具体描述
《巴赫演奏指南:对历史、结构及演奏的根本研究(重译本)》由人民音乐出版社出版。
作者简介
罗萨琳·图雷克，是20世纪杰出的巴赫作品诠释者和研究者，1913年出生于芝加哥，9岁举行首次独奏音乐会。1936年，22岁的图雷克首次与奥曼迪指挥的费城交响乐团合作举行音乐会，演奏勃拉姆斯《第二钢琴协奏曲》。一年以后，她开始在纽约城市音乐厅举行一年一度的巴赫作品系列音会，以后又在伦敦、哥本哈根、蒙特利尔举行类似的音乐会。1947年进行了第一次欧洲巡演，后来又到南美洲、南非、以色列和亚洲演出。1956年图雷克开始担任指挥，先后与伦敦爱乐乐团、纽约爱乐乐团和国家交响乐团合作。图雷克创办了“巴赫演奏者乐队”和“国际巴赫委员会”。图雷克还是新音乐的积极倡导者，她创建了“今日作曲家机构”和“现代音乐协会”，还首演了William Schumann的《钢琴协奏曲》和：David Diamond的《第一钢琴奏鸣曲》。
目录信息
读后感
评分
评分
评分
评分
用户评价
如果用一句话来总结我对这本《巴赫演奏指南》的感受，那便是“治本之策，而非对症下药”。在众多的演奏书籍中，很多都集中在解决具体技术难题，比如如何快速跑动琶音，或者如何清晰地处理三连音。但这本书的格局明显要大得多，它更像是一本关于“如何与巴赫的思维模式共处”的哲学著作。我特别欣赏它在章节安排上的巧妙设计，从乐器历史到对位法哲学，再到身体感知，最后落脚到对作品情感精神的理解上，构成了一个完整的学习闭环。书中对于巴赫音乐中“韵律”的分析尤其富有启发性，它不仅仅是节奏的排列，更是情绪的张力与释放的体现。作者反复强调，巴赫的音乐在看似严谨的数学结构下，隐藏着极度丰富和人性化的情感波动。我通过阅读这本书，重新审视了自己对“精确性”的理解——精确并非僵硬，而是对所有可能性的精确控制，从而达到最自然流畅的表达。读完之后，我感觉自己对巴赫的热情被重新点燃了，不是那种盲目的崇拜，而是一种基于深刻理解和技术准备的、更加成熟和内省的热爱。这本书绝对是每一个想要真正理解巴赫音乐的演奏者案头必备的“内功心法”。
评分这本厚厚的《巴赫演奏指南》摆在书架上，光是封面那种肃穆又带着一丝神秘感的深色调，就让人感觉这不是一本随便翻翻就能领会的书。我记得我拿到它的时候，心情是很复杂的，一方面是充满了对巴赫音乐的敬畏和渴望，想从中汲取到一些演奏上的“真经”；另一方面，又担心它会是那种枯燥乏味、充满了学院派术语的理论说教。翻开扉页，前言部分就奠定了一种严谨的基调，作者似乎是抱着一种对历史负责的态度来探讨每一个音符背后的逻辑。我印象最深的是它对于巴赫时代键盘乐器发展脉络的梳理，简直像是一部微型的乐器史。书中详细对比了羽管键琴（Harpsichord）和古钢琴（Fortepiano）在音色、触感以及动态范围上的巨大差异，并且深入分析了这些乐器特性如何反过来塑造了巴赫作品中的装饰音处理和触键力度。特别是关于“力度变化”的讨论，作者提出了一个非常颠覆我原有认知的观点：巴赫时代的“力度”可能更多地是通过音色的变化和节奏的清晰度来体现，而不是我们现代钢琴习惯的那种强弱对比。这让我回过头去重新审视那些练习曲，发现以前只顾着追求音准和速度，却忽略了声音本身的“质感”。这本书不是直接告诉你“这首曲子要强奏”，而是通过层层剥茧的方式，让你自己去理解在那个特定历史背景下，演奏者应该如何“听见”并“再现”出巴赫的意图。读完第一部分，我已经感觉自己的演奏视角被拓宽了不止一个维度，仿佛终于有了一把钥匙，可以打开通往巴赫内心世界的侧门，尽管那扇门依然沉重而古老。
评分说实话，拿到《巴赫演奏指南》时，我主要是冲着那些关于赋格（Fugue）和对位法（Counterpoint）的实操解析来的，毕竟那些复杂的声部交织在一起，简直就是音乐建筑学的典范，让人望而生畏。但让我惊喜的是，这本书并没有将这些理论知识束之高阁，而是非常巧妙地将它们融入到了具体的作品分析中。书中关于《平均律钢琴曲集》中C大调前奏曲的分析，简直是教科书级别的范例。作者没有停留在分析和声进行上，而是深入探讨了如何通过不同的指法和手型设计来凸显主题声部在复杂织体中的“主导性”。有一段论述尤其犀利，它指出很多业余演奏者在处理多声部时，往往陷入了一种“平均用力”的误区，结果导致所有声部听起来都一样模糊。作者随后提供了一套基于“空间感”的练习方法，要求我们在脑海中为每一个声部划分出不同的“演奏位置”，比如低音部像从地板深处传来，高音部则像是悬挂在头顶。这个练习方法听起来玄乎，但实践起来极其有效，它迫使你的手指和大脑开始进行一种全新的多任务处理。此外，书中对装饰音的处理也提供了不同于传统“花腔”的看法，它强调装饰音是“节奏的延伸”而非“音符的堆砌”，必须严格服务于整体的旋律线。读完这部分内容，我感觉自己对巴赫音乐的“立体感”有了质的飞跃，不再是平面的音符排列，而是充满生命力的动态结构。
评分坦白说，我最初买这本书时，是抱着寻找某种“快速提升技巧”的心态，希望找到一些类似于“巴赫速成秘籍”的东西。然而，《巴赫演奏指南》给了我一记温柔但有力的警醒。它几乎没有大篇幅去讨论传统的“爬格子”练习法，而是专注于“如何运用身体去演奏巴赫”。其中关于“腕部和手臂的重量转移”的论述，对我这个常年受僵硬手腕困扰的人来说，简直是醍醐灌顶。作者用一系列非常形象的比喻，比如将手臂比作钟摆，将手指比作钟摆的末端，强调了重力在巴赫演奏中的核心作用。他反对那种“用指尖硬砸琴键”的旧式方法，转而推崇一种“让重量自然落下”的触键方式，这极大地减轻了我演奏巴赫时常见的肌肉疲劳感。更有意思的是，书中还讨论了巴赫作品中的“气息”概念，虽然巴赫没有为人声或管乐写作，但作者成功地将人声的连贯性和呼吸感移植到了键盘演奏上，指导我们如何通过手指的“连贯性”来模仿气息的流动。这使得我的演奏不再是断断续续的音符串，而是拥有了呼吸和起伏的生命力。这本书的价值，在于它将高深的理论转化成了可触摸、可感受的身体运动学指导。
评分我是一个对文献考据有近乎偏执追求的音乐爱好者，因此我对《巴赫演奏指南》中关于巴赫生平及手稿版本的讨论部分投入了大量精力。这本书最难能可贵的一点，是它在严谨的学术态度和面向演奏者的实用性之间找到了一个近乎完美的平衡点。它没有回避巴赫手稿中那些模糊不清、后世学者争论不休的记号问题。举个例子，书中用了整整一章来探讨《哥德堡变奏曲》中某些反复记号的处理方式，引用了不同时期抄本的差异，并最终给出了一个基于演奏逻辑的“倾向性”解释。这种坦诚的态度让人非常信服，它没有给人一种“这是唯一真理”的傲慢感，而是邀请读者一同参与到这场跨越时空的对话中去。更让我佩服的是，作者对于巴赫的宗教背景和世俗生活如何影响其音乐创作的探讨，视角非常细腻。比如，在分析某些清唱剧选段时，作者会联系到莱比锡圣托马斯教堂当时的礼拜流程，从而解释为什么某一特定段落的配器会如此精简或繁复。这不仅仅是音乐理论，更是一种文化历史的沉浸式体验。这本书的好处在于，它让你明白，你弹奏的每一个音符，都承载着比你想象中更厚重的历史和文化重量，这极大地提升了演奏的使命感和深度。
评分不仅仅是一本指南
评分虽然距离我水平好多光年，但我还是要说，教材还是得看老外的
评分虽然距离我水平好多光年，但我还是要说，教材还是得看老外的
评分非常非常到位
评分美妙
相关图书
本站所有内容均为互联网搜索引擎提供的公开搜索信息，本站不存储任何数据与内容，任何内容与数据均与本站无关，如有需要请联系相关搜索引擎包括但不限于百度，google,bing,sogou 等
© 2026 book.wenda123.org All Rights Reserved. 图书目录大全 版权所有