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出版者:Prentice Hall College Div

作者:Marilyn Stokstad

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2002-06

价格:USD 86.20

装帧:Paperback

isbn号码:9780131841598

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 艺术
• 历史
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 文化
• 西方艺术
• 艺术鉴赏
• 艺术理论

《美术史》并非一本描绘某个特定艺术品或艺术家生平的著作，它更像是一张宏大的地图，指引读者穿越人类文明的悠久长河，去探索和理解那些塑造了我们视觉世界的无数创意火花。这本书不是一次简单的罗列，而是试图揭示艺术作为一种普遍人类经验，是如何在不同文化、不同时代、不同地域生根发芽，又如何相互影响、演变发展的。 想象一下，这本书带你从史前洞穴壁画的原始力量出发，感受那些远古先民用血与炭描绘的狩猎场景和神秘符号。你将了解到，艺术的起源与人类最基本的生存需求、对自然的好奇以及对精神世界的探索紧密相连。随后，目光将投向古埃及，在那里，艺术被赋予了神圣的功能，陵墓中的壁画、雕塑和建筑，无不彰显着对来世的敬畏和对永恒的追求。尼罗河畔的严谨构图和象征意义，将为你展现一个秩序井然、充满宗教色彩的艺术世界。 穿越地中海，你将步入古希腊罗马的殿堂。在这里，艺术的重心从神祇转向了人。和谐、理性、理想化的比例，以及对人体美的极致追求，在雕塑和建筑中得到了淋漓尽致的体现。从帕特农神庙的宏伟壮丽，到米洛斯的维纳斯那难以言喻的优雅，再到罗马帝国凯旋门上记述历史的浮雕，你将看到艺术如何成为荣耀、权力和哲学思想的载体。 中世纪的欧洲，艺术再次被宗教精神所主导。哥特式教堂高耸的尖塔直插云霄，彩色玻璃窗在阳光下散射出神圣的光芒，细致的壁画和手抄本插图讲述着圣经故事，传递着信仰的力量。本书将带你领略拜占庭艺术的辉煌，那里丰富的马赛克和圣像画，充满了神秘主义和象征意义，是连接东方与西方艺术的重要桥梁。 文艺复兴时期，这是一个艺术史上划时代的变革。人文主义的兴起，让艺术家们重新审视人类自身，他们对古典艺术的复兴，不仅是对形式的模仿，更是对精神的回归。从达芬奇的精妙解剖和深邃目光，到米开朗琪罗肌肉贲发的雕塑，再到拉斐尔和谐宁静的画面，本书将深入剖析这一时期艺术创作的突破性进展，以及艺术家如何成为独立的思想家和创造者。 巴洛克和洛可可时期，艺术的表达变得更加华丽、戏剧化和情感充沛。巴洛克艺术以其强烈的动感、浓烈的色彩和复杂的光影效果，营造出一种震撼人心的力量感，常用于宗教宣传和王室的奢华展示。而洛可可则更加轻盈、精致，充满了曲线和装饰，充满了享乐主义的氛围。 进入近现代，艺术的边界被不断打破，风格流派层出不穷。从新古典主义的庄重肃穆，到浪漫主义的激情澎湃，再到现实主义的客观描绘，艺术家们开始关注社会现实和个体情感。然后，印象派艺术家们捕捉瞬间的光影变化，野兽派以大胆的色彩颠覆传统，立体派则将物体分解重组，表现主义则直抒胸臆，抽象艺术更是将形式和色彩推向了极致。 本书还会将目光投向东方，探寻中国、日本、印度等地的独特艺术传统。中国的水墨画、书法、陶瓷，日本的浮世绘、园林艺术，印度的寺庙雕塑、佛教绘画，它们各自拥有独特的哲学思想、审美情趣和表现技法，与西方艺术形成了有趣的对话和对比。你将了解到，丝绸之路、文化交流如何促进了不同文明艺术的融合与发展。 更重要的是，《美术史》关注的不仅仅是“是什么”，更是“为什么”。它会探讨艺术创作背后的社会、政治、经济、宗教和哲学背景，分析艺术如何反映时代精神，如何影响人们的思想和情感。你将明白，每一件艺术品都承载着历史的信息，都是特定文化语境下的产物。 这本书的价值在于，它提供了一种看待世界的方式，一种理解人类创造力的框架。通过学习美术史，你不仅能欣赏到不同风格的艺术作品，更能从中汲取灵感，培养独立的判断力，更深刻地理解人类文明的多样性和复杂性。它不是一本教科书，而是一扇窗，让你看到人类精神在不同时空中的无限可能。

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这本书的结构安排极具巧思，它没有采用传统的时间轴线性叙述，而是巧妙地设置了几个“主题交叉点”来进行讨论，这使得阅读体验充满了惊喜。例如，在探讨19世纪中叶的现实主义绘画时，作者突然插入了一段关于工业革命对城市景观和劳动人民形象冲击的社会学分析，这使得库尔贝和米勒的作品不再是孤立的艺术事件，而是社会变迁的直接产物。这种“横向切片”的分析方法，极大地增强了艺术与现实世界的关联性。另外，这本书对“非西方”艺术的介绍也处理得非常得体，不是作为边缘脚注存在，而是将其视为与西方艺术对话的平等主体。书中对于非洲雕塑的原始力量和日本浮世绘的平面美学，都有着独到且充满敬意的阐释，让人反思我们过去对艺术史的认知可能存在多大的局限性。

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我必须承认，一开始我对这本书的期待值并不高，总觉得艺术史的书籍无非是年代罗列和风格划分的集合体。然而，这本书的第二个部分，关于巴洛克与洛可可的对比分析，彻底颠覆了我的看法。作者对光影和戏剧性的处理着墨极多，尤其是在解读卡拉瓦乔的作品时，那种强烈的明暗对比是如何服务于宗教情感的煽动性，描述得入木三分。更令人称奇的是，他对洛可可风格的批判性审视，并没有简单地将其标签化为“颓废”或“轻浮”，而是将其置于当时的贵族文化和启蒙运动前夜的社会松弛期进行考察。这种立体的分析，使得原本抽象的艺术风格变得鲜活可感，仿佛能闻到凡尔赛宫里那些精致香水的味道。书中对欧洲以外艺术的涉猎也颇为广博，比如对中国宋代山水画的几段评论，虽然篇幅不长，但其意境把握得相当到位，尤其是在谈到“留白”的哲学内涵时，对比了西方透视法的构建，这种跨文化视角的交织，让整本书的格局一下子打开了。

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这本关于“艺术史”的书，坦白说，是我在众多同类书籍中发现的一股清流。它的叙事方式非常独特，没有那种高高在上的学术腔调，而是像一位知识渊博的老友在跟你娓娓道来。开篇对于史前艺术的探讨，就展现了作者深厚的功底，他没有仅仅停留在对洞穴壁画的简单描述上，而是深入挖掘了当时人类的精神世界和生存状态，将艺术创作与当时的社会结构、宗教信仰紧密地联系起来。特别是他分析古埃及艺术时，那种对符号学和永恒观念的解读，让人耳目一新。我记得有一章专门讲授文艺复兴时期佛罗伦萨的艺术赞助体系，作者并没有堆砌大量艺术家和作品的名字，而是聚焦于美第奇家族如何利用艺术来巩固其政治权力，这种宏观的视角极大地拓宽了我的理解边界。阅读过程中，我时常需要停下来，思考作者提出的那些关于“美”的标准是如何随着时代变迁而演化的，这种启发性的阅读体验，远超出了我预期的“学习”目的，更像是一场深入的哲学思辨。这本书的插图选择也十分精妙，那些不常出现在教科书上的偏门但极具代表性的作品，为理解主流艺术思潮提供了新的参照系。

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我必须说，这本书在细节的捕捉能力上达到了一个令人称奇的高度。很多艺术史书籍只是泛泛地介绍流派，但这本书却能深入到材料和技法的层面进行细致的描摹。比如在讲解文艺复兴晚期威尼斯画派时，作者对提香色彩运用的那种“湿润感”的描述，简直是妙笔生花，让人仿佛能透过文字感受到画布上颜料的厚度和光泽的微妙变化。对于近现代艺术的收尾部分，作者的处理更是大胆而令人信服。他没有陷入对当代艺术的过度解读或过度赞美，而是提供了一个非常审慎的框架，引导读者去思考“什么是艺术”在数字时代的新定义。全书的论证过程严谨但不枯燥，充满了对艺术生命力的深刻洞察，读完后，我感觉自己对眼前所见的一切艺术品，都多了一层理解的滤镜，这种收获是无价的。

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这本书的行文风格极其流畅自然，阅读起来完全没有负担感，简直是为那些想深入了解艺术史却又害怕厚重理论的读者量身定做的。我尤其欣赏作者在论述现代艺术的章节中所采用的叙事策略——他没有急于下定论，而是用一种近乎“侦探”的口吻，引导读者去追溯印象派是如何一步步挑战学院派规范的。从莫奈对光线的执着，到塞尚对形体的解构，每一步的演变都写得逻辑清晰，步步为营。当读到立体主义出现时，作者甚至引用了当时物理学的新发现作为佐证，将艺术的革新与科学思潮的涌动联系起来，这种跨学科的整合能力非常高超。这本书的优秀之处在于，它让你在欣赏毕加卡索的《亚维农的少女》时，不仅仅是看一幅画，而是理解了那个时代所有关于视觉、空间和认知的集体焦虑与突破。

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