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出版者:

作者:王小岩

出品人:

页数:450

译者:

出版时间:2009-10

价格:46.80元

装帧:

isbn号码:9787539630908

丛书系列:

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《辉煌的足迹：人类艺术史的深度巡礼》 导言：凝视时间的回响 这是一部旨在深入剖析人类艺术发展脉络的专著，它超越了简单的图像罗列与断代描述，力求从文化、哲学、社会结构乃至技术革新的多重维度，构建起一幅宏大而细腻的视觉文明史诗。本书聚焦于艺术如何作为人类集体意识的投影与反思，记录并塑造了不同历史时期的精神面貌。我们探索的不是艺术的“表面现象”，而是其“内在逻辑”。 第一部分：文明的曙光与原始的呢喃（史前至古典时期） 第一章：岩壁上的第一笔 本书从人类文明的起点——洞穴壁画开始追溯。我们细致考察了拉斯科（Lascaux）和阿尔塔米拉（Altamira）的壁画，不仅仅将其视为简单的狩猎记录，而是深入探讨了这些图像所蕴含的原始巫术信仰、对自然力量的敬畏，以及早期符号思维的萌芽。我们分析了这些作品的材料学基础——矿物颜料的运用及其与特定地理环境的关联。 第二章：尼罗河畔的永恒秩序 古埃及艺术的特点在于其对“永恒”与“秩序”（Ma'at）的执着追求。本章详细解析了法老雕塑的程式化（Canon of Proportions），探讨了这种严格规范如何服务于宗教信仰和王权神授的政治需要。我们对比研究了新王国时期壁画的叙事性与旧王国时期雕像的静穆感，重点分析了象形文字与图像的共生关系。 第三章：美索不达米亚的权杖与神庙 两河流域的艺术，从苏美尔的城邦神塔（Ziggurat）到亚述的宫廷浮雕，体现了世俗权力与神权斗争的复杂图景。我们专门开辟章节来研究《汉谟拉比法典》石碑上的浮雕，解读其如何将法律的严肃性通过神圣的媒介得以彰显。亚述宫殿中猎狮浮雕的动态张力，被视为早期战争宣传艺术的经典范例。 第四章：爱琴海的阳光与希腊的理想 古希腊艺术的革命性在于其对“人”的关注。本章梳理了从几何时期到古风时期（Archaic Period）雕塑从僵硬到生动的过渡，尤其是“古风微笑”（Archaic Smile）所承载的文化意义。进入古典时期，我们聚焦于帕特农神庙的建筑比例（如视觉校正）和雕塑家菲狄亚斯（Phidias）对“理想人体”的塑造。对古典艺术中理性、和谐、均衡的哲学基础，进行了深入的思辨。 第五章：罗马的实用主义与帝国的颂歌 罗马艺术继承了希腊的形体美学，但将其转向了服务于帝国统治的实用目标。本部分详细分析了罗马肖像艺术的“写实主义”——其对个体特征的精确捕捉，如何成为政治宣传的工具。从万神殿的巨大穹顶到图拉真纪功柱的连续叙事浮雕，我们探讨了罗马工程学与艺术的完美结合，以及他们对公共空间的建构哲学。 第二部分：信仰的时代与风格的嬗变（中世纪至文艺复兴早期） 第六章：拜占庭的金色光芒与圣像的凝视 君士坦丁堡的艺术以其对光线和神圣性的极致追求而著称。本章深入解析了马赛克（Mosaic）的技法及其在圣索菲亚大教堂中的应用。我们探讨了圣像画（Iconography）的严格规范，以及这些图像如何作为“通往神圣的窗户”，而非单纯的装饰物。 第七章：罗马式与哥特式的向上精神 中世纪的艺术是为信仰服务的。我们对比分析了罗马式（Romanesque）艺术的厚重、坚实与哥特式（Gothic）艺术的轻盈、高耸。特别关注了哥特式大教堂的结构创新——飞扶壁（Flying Buttresses）如何解放了墙体空间，使得彩色玻璃（Stained Glass）得以大规模应用，将自然光转化为神圣的光束。 第八章：文艺复兴的觉醒：回归人文主义 文艺复兴的爆发，标志着西方艺术对古典精神的重新发掘与超越。本章探讨了透视法的科学化（布鲁内莱斯基、马萨乔），以及素描（Disegno）在艺术创作中的核心地位确立。我们详细分析了达芬奇对人体解剖学的钻研，以及米开朗基罗如何将古典英雄主义注入基督教主题（如西斯廷教堂）。 第九章：盛期文艺复兴的鼎盛与张力 拉斐尔、达芬奇、米开朗基罗“三巨头”的时代，是和谐与完美的巅峰。本书细致剖析了《蒙娜丽莎》中“晕染法”（Sfumato）的微妙效果，以及《雅典学院》中哲学思想的空间组织。同时，我们也触及了威尼斯画派（提香）对色彩（Colorito）的重视，为即将到来的巴洛克埋下伏笔。 第三部分：激情的迸发与理性的审判（巴洛克至启蒙运动） 第十章：巴洛克的戏剧性与情感冲击 巴洛克艺术是对文艺复兴完美主义的一种反动，它拥抱运动、激情和强烈的明暗对比（Chiaroscuro）。卡拉瓦乔（Caravaggio）的现实主义和戏剧性布光，以及贝尼尼（Bernini）雕塑中“瞬间的永恒化”（如《圣特蕾莎的狂喜》），构成了本章的核心。我们还将巴洛克风格延伸至北欧，分析伦勃朗对内心世界的刻画。 第十一章：洛可可的轻盈与宫廷的享乐 洛可可（Rococo）风格是法国波旁王朝晚期贵族生活的艺术体现。本章着重分析了其装饰性、对柔和色彩和曲线的偏爱。华托（Watteau）和弗拉戈纳尔（Fragonard）的作品，是理解十八世纪享乐主义文化的重要窗口。 第十二章：启蒙与革命：新古典主义的回归 面对洛可可的颓靡，新古典主义（Neoclassicism）呼唤理性、道德和公民美德的回归。大卫（Jacques-Louis David）的作品如《贺拉斯兄弟之誓》，被视为法国大革命前夕的思想动员工具。本章探讨了艺术如何再次成为政治意识形态的传声筒。 第四部分：现代性的突围与多元的探索（十九世纪至今） 第十三章：浪漫主义的情感风暴 浪漫主义（Romanticism）是个人情感、想象力和对宏大自然的崇拜的爆发。从戈雅（Goya）对战争恐怖的描绘，到德拉克洛瓦（Delacroix）对色彩和运动的运用，再到透纳（Turner）笔下光与气的迷幻景象，本章阐述了艺术主体性的确立。 第十四章：现实与瞬间：从写实到印象派 十九世纪中叶，艺术开始将目光投向日常的、未经美化的现实。库尔贝（Courbet）的“写实主义”挑战了学院派的标准。随后，印象派（Impressionism）对光线、色彩和时间性瞬间的捕捉，彻底颠覆了传统绘画的构图和媒介观念。我们细致分析了莫奈对同一场景不同光影变化的系统性探索。 第十五章：后印象派与现代艺术的奠基者 塞尚（Cézanne）对形体几何本质的追寻、梵高（Van Gogh）对主观情感的色彩表达，以及高更（Gauguin）对原始象征的向往，共同为二十世纪的艺术革命铺平了道路。 第十六章：二十世纪的断裂与重建 二十世纪艺术进入了“加速时代”。本部分将专题研究野兽派的色彩解放、立体主义（Cubism）对多重视角的几何解构，以及抽象艺术的诞生（康定斯基）。我们还将探讨达达主义（Dada）对艺术本质的颠覆性诘问，以及超现实主义（Surrealism）对潜意识领域的挖掘，展示了艺术如何从模仿自然转向了对人类内在经验的全新建构。 结语：未完待续的对话 艺术史并非一条平滑的线性发展，而是充满断裂、回归与对话的复杂网络。本书试图提供一把钥匙，帮助读者理解每一件艺术作品背后所承载的时代精神、技艺的演进，以及人类永恒的审美追求。艺术的意义，存在于我们不断回望与提问的过程中。

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从整体使用体验来看，这本书的“百科全书”属性体现得淋漓尽致，它不仅仅是线性的阅读材料，更是一个可以高效检索的知识库。书末的索引编排得非常详尽和科学，无论是按艺术家、作品名、流派、还是重要的艺术术语，都能迅速定位到相关章节。我曾尝试查找一个非常冷门的19世纪末的装饰艺术运动分支，令人惊喜的是，它不仅有专门的词条，还提供了该运动与其他同期流派之间的相互影响路径图。这种全方位、多角度的索引设计，极大地提升了它作为工具书的效率和实用价值。对于需要进行学术研究或快速查证资料的读者而言，这种严谨的编目系统，是衡量一本百科全书专业性的核心标准，而这本书无疑在这方面做得非常出色，达到了行业内的顶尖水准。

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这本书的装帧设计实在是让人眼前一亮，那种厚重的质感和沉甸甸的分量，光是捧在手里就能感受到它所承载的知识量。封面采用的哑光材质，配上精致的烫金字体，散发着一种低调而奢华的古典美，这与书名中“世界美术”的宏大主题非常契合。内页的纸张选择也十分考究，触感细腻光滑，即便是长时间阅读也不会感到疲惫。更值得称赞的是，这本书的排版布局简直是教科书级别的典范。版式设计疏密有致，字号和行距都经过了精心的计算，确保了视觉上的舒适度。尤其是在介绍那些复杂的艺术流派和作品细节时，图文的对应安排得极其巧妙，让人能轻松地在文字描述和视觉呈现之间建立起清晰的联系。这种对细节的极致追求，体现了出版方对于打造一本高质量艺术百科全书的严肃态度。它不仅仅是一本工具书，更像是一件精心雕琢的艺术品，让人在阅读之前就已经被它的专业气质所折服。

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初翻阅这本厚重的典籍，最直接的感受就是其内容的广度和深度令人咋舌。它似乎毫不偏私地囊括了从史前洞穴壁画到当代数字艺术的每一个重要节点，简直像一个微缩的、可随时查阅的全球艺术博物馆。我尤其欣赏它在叙事结构上的处理方式。作者并没有简单地按照时间线机械地罗列事实，而是巧妙地构建了一张跨越地域和时代的关联网络。比如，当谈及文艺复兴时，它会自然地回溯到古希腊的雕塑传统，又会前瞻性地引出巴洛克时期对光影戏剧性的继承与反叛。这种多维度的参照和对比，极大地丰富了我们理解艺术演变脉络的维度，避免了知识点的碎片化。对于一个渴望系统性构建艺术史知识体系的读者来说，这种宏观视野的引导是无可替代的宝贵财富。它不只是告诉你“是什么”，更深层次地探讨了“为什么会这样发展”。

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这本书的插图质量达到了超乎想象的水平，这对于一本视觉艺术类的书籍来说，是至关重要的生命线。我原以为这类百科全书为了追求页数和覆盖面，必然会在图像分辨率上做出妥协，但事实恰恰相反。无论是对古典油画细腻笔触的复刻，还是对现代雕塑表面肌理的还原，都精确得令人发指。色彩的还原度极高，那种博物馆原件才有的微妙色差和层次感，通过印刷技术得到了最大程度的保留。更棒的是，许多作品的局部特写被放大并放在了专门的版块进行解析，使得读者可以清晰地观察到大师们处理细节的技巧，比如梵高笔触的厚重感、达芬奇晕染法的柔和过渡等。这种对“看”的重视，使得它超越了一本单纯的参考书，更像是一本提升鉴赏力的“视觉训练手册”。

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不得不提的是，这本书在解释那些晦涩难懂的艺术理论和哲学思辨时，所采用的语言风格是极其平易近人的。许多美术史著作常常陷入术语的迷宫，让非专业人士望而却步，但这本书似乎深谙“大道至简”的道理。它能用清晰、生动的比喻来阐释诸如现象学美学或解构主义等高深概念，仿佛身边有一位学识渊博却又充满耐心的导师在为你细细讲解。例如，它描述印象派光影捕捉的片段，读起来就像是在作者的带领下，亲身体验了一次塞纳河畔的午后写生。这种“可读性”的提升，极大地拓宽了艺术鉴赏的受众群。它成功地打破了艺术理论与大众之间的那道无形的壁垒，让那些原本只停留在博物馆标签上的名词和流派，真正“活”了起来，变得鲜活可感，充满生命力。

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纸张，太差了，对我这种鼻炎患者来说，看一会，鼻子就痒了

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