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《中国民族音乐》内容简介：音乐是人们为了表达思想感情而创造或选择的、以乐音和噪音为表现媒介和载体的、超出语词功能之外的成系统的行为方式。根据民族音乐学家的调查，全世界2000多个民族中的每一个民族，无论其历史长短，人口多少，都拥有自己独特的音乐文化，所以，音乐是世界上每一个民族共同体都拥有的一种文化事项。我们把某一民族共同体所创造和拥有的独特音乐文化称为这一民族的音乐，如汉族音乐、维吾尔族音乐、德意志族音乐、法兰西族音乐等。
中华民族在长期历史发展中所创造的音乐称为中国音乐，中国音乐不仅包括了汉族音乐，也包括我国55个少数民族的音乐。
中国音乐可以根据不同的研究目的从多种不同的角度加以分类。如可按其产生时代，以1840年鸦片战争为界，分为古代音乐和近现代音乐；可按其创作的性质，分为人民群众集体创作的民间音乐和音乐家个人谱写的创作音乐；可以按流行的层面分为民间音乐、宫廷音乐、宗教音乐和文人音乐；还可按题材、体裁等不同的标准分类。
中国民族音乐是从我国音乐中按照音乐的形式和风格特征所划分出来的一个极为重要的类别，主要是指中国传统音乐。
《世界电影史纲》 内容简介 本书是一部全面梳理世界电影艺术发展脉络的学术专著。它并非仅仅罗列重要的导演、影片或流派，而是深入剖析了电影作为一种独特的艺术形式，是如何在特定的历史、社会和技术背景下诞生、演变、成熟并最终影响全球文化格局的宏大过程。全书结构严谨，兼具宏观视野与微观分析，力求为读者构建一幅清晰、立体的世界电影艺术全景图。 第一部分：电影的黎明与早期探索（1895-1927） 本部分聚焦于电影这一新兴媒介的诞生及其在默片时代的初步艺术实验。 第一章：光影的诞生与技术先驱 详细考察了从早期活动记录到卢米埃尔兄弟的“活动电影放映机”的演变历程。重点分析了托马斯·爱迪生、威廉·迪克森等人在摄影与放映技术上的关键贡献。探讨了电影早期作为一种“奇观”和“记录工具”的社会功能，而非叙事艺术的阶段。 第二章：叙事的萌芽与格里菲斯的遗产 深入剖析了乔治·梅里爱对魔术和幻想的运用，奠定了电影叙事的基础。随后，重点分析了D.W.格里菲斯在蒙太奇理论、场面调度和长片叙事结构上的革命性贡献，特别是《一个国家的诞生》引发的伦理争议及其对电影语言规范化的影响。 第三章：默片时代的国际浪潮 本章横跨欧洲和美国，系统考察了各国在默片黄金时代的独特探索。 德国表现主义的视觉冲击： 分析了《卡里加里博士的小屋》、《诺斯费拉图》等作品如何通过扭曲的布景、强烈的明暗对比来表达内在心理状态，为后来的恐怖片和黑色电影奠定美学基础。 苏联蒙太奇学派的理论与实践： 详细解读了普多夫金、爱森斯坦和库里肖夫在“知性蒙太奇”上的理论建构，特别是爱森斯坦“碰撞式蒙太奇”在政治宣传和艺术表达上的双重效力。 法国印象派与超现实主义的诗意探索： 考察了巴赞（Jean Epstein）对“摄影真实感”的追求，以及让·爱普斯坦、路易·布努埃尔等如何将潜意识和梦境元素融入电影语言。 第二部分：有声时代的转型与好莱坞的黄金结构（1927-1950） 本部分探讨了有声电影的出现如何彻底改变电影的制作方式、叙事节奏和演员表演，以及好莱坞制片厂制度的鼎盛时期。 第四章：声音的革命与电影语言的重塑 分析了《爵士乐之王》的问世如何引发行业震动。讨论了声音（对白、音乐、音效）的引入如何既丰富了叙事层次，也一度束缚了早期的视觉表达。探讨了如何通过声音设计来建立空间感和心理暗示。 第五章：好莱坞的工业化与类型片体系 系统梳理了米高梅、派拉蒙、华纳兄弟等“五大”制片厂的运作模式、明星制度的建立与维护。重点剖析了类型片（如西部片、歌舞片、黑色电影、犯罪片）的成熟与公式化，分析了这些类型片如何反映和迎合特定时期的美国社会心态。 第六章：战时宣传与新现实主义的兴起 探讨了二战期间各国电影如何被用作动员和宣传工具。战后，欧洲电影界对这种“过度制作”的反思催生了新的创作方向。 意大利新现实主义的影像伦理： 详细分析了罗西里尼、德西卡等导演如何将镜头对准普通民众的日常生活、贫困与道德困境，强调现场拍摄和非职业演员的使用，标志着对传统好莱坞叙事模式的首次重大反叛。 第三部分：现代主义的觉醒与全球电影的多元化（1950-1970） 这一时期，电影艺术开始自觉地反思自身，挑战既有的美学规范，探索个体心理深度，并与全球政治思潮紧密结合。 第七章：欧洲的作者论与电影的自我审视 深入探讨了法国新浪潮运动的核心理念——“作者论”（Auteur Theory）。分析了特吕弗、戈达尔、夏布洛尔等人如何通过打破时空连贯性、使用跳切、手持摄影等手法，将导演的个人风格和哲学思考置于叙事之上。同时，也考察了英、日、瑞典等国在这一时期的现代主义实践（如波兰学派、小津安二郎的静谧美学）。 第八章：东欧的政治寓言与新浪潮的深化 考察了在特定政治环境下，东欧（如捷克斯洛伐克、匈牙利）导演如何利用荒诞、寓言和黑色幽默来表达对体制的批判。分析了贝拉·塔尔等导演如何将现代主义的慢节奏推向极致，探讨存在主义主题。 第九章：好莱坞的反思与新浪潮的冲击 探讨了美国电影在面对欧洲艺术电影挑战时所做的调整。分析了如库布里克、安东尼奥尼（虽然是欧洲导演，但对美式叙事影响深远）等如何将哲学思辨和技术上的完美主义融入到更具规模的商业制作中，为后来的“新好莱坞”埋下伏笔。 第四部分：新好莱坞与后现代的影像迷宫（1970-2000） 本部分关注商业潜力与艺术前卫的再次结合，以及全球化对电影语言的冲击。 第十章：新好莱坞的叛逆与回归 分析了1970年代美国电影界的一批受过欧洲艺术片教育的导演（如科波拉、斯皮尔伯格、马丁·斯科塞斯），他们如何在继承好莱坞类型片的基础上，注入深刻的社会批判、道德模糊性和强烈的个人风格，重塑了美国电影的叙事基调。 第十一章：类型片的解构与后现代主义的特征 系统研究了后现代美学在电影中的体现，如对历史的戏仿、元叙事（电影对自身的评论）、风格的拼贴。重点分析了昆汀·塔伦蒂诺、大卫·林奇等如何打破线性时间、模糊真实与虚构的界限。 第十二章：世界电影的区域中心化与全球发行 考察了1980年代后，电影制作的国际合作日益频繁。详细分析了香港电影的动作美学（如吴宇森、徐克）如何反向输出至好莱坞，以及拉美、伊朗等地区电影如何在全球艺术电影节中占据重要位置，展示了地方性叙事如何获得国际共鸣。 第五部分：数字时代的重塑与未来展望（2000至今） 第十三章：数字技术对电影本体的挑战与机遇 分析了数字摄影、CGI技术如何从根本上改变了电影的制作流程、成本结构和视觉可能性。讨论了特效的过度使用与电影真实感之间的张力。 第十四章：流媒体平台与电影院体验的变迁 探讨了互联网和流媒体巨头对传统电影发行和消费模式的颠覆性影响。分析了长剧集（Prestige TV）对电影叙事复杂度的借鉴与竞争，以及电影艺术在碎片化接收环境下的生存状态。 第十五章：当代电影的全球化议题与身份政治 梳理了当代电影中对殖民历史、环境危机、性别身份等全球性议题的关注。分析了非西方视角（如亚洲、非洲新兴导演）如何以独特的影像语言参与到全球对话中。 结语：电影的永恒困境与未来形态 总结了电影艺术在每一次技术革新和文化转折中所展现出的适应性、反叛性与持久的魅力，并对未来影像媒介的融合趋势进行了审慎的展望。 本书特色： 理论与实例并重： 每分析一个流派或技术转折点，均辅以经典影片的详细段落分析。 跨越国界的视野： 避免过度聚焦于好莱坞，确保了对欧洲、亚洲、拉丁美洲电影运动的同等重视。 关注媒介变迁： 不将电影视为孤立的艺术品，而是置于技术（机械复制、数字革命）和社会（战争、全球化）的大背景下进行考察。 本书适合电影专业学生、艺术史研究者以及所有对世界电影艺术发展史感兴趣的读者深入研读。
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