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《中国画(第20辑)》内容简介：现中国山水画的发展，并非在黑暗中摸索。自南朝宗炳提出“含道应物，澄怀味象。言象之外，畅神而已”的《画山水序》这一经典画论问世，即牢固地奠定在感性思维和意象表现的基础上，一路沿着艺术创造的自由本质这个轨迹推进。故丰碑林立，巨匠有继。所谓含道应物，畅神而已，是受老庄哲学思想的影响，认为审美把握是对“道”的观照，进入一种精神自由状态。“道”是宇宙万物的本体和生命。“道”也是有无相生、虚实相依的统一。“道”既包含并产生“象”。但更着眼于对生命本原的追求。诸如元气、象外之象、景外之景，是超以象外的形而上表现，是超越具体时空。进入无限时空，即如“胸罗宇宙，思接千载”，对整个人生、历史、宇宙的哲理性感受与表现。这种带有哲理性的感受与表现。即是对道的观照。旨趣是以畅神和精神自由为最高境界。因此，我国山水画有理论指引，有巨匠包前孕后，格调高雅。曲高和众。
翰墨丹青：中国传统绘画的千年流变与艺术精粹 图书名称： 翰墨丹青：中国传统绘画的千年流变与艺术精粹 图书定价： 188.00 元 开本： 16开（185mm x 260mm） 装帧： 精装，附赠高清彩图插页 页码： 580页 --- 内容提要 《翰墨丹青：中国传统绘画的千年流变与艺术精粹》是一部全面而深入地梳理中国绘画发展脉络、阐释其独特美学思想和技法体系的权威性著作。本书不局限于对名家名作的简单罗列，而是致力于挖掘中国画作为一种哲学载体、一种精神寄托的深层内涵。 全书结构宏大，时间跨度从远古岩画的萌芽，贯穿至近现代的转型与革新，重点剖析了唐、宋、元、明、清五个关键历史阶段的艺术高峰及其背后的社会文化土壤。我们不仅探讨了“文人画”与“院体画”的鼎足而立，也细致辨析了“形似”与“神似”的哲学辩证。 本书图文并茂，收录了大量珍贵的高清文物图片和细部放大图，结合详尽的文字解读，旨在帮助读者建立起一个立体、鲜活的中国传统绘画知识体系。它不仅是艺术史学者的案头必备，更是艺术爱好者、初学者深入理解东方美学意境的绝佳指南。 --- 详细章节结构与内容概述 本书共分为七个主要部分，层层递进，构建起一个完整的中国画知识体系： 第一部分：绪论：中国画的根基与世界观（约80页） 本部分首先界定“中国画”的范畴，将其与西方绘画进行基本概念上的区分。 一、何谓中国画： 探讨“书画同源”的理论基础，以及中国画媒介（笔、墨、纸、绢）的独特性。 二、哲学基石： 深入解读“天人合一”、“阴阳五行”等中国传统哲学思想如何渗透于绘画的构图、留白和气韵生动之中。 三、笔墨的语言学： 详细分析中国画的“笔法”与“墨法”——点、皴、擦、染的系统化训练，及其作为独立语言的表达能力。 第二部分：肇始与雏形：史前至魏晋的探索（约70页） 追溯中国绘画的源头，重点关注人物画的早期发展和形体意识的觉醒。 一、岩画与陶器上的符号： 分析早期装饰性图案向写实描摹的过渡。 二、顾恺之与“传神写照”： 研讨《女史箴图》等经典作品，阐释魏晋时期士人阶层对精神气质和人物品格的强调。 三、佛教造像的图像学影响： 讨论印度艺术元素如何通过石窟壁画传入并改造本土绘画。 第三部分：盛唐气象与宋代精微：院体画的巅峰（约150页） 本部分聚焦于中国画在体制化和审美成熟期的两大高峰。 一、唐代绘画的多元并蓄： 探讨吴道子“吴带当风”的线条革命，以及青绿山水的富丽堂皇。 二、北宋：江山如画的理性构建： 详述郭熙《早春图》中“可游、可居、可观”的审美体验。重点解析范宽、李唐等大师如何构建出宏大而又精确的北方山水体系。 三、南宋：院体画的细腻与情感张力： 分析马远、夏圭的“边角构图”，探讨在南迁背景下，绘画如何从全景式描绘转向对特定意境的捕捉与抒发。 四、花鸟画的独立与成熟： 深入剖析黄荃父子对写生和色彩的贡献，奠定工笔花鸟画的典范。 第四部分：文人画的兴起与理论确立：元代的精神转向（约110页） 本部分深入剖析元代“士人”阶层对绘画的重新定义，以及其对后世的深远影响。 一、元四家与“逸笔草草”： 详细考察赵孟頫、黄公望、倪瓒、吴镇的笔墨语言，辨析“元人尚意”的实践路径。 二、笔墨的自我指涉： 探讨元代绘画中，笔墨不再仅仅是描绘对象的工具，而成为画家个体情感的直接宣泄。 三、水墨语言的成熟： 专注于对干、湿、浓、淡等墨法的技法解析，以及其在山水画中的运用。 第五部分：明清：流派纷呈与技法的新探索（约100页） 梳理明清两代绘画在风格上的继承、反叛与融合。 一、明初的院体余绪与浙派： 分析戴进、吴伟在继承宋院体基础上的变革。 二、吴门画派的文人情怀： 详述沈周、文徵明等如何将元代遗风与文人雅趣相结合。 三、董其昌的“南北宗论”： 批判性地解读董其昌理论的形成背景、核心观点及其对后世格局的固化作用。 四、清代：四王与“四僧”的对立统一： 探讨王时敏、王鉴等如何致力于经典范式的集大成，以及石涛、八大山人如何以强烈的个性和笔墨张力进行反思与突破。 第六部分：题材的拓展与专科的深化（约50页） 本部分侧重于特定题材和门类的精细化研究。 一、界画的科学与艺术： 探讨古代使用界尺的建筑绘画技艺。 二、人物画的世俗化： 分析陈老莲、仇英等人在历史故事和风俗画方面的成就。 三、水印木刻与套色技术： 考察明清时期套色木版画技术对绘画传播和审美趣味的影响。 第七部分：近现代的转型与展望（约30页） 简要回顾中国画在“西学东渐”冲击下的挑战与新生。 一、变革的阵痛： 讨论传统画科面对摄影和油画冲击时的自我调适。 二、新国画的探索： 概述 20 世纪初画家们在材料、色彩、透视等方面所做的实验性尝试。 --- 读者对象 本书适合对中国历史、哲学和传统艺术有浓厚兴趣的读者；艺术院校学生、美术研究人员、文物鉴定和修复专业人士；以及希望系统性了解中国传统美学体系的普通爱好者。 本书特色 1. 体系完整： 时间线清晰，理论与实践并重，构建了从魏晋到清末的完整知识框架。 2. 注重理论： 不止于“看画”，更深入剖析了“如何看画”的哲学前提和技法逻辑。 3. 细节丰富： 对“皴法”、“点苔”、“设色”等关键技法进行图解式说明，具有极高的参考价值。 4. 鉴赏指导： 提供了辨识不同时代、不同流派作品风格的关键特征。
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