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出版者:Gibbs Smith

作者:Vern G. Swanson

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1991-10

价格:USD 49.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9780879053857

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 犹他州
• 绘画
• 雕塑
• 摄影
• 设计
• 文化
• 历史
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好的，这是一本名为《世界建筑史上的里程碑》的图书简介，它不包含任何关于《犹他州艺术》的内容。 --- 《世界建筑史上的里程碑：从金字塔到摩天大楼的辉煌旅程》 简介 《世界建筑史上的里程碑》是一部宏大而深入的建筑艺术编年史，它带领读者穿越时空，探索人类文明史上那些定义了时代、凝聚了智慧与劳动的标志性建筑。本书并非简单地罗列建筑作品，而是将其置于其所处的社会、政治、技术和文化背景之下，剖析建筑如何作为一种无声的语言，记录了人类的信仰、权力、日常生活与对美的永恒追求。 本书的叙事结构采取了时间轴与主题交织的方式，从史前时期的巨石阵开始，直至21世纪的超现代主义结构，旨在勾勒出全球建筑风格的演变脉络及其背后的驱动力。我们相信，建筑是凝固的历史，理解一座建筑，就是理解一个文明的兴衰与转型。 第一部分：文明的基石——古代与古典建筑的伟大开端 本部分深入探讨了早期人类对空间的塑造，及其对永恒与神性的向往。 埃及的永恒之思：神庙与陵墓的几何学 我们首先聚焦于尼罗河流域的古埃及文明。从萨卡拉的阶梯金字塔到吉萨三大金字塔群，建筑在这里不再是栖身之所，而是通往来世的精确阶梯。本书详细分析了方尖碑、柱廊以及神庙（如卡尔纳克神庙）的宗教象征意义、精确的定向技术，以及巨石搬运与堆砌的工程学奇迹。重点探讨了“化虚为实”的建筑理念，即如何通过宏伟的尺度来体现法老的“神性”与秩序。 美索不达米亚的泥砖与神权政治 接着，我们将目光转向幼发拉底河与底格里斯河流域。与埃及的石材崇拜不同，两河流域的泥砖建筑构成了其独特的建筑遗产。我们考察了苏美尔人的Ziggurat（塔庙），分析其层层叠叠的结构如何象征着从人间通往诸神居所的象征性攀登。本书还对比了巴比伦城墙的防御体系，揭示了早期城邦政治对建筑形式的深刻影响。 古希腊的和谐与理性：神庙建筑的黄金比例 古希腊是西方建筑美学逻辑的奠基者。本章重点解析了多立克、爱奥尼克和科林斯三种柱式的演变与功能区分。以雅典卫城的帕特农神庙为例，我们不仅分析了其看似完美的几何比例，更深入探讨了“视觉矫正”（Entasis）技术如何体现了古希腊人对观察者感知的精妙把握。建筑在此被视为人类理性、民主理想与自然秩序的完美结合。 罗马的实用主义与工程革命 罗马人继承了希腊的美学，但以惊人的工程实践拓宽了建筑的可能性。本书详细阐述了罗马人在混凝土（Opus Caementicium）技术上的突破，这项革命性的发明使得建造跨度更大、功能更多样的结构成为可能。万神殿的巨大无支撑穹顶、宏伟的引水渠、浴场以及阶梯式的竞技场（如罗马斗兽场），无一不彰显了帝国强大的组织能力和对公共需求的深刻理解。 第二部分：信仰与权力的构建——中世纪的宗教建筑 中世纪的建筑主要由宗教需求驱动，表现为从早期相对朴素的巴西利卡向宏伟哥特式大教堂的转变。 拜占庭的金色穹顶：圣索菲亚大教堂的奇迹 本书将从君士坦丁堡开始，分析拜占庭帝国如何融合了东西方的建筑语言。圣索菲亚大教堂（Hagia Sophia）是这一时期的巅峰之作，其巨大的中央穹顶漂浮于光线之中，被认为是工程学与神学结合的典范。我们探讨了帆拱（Pendentives）技术在解决圆形穹顶与方形基座之间的过渡问题上的决定性作用。 罗马式：坚固、防御与修行的堡垒 随着西欧的巩固，罗马式建筑以其厚重的墙体、圆拱和相对昏暗的内部空间占据主导地位。这类修道院和教堂强调安全感和坚固性，其布局通常遵循清晰的朝圣路线。 哥特式的垂直升华：光线与骨架的交响乐 哥特式建筑是中世纪的最高成就，它代表了对更高、更亮、更接近天堂的追求。本书将详细解构支撑这一革命性体系的三大要素：肋拱（Rib Vault）、飞扶壁（Flying Buttress） 和尖拱（Pointed Arch）。以沙特尔大教堂或巴黎圣母院为例，我们分析了这些结构如何解放了墙体，允许了巨大彩色玻璃窗的出现，将建筑内部转化为流动的光之殿堂。 第三部分：文艺复兴的回归与巴洛克的戏剧性 文艺复兴标志着建筑师从无名的匠人转变为享有声望的知识分子，他们重新审视古典的和谐原则，并将其置于人文主义思想下。 文艺复兴的理性回归：布鲁内莱斯基与阿尔贝蒂 佛罗伦萨是这场变革的中心。菲利波·布鲁内莱斯基设计和建造的佛罗伦萨大教堂穹顶，被视为中世纪技术向文艺复兴科学转型的里程碑。本书将分析阿尔伯蒂在《论建筑》中对维特鲁威思想的复兴，以及他对立面（Façade）作为建筑“面孔”的强调，如里米尼的马拉泰斯泰奥神庙。 巴洛克的激情与炫技：空间的流动性 进入17世纪，巴洛克建筑以其强烈的动感、椭圆形平面、夸张的装饰和光影的戏剧性对比，表达了反宗教改革的激情与绝对君主的威严。重点分析了贝尼尼在圣彼得大教堂广场的设计，以及博罗米尼在圣卡洛教堂中对曲线的极致运用，建筑的实体感被流动感和视觉错觉所取代。 第四部分：工业革命的冲击与现代主义的诞生 19世纪的工业技术（钢铁、玻璃、电梯）彻底改变了建筑的构成要素和功能需求，为20世纪的现代建筑革命铺平了道路。 19世纪的过渡：结构暴露与新材料 本章探讨了水晶宫、埃菲尔铁塔等结构工程，它们首次将建筑材料的潜力以纯粹的结构表现推向公众视野。同时，铁路车站和百货商店等新型城市建筑的出现，标志着建筑焦点从宗教和王权转向商业和大众生活。 现代主义的宣言：功能、去装饰化与国际风格 20世纪初，一场激进的运动旨在“清除历史的污垢”。勒·柯布西耶的“新建筑五点”、密斯·凡德罗的“少即是多”和格罗皮乌斯在包豪斯学校的实践，构成了现代主义的核心哲学。本书将深入剖析这些大师如何利用钢筋混凝土和玻璃幕墙，创造出适应现代生活、强调功能至上的新型建筑形式。 第五部分：后现代的批判与当代建筑的多元宇宙 现代主义的统一性在20世纪下半叶受到了挑战，建筑开始拥抱复杂性、地域性与历史的引用。 迈向多元：后现代主义的回归与讽刺 面对玻璃盒子带来的单调性，以文丘里为代表的建筑师提倡“少即是乏味”，主张在设计中重新引入装饰、历史典故和市民的日常语言。 解构主义的碎片化与高科技的介入 本书的最后部分聚焦于当代建筑的趋势。解构主义建筑（如贝聿铭、扎哈·哈迪德的早期作品）通过非线性、破碎的形式，挑战了传统的稳定感和几何学。同时，高科技建筑则将结构、机械系统和材料本身作为设计的主题，展示了建筑与先进技术的深度融合。 结语：建筑的未来与城市的韧性 《世界建筑史上的里程碑》总结了不同时代对“理想居所”的不同想象，并展望了在气候变化、城市化加速的今天，建筑师们如何通过可持续设计、智能材料和对地方文脉的尊重，构建更具韧性、更富有人文关怀的未来城市空间。这是一部献给所有热爱空间、历史和人类创造力读者的必读书籍。

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我花了很长时间才下定决心写下这段评价，因为我总觉得，也许是我自己打开这本书的方式不对。也许我应该把它当作一本画册，单纯欣赏那些图片。但是，当那些图片缺乏任何有效的引导和解释时，它们就失去了作为艺术品的冲击力。举个例子，书里有一组关于某个不知名雕塑家的作品集，那些青铜铸造的人形雕塑被放置在类似棚屋的背景下，那种光影的对比本应极具戏剧张力，但文字描述只是简单地称之为“对美国中西部工人阶级的致敬”。这完全是一种怠惰的写作方式！“致敬”？向谁致敬？这种致敬的姿态本身是否具有反思性，还是仅仅重复了过时的刻板印象？这本书错失了太多与观众建立深层对话的机会。它像一个过度礼貌的导游，每到一个景点都用最安全、最不会得罪任何人的语言进行介绍，却完全回避了那些引人入胜的八卦、那些激烈的艺术争论、或者艺术家私下里对创作的真正困惑。对于一个想深入理解“犹他”这个地理概念如何转化为艺术表达的读者来说，这本书提供的视角太浅、太局限，它仅仅停留在地表的展示，对地下的暗流视而不见。

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从排版和设计角度来看，这本书试图营造一种“历史厚重感”，使用了大量的米黄色纸张和衬线字体，但这种努力在内容上却显得苍白无力。我原本期待的是一场视觉上的盛宴，一场关于光线、空间和地域精神的探讨，特别是考虑到犹他州那种极端、纯粹的自然光环境对艺术家的诱惑力。我希望看到对“光”这一元素的深入分析——例如，光线是如何影响那些户外装置艺术的质感？那些在白雪覆盖的山区创作的艺术家是如何处理高反光率对色彩感知的影响？然而，这些期待全都被淹没在一堆关于艺术机构运营、捐赠人名单以及各类艺术教育项目的冗长介绍中。它更像是一份年度报告，而非一部有血有肉的艺术评论集。阅读过程中，我甚至感到有些困惑，这本书的最终目标读者到底是谁？如果它想面向专业的艺术史学家，它的分析深度远远不够；如果它想面向普通艺术爱好者，它的叙述方式又过于枯燥和学术化。它卡在了中间，成为一个两面不讨好的矛盾体。最终，我合上这本书时，脑海中没有留下任何强烈的画面或概念，只有一种“信息量很大但收获甚少”的疲惫感。

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这本书，哦天哪，我得承认，我对它的期待值是相当高的，毕竟“Utah Art”这个标题听起来就充满了广袤西部那种粗犷而又细腻的美学张力。然而，当我翻开第一页，然后是第二页，再然后是第三页……我开始感到一种微妙的失落。我原本设想的是那些色彩斑斓的峡谷光影如何被提炼到画布上，或是萨利纳斯湖畔那种荒凉而又神圣的景观如何被雕塑家捕捉。我甚至期待能看到一些关于早期摩门教定居者艺术的独特发展脉络，那种结合了信仰与拓荒精神的视觉语言。但这本书，恕我直言，更像是一份极其详尽的博物馆藏品目录，只不过里面的展品似乎并没有被赋予灵魂。每一件作品的描述都像是冷冰冰的技术规格表：尺寸、媒介、创作年份，配上几句极其官方且缺乏个人洞察力的定性描述。我期待的是那种能让我闻到犹他州沙漠泥土气息的文字，那种能让我感受到艺术家内心挣扎与狂喜的笔触。结果呢？更像是在阅读一份保险清单。阅读体验是极其平铺直叙的，缺乏任何戏剧性的起伏，仿佛作者生怕自己对任何一件作品产生主观的“偏爱”而选择了彻底的中立，但这种中立最终带来的却是彻底的乏味。我花了整整一个下午试图从中挖掘出一些关于犹他州艺术生态的深层联系，但最终得到的只是孤立的、缺乏上下文的图像堆砌，就像是把一堆精美的石头散放在桌上，却没告诉我它们是如何被发现，又是如何被组合成今日的风景。

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这本书给我的整体感觉是，它在努力“记录”犹他州的艺术，却完全没有尝试去“解读”它。这种记录的姿态，在数字时代显得尤为过时。我们现在可以轻易地在网络上找到每一位被提及艺术家的作品图片和基本信息，但我们真正需要的是一种能将这些零散信息编织成有意义的叙事的能力，一种能揭示地方美学深层动因的智慧。这本书缺乏这种宏大的历史观和敏锐的批判眼光。它只是机械地罗列了从A到Z的艺术家，就像一个行政人员在核对名单。我尤其失望于它在探讨多元文化艺术影响方面的主题上的回避。犹他州的艺术图景必然受到原住民文化、西班牙裔影响以及后期移民浪潮的复杂冲击，但这些碰撞和融合产生的张力，在这本书里被处理得异常温和、甚至可以说是被稀释了。它似乎害怕触碰任何可能引发争议或需要复杂解释的话题。因此，它最终呈现给读者的，是一个被过度美化、被消毒的、缺乏真实生活痕迹的艺术世界，这与犹他州本身那种原始而充满生命力的自然景观形成了巨大的反差，让人感到一种强烈的疏离感。

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翻开这本《Utah Art》，我的第一反应是，这本书的装帧设计简直是一种对艺术的背叛。封面那种过于光滑、反射着刺眼光线的覆膜，瞬间就削弱了任何可能存在的艺术感染力。进入正文，这种感觉愈发强烈。我本以为这会是一场关于地域性艺术风格的深入探讨，探讨犹他州独特的地理环境——那些红色岩石、高山雪线、以及盐湖的超现实主义光感——是如何塑造本土艺术家的创作语汇的。但很遗憾，内容似乎更侧重于对那些在州政府资助下成立的艺术项目进行流水账式的记录。大量的篇幅被用来介绍各类公共壁画的资金来源、参与艺术家名单以及最终落款的细节，这些信息对于一个希望了解艺术史或审美趋势的读者来说，简直是灾难性的冗余。艺术评论部分更是薄弱得令人发指，几乎没有触及到任何关于形式分析、符号学解读或者社会文化背景的探讨。它像是被精心编织成一本官方手册，旨在取悦赞助人和被记录的艺术家本人，而非激发读者的好奇心或提供任何批判性的见解。我渴望看到一场关于盐湖城当代艺术场景的激辩，看到新一代艺术家如何挑战传统、如何反思他们与西部神话的关系，但这本书里只有和谐、只有赞美，一种令人窒息的、缺乏棱角的“完美”。阅读过程中，我不断地在寻找那个能让我感到“啊，原来如此！”的瞬间，但它始终没有出现，留下的只有对时间流逝的懊恼。

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