具体描述
In this book, a continuation of Michael Chanan's investigation of the relation between music and society, the author examines the composer in the light of Jurgen Habermas's study of the public sphere. Taking his cue from the German philosopher's remarks about the bourgeois concert audience, the emergence of criticism and the development of autonomous music, Chanan examines the fate of the composer through successive incarnations, from Handel, Bach and Mozart in the eighteenth century by way of Beethoven, Liszt, Wagner, Mahler and Debussy in the nineteenth, to Schoenberg, Stravinsky, Bartok, Gershwin, Weill, Ellington, Cage and Boulez in the twentieth. Drawing upon recent work in feminist and gay musicology, the book ranges over themes such as subjectivity and identity in Schubert and Chopin, the ascendancy of the Romantic personality, the lure of the exotic in Milhaud's work, and the political economy of music. A detailed history of the idea of the composer as a public figure, Chanan's book charts both the dramatic change in the listening audience and, simultaneously, the composer's progressive marginalization from the centre of musical life. "It is undoubtedly true, as the music critic Hans Keller used to observe, that more people nowadays hear a single broadcast of a new work by an avant-garde composer than would have heard all Beethoven's symphonies in his own lifetime. But the effects are not only quantitative; they also include radical alterations in the relationship between the audience and the object of aesthetic consumption, which seriously affect the situation of the composer, whose audience may now be wider and larger, but also becomes ever more fragmented and anonymous."
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读后感
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用户评价
我个人认为，这部作品最令人称道之处，在于它成功地将宏大的历史框架与极其私密的个人聆听体验巧妙地融合在了一起。作者在叙述某个音乐流派的衰落时，并非用历史的必然性来为之定论，而是插入了一段自己对于某张被世人遗忘的专辑的多年聆听感悟。这种将“我思”嵌入“历史”的结构，极大地增强了文本的可信度和亲切感。它提醒我们，音乐史并非只有博物馆里的展品，它活在每一次不期而遇的重听之中。在探讨音乐中的“英雄主义”时，作者并没有盲目歌颂那些站在聚光灯下的人物，而是将聚光灯打向了那些幕后的编曲家、录音师，甚至是那些只发行过一张唱片的痴迷者。这是一种对音乐生态的全面致敬。阅读过程让我产生了强烈的冲动，想要立即去寻找那些被提及但自己从未接触过的作品，去亲自验证作者笔下那些“声音的魔术”。这种由文字激发的行动力，是评价一部伟大作品的最高标准之一。
评分这本书在处理不同音乐文化间的“边界”问题时，展现出了惊人的批判性思维。它拒绝了简单的线性发展论，而是强调文化元素的不断渗透与重新编码。举例来说，它如何追踪某种源自非裔社区的节奏模式，如何跨越大陆和媒介，最终被吸纳进欧洲的先锋实验音乐中，这个过程被描绘得如同一次精妙的间谍行动，低调而影响深远。作者对“原创性”这个概念进行了有力的解构，指出在音乐史上，几乎所有的创新都建立在对既有材料的颠覆性重组之上。这种视角让人在看待任何一种新的音乐形式时，都不再轻易地贴上“新潮”或“异类”的标签，而是去探究它所继承和挑战的音乐传统。书中对世界音乐（World Music）这一标签的批判性审视尤其精彩，它揭示了商业化如何倾向于将复杂的文化实体简化为易于消费的“异域风情包”。这种深刻的文化反思，让这本书不仅是一部音乐指南，更是一本关于文化权力与传播的教科书。
评分这本书的叙事节奏变化非常有趣，它不像传统的学术著作那样平铺直叙，而是充满了戏剧性的转折和高光时刻。在描述某个特定流派的兴起时，作者会突然采用一种非常口语化、甚至略带新闻报道式的紧迫感来铺陈事件的经过，这让原本可能枯燥的年代背景瞬间鲜活了起来。我印象特别深的是关于某个特定时期地下音乐场景的描绘，那种在简陋排练室里迸发出的原始能量，被作者捕捉得淋漓尽致。你几乎可以闻到汗水、廉价啤酒和吸尘器管道发出的嗡鸣声混合在一起的味道。这种沉浸感是极其罕见的。而且，作者在处理音乐家个人传记时，手法相当高明，他从不沉溺于八卦或无谓的细节，而是将音乐家的个人挣扎——无论是技术上的瓶颈还是商业上的挫折——都精准地锚定在他们作品的演变轨迹上。每当一位音乐家迎来创作上的突破，作者都会用一种近乎庆祝的语气来渲染那个瞬间，仿佛我们这些读者也一同参与了那场伟大的创造。这种对“创作瞬间”的捕捉，使得阅读体验充满了情感上的共振。
评分当我翻开这部分的篇章时，我感觉自己像一个被授予了秘密地图的探险家，即将进入一个关于“声音的革命”的隐秘领域。作者并没有满足于简单地介绍电子音乐的诞生，而是深入剖析了科技进步如何从根本上重塑了“乐器”这个概念本身。那些早期的合成器，在作者的笔下不再是冰冷的金属和电路板，而成了拥有自己独特“脾气”和“人性”的角色。特别是关于二十世纪中叶噪音美学的讨论，那种对不和谐音的迷恋和对传统旋律的挑战，被描绘成一种与工业化时代焦虑感相呼应的必然产物。我被说服了，去重新审视那些过去我可能轻易归类为“刺耳”的声音，并理解它们在特定历史语境下所承载的文化重量。书中对录音室技术演变的梳理，也极具启发性，从早期的单轨录音到后来的多轨混音，每一步技术飞跃都对应着音乐家对创作控制欲的提升。它让我意识到，我们今天听到的音乐，其成品形态，其实是无数次技术选择和美学妥协的产物。这种对技术与艺术共生关系的透彻分析，使得这本书远超一般的音乐史叙述，它更像是一部关于人类感官扩展史的宣言。
评分这部作品的开篇就以一种近乎迷醉的笔触，将读者猛然抛入一个由巴洛克宏大叙事与20世纪迷幻浪潮交织而成的时空漩涡。作者对音乐史的理解之深刻，绝非仅仅停留在对重要人物和里程碑事件的罗列上，而是着力于挖掘隐藏在不同时代声响背后的精神内核与技艺传承的微妙关联。例如，对巴赫赋格结构中那种近乎数学般严谨的内在逻辑，如何间接地（或者说，是精神上）影响了爵士乐即兴演奏中和声框架的构建，这种跨越数百年的对话，被描绘得如同两位素未谋面却心意相通的巨匠在梦中切磋技艺。我尤其欣赏作者在论述早期管弦乐配器法时，那种对木管乐器音色细微变化的敏锐捕捉，仿佛文字本身就带有了乐团的泛音效果。书中对于歌剧艺术的探讨，更是突破了传统学院派的窠臼，它不再是高高在上的“艺术”，而是一种关于人类情感表达极限的实验场。读至此处，我不得不停下来，在脑海中重构脑海里那些固有的音乐年代划分，它们在作者笔下，如同一条条河流，虽然源头不同，但最终都汇入了同一片浩瀚的听觉海洋。这种宏大叙事的魄力和细腻入微的细节把控力，使得阅读过程充满了智力上的愉悦和美学上的震撼，让人期待着下一页将揭示出怎样令人拍案叫绝的关联。
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