奇那些看似简单的旋律背后究竟隐藏了多少精妙的编排。这本书在这方面做到了极致。它细致地分析了他们作品的和声进行、独特的低音线条处理，甚至是对录音室技术（如磁带反转、双轨录音等）的创新性运用。有一部分内容甚至像是乐理课的教科书，但奇怪的是，它读起来丝毫没有枯燥感，因为作者总是将这些技术细节与乐队成员当时的创作意图和情感表达紧密联系起来。比如，书中专门用几页纸来解析《Yesterday》那精巧的弦乐四重奏是如何突然出现，并瞬间提升了歌曲的悲剧色彩，这种拆解让我对保罗·麦卡特尼的旋律天赋有了全新的认识。而且，这本书还收录了一些早期Demo版本和未完成作品的片段分析，这对于资深乐迷来说是无价之宝。它让我们看到了那些“伟大”的成品是如何从不完美的草稿中淬炼出来的。读完后，我感觉自己拿着吉他的方式都发生了一些微妙的变化，对每一个和弦的内涵都多了几分敬畏。

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说实话，一开始我只是抱着“了解一下”的心态开始阅读这本关于“披头士”的书，毕竟他们的名气实在太大了，总觉得内容无非是些老生常谈的“四个小伙子如何征服世界”的励志故事。然而，这本书完全颠覆了我的预设。它的叙事节奏把握得非常精准，不像有些传记那样拖沓冗长，反而像一部剪辑精良的纪录片，在重要的历史节点上给予足够的篇幅，而在次要的轶事上则干脆利落地带过。我特别喜欢作者在描绘乐队解散前后，成员之间那种微妙的、充满张力的情感变化。那些文字，没有刻意的煽情，却有一种不动声色的力量，让人在合上书页后依然久久回味。它揭示了超级巨星光环下，个体面对创作瓶颈、个人目标分歧时的脆弱与真实。作者对不同成员音乐品味的差异性分析得入木三分，例如如何将乔治·哈里森早期被压抑的才华，与约翰·列侬后期激进的先锋探索进行对比。这本书的排版设计也值得称赞，插图和文字的结合恰到好处，既提供了视觉上的享受，又不会喧宾夺主。它不是一本给“粉丝”看的追星指南，而是一部严肃的文化评论，读起来非常过瘾，让人忍不住想立刻去重听一遍他们那些经典曲目，用新的视角去审视那些熟悉的旋律。

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坦白说，市面上关于“披头士”的书汗牛充栋，大部分都重复劳动，无非是增加一些新的访谈碎片。然而，这本《The Beatles》的独特之处在于其宏大的历史视野和强烈的批判精神。它不回避那些复杂的、甚至有些阴暗的面向。比如，书中对于他们商业帝国运营背后的权力斗争、以及与经理人之间的财务纠葛，都有着冷静且毫不留情的揭示。作者似乎很清楚地认识到，艺术的伟大与人性的复杂性往往是并存的。他没有将乐队神化为不食人间烟火的艺术精灵，而是将他们置于商业、媒体和大众期待的巨大熔炉中进行考察。这种“去魅”的过程，反而让我更加尊重他们——他们是在巨大的压力和诱惑之下，依然能坚持创作出伟大作品的凡人。书的最后部分，对于乐队解散后的个人发展，也进行了较为平衡的评价，既肯定了林戈的稳定贡献，也探讨了约翰和保罗在单飞后的创作瓶颈与突破。总而言之，这是一部具有深度和广度的作品，它成功地将一个流行文化符号，提升到了社会学和艺术史研究的层面，值得反复品读和沉思。

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