Universal History of Music; Compiled From Divers Sources pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:South Asia Books

作者:Sourindro Mohun Tagore

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1990-06-01

价格:USD 12.50

装帧:Hardcover

isbn号码:9788185418544

丛书系列:

图书标签:

• 音乐史
• 音乐
• 历史
• 文化
• 艺术
• 西方音乐
• 古典音乐
• 音乐理论
• 音乐文献
• 音乐研究

历史的回响：人类文明的音乐编年史 图书名称： 历史的回响：人类文明的音乐编年史 内容简介： 本书是一部宏大而精深的音乐史著作，它将听觉艺术置于人类文明的广阔背景之下，探讨音乐如何作为文化、社会、科技和哲思变迁的忠实记录者和驱动力。我们不再将音乐视为孤立的美学现象，而是将其视为一门活态的历史学问，一种跨越地域与时代的集体记忆载体。 本书的叙事结构遵循时间的主线，但其核心理念在于“关联性”。我们不满足于罗列作曲家及其作品，而是深入挖掘每一个音乐时代背后的社会肌理、政治气候、宗教信仰以及技术革新如何共同塑造了我们今天所听到的声音。 第一部：原始的回响与文明的曙光（史前至古典时代早期） 本部分追溯音乐的史前起源，探究人类最早的节奏与旋律是如何在狩猎、仪式和部落交流中萌芽的。我们考察了骨笛、石磬等早期乐器在考古学上的证据，并尝试重建那些已经消逝在时间长河中的原始听觉景观。 随后，我们将目光投向四大文明古国。在美索不达米亚，音乐与神庙祭祀和宫廷娱乐紧密相连，我们细致剖析了苏美尔和巴比伦的竖琴与里拉琴的形制及其音乐功能。在古埃及，音乐在葬礼、法老加冕和宗教庆典中扮演的核心角色，通过壁画和文献得以重构。 对古希腊音乐的探讨是本卷的重点。我们不仅关注毕达哥拉斯对音程的数学化描述——这是西方理论的基石——更深入分析了“乐的伦理”（Ethos）观念，即音乐如何被认为可以直接塑造公民的道德品格。柏拉图和亚里士多德关于音乐教育的辩论，构成了西方艺术哲学的第一块奠基石。我们审视了古希腊戏剧中音乐的不可或缺性，以及单音音乐（Monophony）的基本结构。 第二部：信仰、贵族与和声的诞生（中世纪至文艺复兴早期） 中世纪是西方音乐史上一个由教会主导的时代。本书详细梳理了格里高利圣咏（Gregorian Chant）的形成过程，探讨了其如何通过文本的规范化和曲调的统一，成为巩固天主教会权威的有力工具。我们分析了记谱法从纽姆符号到五线谱的漫长演进，这是人类信息记录史上的一次革命。 随着世俗权力的崛起，游吟诗人（Troubadours and Trouveres）的出现标志着音乐开始从神坛走向宫廷与市井。我们研究了他们的爱情诗歌和叙事歌曲，它们为后来的世俗音乐提供了丰富的母题。 中世纪晚期，复调音乐（Polyphony）的复杂化是音乐史上最引人注目的发展之一。巴黎乐派（Notre Dame School）如佩罗坦和列奥南的作品，展示了对节奏和声部独立性的前所未有的探索。 文艺复兴时期，人文主义思潮将人类的创造力置于中心。音乐的焦点从“神的声音”转向“人的情感表达”。我们考察了佛兰德斯乐派如何通过精妙的对位技巧，将复调音乐推向顶峰。同时，印刷术的普及极大地改变了音乐的传播方式，使得乐谱不再是少数精英的专利。意大利的牧歌（Madrigal）体现了对文本情感的细腻描摹，标志着音乐美学从理性结构向情感张力的过渡。 第三部：戏剧的激情与体系的构建（巴洛克与古典主义） 巴洛克时期（约1600-1750）是音乐史上最富于装饰性和情感张力的时代之一。歌剧的诞生是这一时期的标志性事件，它融合了戏剧、诗歌、舞蹈和音乐，成为统治欧洲舞台的艺术形式。我们深入分析了蒙特威尔第如何打破早期对位法的束缚，以“第二风”（Seconda Pratica）的理念，追求音乐对剧本情感的直接、甚至不协和的描绘。 这一时期，重要的音乐体裁如协奏曲（Concerto）、奏鸣曲（Sonata）和清唱剧（Oratorio）得以确立，并形成了“巴洛克风格”——即对位法的精湛运用、通奏低音（Basso Continuo）的支撑结构以及对强烈情感对比的追求。巴赫和亨德尔是这一时代的集大成者，他们的作品既是技术上的巅峰，也是对宗教和世俗精神世界的深刻诠释。 古典主义时期（约1750-1820）则是一场对巴洛克复杂性的“理性回归”。海顿、莫扎特和贝多芬是这场变革的核心。本书详细阐述了奏鸣曲式（Sonata Form）的结构原理，这种结构完美体现了启蒙运动对清晰、平衡和逻辑性的追求。交响曲和四重奏成为主要的音乐形式，它们要求作曲家进行更深层次的结构思考。我们关注了维也纳古典乐派如何通过旋律的清晰性、和声的简洁性以及乐章布局的对称性，构建了一个看似永恒的音乐秩序。 第四部：个体的情感风暴与民族的觉醒（浪漫主义至二十世纪初） 浪漫主义（约1820-1900）是音乐史上对“自我”表达的极致追求。随着启蒙理想的破灭和中产阶级的兴起，音乐不再服务于教堂或宫廷，而是成为作曲家个人内心世界的映射。李斯特的交响诗、肖邦的夜曲、瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）都体现了对个人激情、对超自然想象以及对无限的渴望。 民族主义思潮在浪漫主义中占据了重要地位。我们考察了德沃夏克（捷克）、穆索尔斯基（俄罗斯）和格里格（挪威）等人如何从本土的民间音乐、传说和舞蹈中汲取灵感，创造出具有鲜明地域特征的音乐语言，以此构建民族身份认同。 技术上，乐器的改进（如改良的钢琴和管弦乐的扩张）使得音乐的音响潜力达到了前所未有的广度。然而，这种情感的泛滥和对传统调性的过度使用，最终导致了体系的崩溃。 第五部：破碎的镜子与声音的边界（二十世纪至今） 二十世纪的音乐史是一场对既定规则的全面颠覆。印象主义（德彪西）对声音色彩的捕捉，预示了对传统结构的松动。随后，以勋伯格为代表的第二维也纳乐派，通过十二音体系（Dodecaphony）和无调性（Atonality），彻底拒绝了自巴赫以来建立的调性中心，试图在完全平等的基础上重构音乐逻辑。 我们分析了斯特拉文斯基的《春之祭》引发的骚动，它标志着对原始节奏和原始暴力的回归，是对资产阶级审美趣味的公然挑战。战后的音乐探索进入了更激进的阶段：电子音乐、偶然音乐（Cage）和序列主义（Boulez）将音乐创作的概念推向了哲学层面。 本书的最后一部分聚焦于音乐的“去中心化”。爵士乐、布鲁斯以及各种形式的民间音乐（Folk Music）在与学院音乐的相互渗透中，拓宽了“严肃音乐”的定义。我们探讨了录音技术如何永久性地改变了音乐的消费模式，使得“现场体验”与“完美再现”产生了永恒的张力。最终，本书以对当代音乐景观的审视作结，探讨在全球化和数字化的背景下，人类如何继续在声音的无限可能中寻找意义与连接。 本书旨在提供一个连贯的、以文化动力学为驱动力的音乐史叙事，它是一部关于人类如何倾听、组织和表达自身经验的编年史。

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