具体描述
根据英国伦敦Putnam书店1978年出版的海尔伍德伯爵增订本编译。
歌剧艺术的辉煌篇章：世界歌剧名作赏析与历史沿革 《世界歌剧名作赏析与历史沿革》 本书简介： 这是一部深入探索西方歌剧艺术百年发展历程的恢弘巨著。它不仅仅是一本歌剧曲目导览手册，更是一部跨越时空，梳理歌剧自巴洛克时期萌芽，历经古典主义的严谨，浪漫主义的激情澎湃，直至二十世纪现代主义浪潮的演变史。全书力求以详实的史料、精准的音乐分析和生动的剧作解读，为读者构建一个立体、多维的歌剧世界。 第一部分：源起与奠基——巴洛克时期的歌剧曙光（约1600-1750年） 本部分聚焦于歌剧的诞生及其早期形态。我们将从佛罗伦萨的“化宫廷沙龙”聊起，探讨美第奇家族赞助下的雅俗共赏的雏形。重点分析了以贾科莫·佩里和朱利奥·卡奇尼为代表的早期音乐家如何尝试复兴古希腊戏剧中的“音乐化语言”，并最终确立了宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）的基本结构。 随后，我们将深入考察歌剧的第一个黄金时代——那不勒斯乐派的鼎盛时期。亚历山德罗·史卡拉蒂（Alessandro Scarlatti）的贡献被置于核心地位。书中详尽解析了“那不勒斯式咏叹调”（Da Capo Aria）的复杂三段式结构及其在塑造人物情感深度上的作用。通过对亨德尔（George Frideric Handel）在伦敦取得的巨大成功进行案例研究，我们剖析了“正歌剧”（Opera Seria）的规范、主题（多取材于古希腊罗马神话或历史）以及其在美声技巧展示上的极致追求。 此外，本书也细致区分了“正歌剧”与同期流行的“喜歌剧”（Opera Buffa）的差异，特别是对意大利即兴喜剧（Commedia dell'arte）如何渗透到早期喜歌剧中进行了考察，为理解后世莫扎特歌剧的结构打下了坚实的基础。 第二部分：启蒙与革新——古典主义时期的戏剧重塑（约1750-1820年） 进入十八世纪中叶，歌剧界面临着对正歌剧矫饰化和僵化模式的反思与批判。本章着重探讨了改革家克里斯托弗·维利巴尔德·格鲁克（Christoph Willibald Gluck）的“改革歌剧”运动。我们细致解读了《奥菲欧与尤丽狄茜》等作品的序言，理解格鲁克如何强调音乐必须服务于戏剧的“纯洁性”和“崇高性”，削弱了纯粹炫技的咏叹调，推动了场景的整体连贯性。 古典主义的巅峰，自然聚焦于沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）。本书并未将莫扎特视为一个孤立的天才，而是将其置于维也纳和欧洲启蒙运动的社会背景下进行考察。书中花费大量篇幅分析了莫扎特与剧作家洛伦佐·达·彭特（Lorenzo Da Ponte）的黄金合作时期，如《费加罗的婚礼》、《唐璜》和《女人心》。通过对这些“德语-意大利语混合体”的深入分析，读者将清晰地看到：莫扎特如何将咏叹调、宣叙调、合唱和复杂的乐队配器无缝衔接，创造出前所未有的心理深度和戏剧张力，特别是对社会阶层、人性复杂性的描绘，远超前人。 对于德语歌剧的发展，本书也做了前瞻性的铺垫，简单介绍了约翰·亚当·希尔（Johann Adam Hiller）在德语“歌唱剧”（Singspiel）领域的工作，为下一部分对德国歌剧的论述做好过渡。 第三部分：激情与民族——浪漫主义歌剧的全面爆发（约1820-1900年） 浪漫主义时期是歌剧体裁最为辉煌、流派最为纷繁的阶段。 （一）意大利美声的巅峰： 本节首先聚焦于意大利的“美声剧派”（Bel Canto）。乔阿基诺·罗西尼（Gioachino Rossini）的喜剧天赋、文森佐·贝里尼（Vincenzo Bellini）的抒情线条（如《诺尔玛》）以及加埃塔诺·多尼采蒂（Gaetano Donizetti）对情感极端化的把握（如《拉美莫尔的露琪亚》）被详细梳理。随后，我们将进入朱塞佩·威尔第（Giuseppe Verdi）的宏大世界。本书将威尔第的创作生涯划分为早期（社会主题）、中期（莎士比亚与人道主义）和晚期（心理深度）。我们细致分析了《弄臣》、《茶花女》、《阿依达》以及晚期的《奥赛罗》、《福斯塔夫》，探讨威尔第如何通过对乐队的创新使用和对宣叙调的革新，一步步摆脱传统结构，走向更具戏剧连贯性的“整体音乐戏剧”方向。 （二）德意志的哲学浪漫： 德国浪漫主义歌剧则转向了神话、民间传说和哲学思辨。卡尔·马利亚·冯·韦伯（Carl Maria von Weber）的《自由射手》被视为德语浪漫歌剧的奠基之作，书中强调了其对德国民间音乐元素的运用和对自然意象的偏爱。然而，本章的重中之重是理查德·瓦格纳（Richard Wagner）。本书用大量篇幅解析了瓦格纳的“乐剧”（Musikdrama）理论，包括“主导动机”（Leitmotif）系统、对“总艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，以及他在和声上的激进探索。通过对《尼伯龙根的指环》、《特里斯坦与伊索尔德》的深入赏析，读者将领略瓦格纳如何彻底颠覆了咏叹调与宣叙调的界限，创造出近乎无穷尽的、连绵不绝的音乐叙事。 （三）法兰西的辉煌： 法国歌剧的特点在于其对舞蹈和舞台场面的重视。本部分将考察“巴黎大歌剧院”（Opéra）的官方体制，分析贾科莫·迈耶贝尔（Giacomo Meyerbeer）的“壮丽歌剧”（Grand Opéra）的特点。同时，我们也关注“抒情歌剧”（Opéra Comique）的精致与内省，并重点分析了查尔斯·古诺（Charles Gounod）和乔治·比才（Georges Bizet）的作品，尤其是《卡门》，如何以其强烈的异域风情和对女性自由意志的描绘，成为法式浪漫主义的典范。 第四部分：现实主义的冲击与二十世纪的碎片化（约1880年至今） 十九世纪末，一股强烈的现实主义浪潮席卷了欧洲歌剧舞台。在意大利，由贾科莫·普契尼（Giacomo Puccini）引领的“真实主义”（Verismo）强调对普通人生活、激情与悲剧的直接刻画。本书详细分析了《波希米亚人》、《托斯卡》和《蝴蝶夫人》，着重探讨了普契尼如何继承威尔第的人道主义精神，并通过更精妙的管弦乐织体和对东方异域情调的运用，达到了情感表达的极致。 进入二十世纪，歌剧艺术迎来了前所未有的多元化与挑战。本章将考察： 1. 德奥晚期浪漫主义的延伸： 诸如理查德·施特劳斯（Richard Strauss）在《莎乐美》、《埃莱克特拉》中对晚期瓦格纳和印象主义和声的继承与发展，以及他在《玫瑰骑士》中对莫扎特古典形式的回归。 2. 印象主义与表现主义的交锋： 克劳德·德彪西（Claude Debussy）的《佩利亚斯与梅丽桑德》如何以其对语言细微差别的精确捕捉和模糊的音乐色彩，挑战传统结构。而阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）的早期作品，则标志着调性体系的最终瓦解。 3. 东欧的独特声音： 捷克作曲家贝德里奇·斯美塔那（Bedřich Smetana）和莱奥什·雅纳切克（Leoš Janáček）如何将民族音乐元素与强烈的个人叙事融合，创造出具有鲜明地域色彩的杰作。 总结： 本书的最后一部分，将简要梳理战后歌剧的格局变化，包括新古典主义的回潮、电子音乐的介入以及当代歌剧对跨文化主题的探索，旨在为读者提供一个清晰的脉络，理解歌剧这一复杂艺术形式在现代社会的持续生命力与不断转型的努力。全书配有大量的音乐片段示例（仅为文字描述而非乐谱），并附有重要歌剧的剧目概览及背景信息，旨在引导读者从“听众”升级为具备鉴赏能力的“行家”。
作者简介
Complete Opera Book by Gustav Kobbé
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读后感
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此书中分别解述各音乐艺术家的歌剧，详尽独到，评述毒辣，喜欢歌剧的一定不要错过！此书大推！！！ps没查过本书作者，不过似乎与当年很多艺术家熟识
评分此书中分别解述各音乐艺术家的歌剧，详尽独到，评述毒辣，喜欢歌剧的一定不要错过！此书大推！！！ps没查过本书作者，不过似乎与当年很多艺术家熟识
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