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出版者:

作者:崔钟雷

出品人:

页数:108

译者:

出版时间:2009-8

价格:9.80元

装帧:

isbn号码:9787547001073

丛书系列:

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翰墨耕耘：中国古代书画鉴赏导论 卷首语： 艺术之美，源远流长。在中国浩瀚的历史长河中，书画艺术犹如璀璨的星辰，闪耀着独特的光芒。它们不仅仅是纸墨的简单堆砌，更是时代的缩影、文人的心声、技艺的传承。本书，旨在为热爱中华传统文化，渴望步入书画鉴赏殿堂的同好，提供一份系统而深入的入门指南。我们不追求包罗万象的详尽罗列，而是着重于构建一个清晰的认知框架，帮助读者掌握鉴赏的基础脉络与核心要义。 第一章：溯源——中国书画的千年流变 中国书画，肇始于远古的岩画与陶器纹饰，历经周秦的青铜铭文，汉代的帛画与画像石，最终在魏晋南北朝时期，在“书画同源”的理论指导下，完成了艺术形态上的独立与成熟。 一、上古遗风与雏形： 追溯至新石器时代的几何纹饰与符号，探究早期人类精神世界在图形上的初步表达。重点解析“图画文字”阶段，探讨象形文字如何孕育了中国画的造型基础。 二、魏晋风骨与士人精神的崛起： 这一时期是书画艺术史上一个关键的转折点。顾恺之的“以形写神”理论，标志着中国画审美标准从单纯的叙事性转向内在精神的挖掘。曹不兴、卫夫人等人的实践，奠定了后世人物画和书法的基础。探讨玄学思想对文人阶层审美趣味的影响，如何将艺术从宫廷、宗教的束缚中解放出来，使其成为个体精神寄托的载体。 三、唐代气象——盛世的恢弘与技法的完备： 唐代是中国封建社会的鼎盛时期，书画艺术也展现出空前的繁荣与多样性。工笔重彩的极致发展（如吴道子“吴带当风”的革新），院体画的成熟，以及水墨技法的萌芽（如王维的“水墨为上”理念），共同构筑了一个辉煌的格局。本章将细致剖析唐代壁画的宏大叙事与人物画的“盛唐气象”。 四、五代宋初——院体的鼎盛与院外画派的兴起： 北宋的艺术成就达到了新的高峰，学院体系（翰林图画院）的建立，使得技法达到了前所未有的精纯。从范宽的雄奇山水到李唐的“院体派”对北方山水的继承，再到米芾“刷字”与“米家山水”的创新，展现了宋代士人对自然物象的细腻观察与理性表达。南宋时期，马远、夏圭的“边角之景”，则以其简洁、写意的构图，预示着文人画的进一步成熟。 五、元代文人画的自觉与转型： 随着蒙古族入主中原，原有的宫廷艺术体系受到冲击。以“四王”（赵孟頫、黄公望、倪瓒、吴镇）为代表的文人画家，将书法笔墨的写意精神提升到前所未有的高度。他们不再拘泥于对自然的形似描摹，转而追求“胸中丘壑”，强调笔墨本身的韵律与趣味。本章将重点分析“元四家”各自的艺术面貌及其对后世写意画派的深远影响。 六、明清——流派纷呈与程式的固化与突破： 明代中晚期，江南文人画（如“吴门画派”）和浙派的技法对抗，使得画坛呈现出流派众多的景象。董其昌“南北宗论”的提出，进一步巩固了文人画在理论上的主导地位。清代，四王的正统地位使得程式化倾向加剧，但同时，以“四僧”（石涛、八大山人等）为代表的革新者，以其强烈的个性和反叛精神，为中国画的未来发展开辟了新的道路。 第二章：笔墨精神——鉴赏书法的核心要素 书法，被视为“无声的音乐，无形的舞蹈”。它不仅仅是书写文字的工具，更是个人学养、性情和功力的直接体现。鉴赏书法，需从“点画形态”、“结体章法”和“气韵生动”三个层面入手。 一、点画的质感与提按顿挫： 探讨笔墨在纸上留下的痕迹——枯湿浓淡、轻重缓急。解析“中锋”与“侧锋”的运用，以及“飞白”、“宿墨”等特殊笔法的审美价值。强调笔锋在起、行、收三个阶段的控制力，这是检验书法家基本功的试金石。 二、结字与章法的布局： 结字关乎单字的结构美学，要求平衡、欹侧、疏密得当。章法则涉及整幅作品的篇章布局，如字距、行距的疏密变化，通篇气息的连贯性与节奏感。重点分析楷书的“方正”、行书的“呼应”、草书的“连绵”在章法上如何体现。 三、书体流变与时代风貌： 简述篆、隶、楷、行、草五体的演变轨迹。重点分析篆书的古朴、隶书的蚕头燕尾、楷书的法度森严、行书的韵逸、草书的奔放，并指出不同书体在特定历史时期的文化象征意义。 第三章：物象与意境——鉴赏绘画的审美维度 中国画的鉴赏，核心在于理解其“写意”精神，即“得意忘形”的审美取向。它注重表达画家对自然和人生的感悟，而非单纯的客观再现。 一、中国画的造型语言： 区别于西方绘画的焦点透视，中国画主要依赖散点透视、高远、平远、深远等多种“空间处理法”。解析“骨法用笔”——用线条来塑造形体和传达情感，线条本身成为独立的艺术语言。 二、文人画的“三绝”与“书画同源”： 深入探讨诗、书、画、印在文人画中是如何融为一体的。诗言志、书载道、画传情，印章则起到收束和点睛的作用。特别是书法题跋的融入，极大地丰富了画面的信息量和艺术层次。 三、山水画的哲学内涵： 山水画不仅仅是风景的描绘，更是“天人合一”哲学思想的物化。分析“可游、可居、可观”的审美境界。以“皴法”为例，探讨董源的披麻皴、李唐的斧劈皴、黄公望的牛毛皴等，如何用不同的笔墨语言描绘山石的肌理和生命力。 四、花鸟画的写意与写实： 探讨花鸟画中对物象象征意义的解读（如梅兰竹菊的“四君子”），以及“工笔”与“写意”两种风格的并存与互补。解析如何通过对枝干的虬曲和花瓣的轻盈处理，表现生命的坚韧或柔美。 第四章：断代辨伪——品鉴的实践路径 艺术品的鉴赏，最终要落到对作品时代风格和真伪的判断上。 一、风格的演变与地域性： 认识到不同时代、不同地域的画家在用笔、设色、构图上的地域性差异。例如，蜀地山水的雄强与江南山水的秀润之间的区别。 二、鉴赏的“眼力”培养： 强调“多看、多临、多思考”的重要性。真正的“眼力”来自于对大量原作的积累性观察，而非仅凭书本知识。需要建立对古人笔墨语言的敏感度，能够从作品中感受到“气”的存在。 三、关于“伪作”的认识： 坦诚地探讨历史上仿古、伪作的现象。辨识伪作并非仅仅依赖印章款识，更要深入考察其笔墨是否符合该时代或该画家的“内在逻辑”，尤其要警惕那些笔力僵硬、气息不畅的“模仿之作”。 结语： 书画鉴赏，是一场与古人心灵的对话，一条永无止境的探索之路。本书提供的是一把基础的钥匙，希望读者能够凭借此书所启发的兴趣与方法，真正走进那片充满墨香与历史厚重的艺术天地，去感受、去品味，去体会中国艺术独有的魅力与深度。真正的造诣，永远在实践中磨砺而成。

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这本书的侧边切口处理得非常漂亮，那种略带粗粝感的纸边，在灯光下呈现出温暖的米黄色调，营造出一种仿佛刚从古老的图书馆中被取出的错觉。我特别留意了它在印刷上的细节，字体的笔画清晰有力，墨色浓淡适中，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳。从这个角度看，这本书的设计师和印刷师傅显然是深谙阅读之道的行家。这种对基础阅读体验的极致追求，比起那些用花哨设计来掩盖内容的“伪精品”，简直是高出了不止一个档次。我非常期待能沉浸在这份精心打造的阅读载体之中。

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这本书的封面设计真是让人眼前一亮，那种简约又不失深邃的质感，一下子就抓住了我的眼球。翻开第一页，扑面而来的是一种典雅的书卷气，虽然内容本身我还没来得及细读，但光是排版和字体选择，就能感受到出版方在细节上的用心。纸张的触感也十分舒适，拿在手里沉甸甸的，让人觉得这是一本值得珍藏的好书。我特别喜欢它那种朴实无华却又内蕴深厚的风格，仿佛在邀请读者进入一个充满智慧的殿堂。这本书的装帧设计，真的体现了一种对阅读本身的尊重，让人忍不住想要立刻投入到文字的世界中去。它不是那种华而不实的畅销书，更像是一件精心打磨的艺术品，让人爱不释手。

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这本书的重量和开本比例拿捏得极其精准，让我联想到那些经典文学作品的初版装帧风格，有一种复古的韵味。我甚至可以想象，这本书在未来的许多年里，都会以这样坚实的姿态陪伴着我，成为书架上一个可靠的坐标。它没有试图去迎合任何快速消费的潮流，而是坚定地走在一条追求永恒价值的道路上，这从它的设计语言中就能清晰地捕捉到。这种对经典美学的致敬，让我对阅读其中的知识体系充满了敬畏和好奇，感觉这本书不仅仅是一本书，更像是一个时代的缩影。

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拿到这本书的时候，我最先关注的是它的装帧和设计理念，虽然内容尚未涉猎，但从外在呈现来看，这本书显然走的是“内敛而有力量”的路线。书脊的烫金工艺处理得恰到好处，既有质感又不至于显得俗气，那种低调的奢华感恰恰符合我对优质书籍的期待。内页的留白处理也非常到位，给了眼睛足够的休息空间，阅读体验想必会非常流畅。而且，这本书的尺寸设计也很人性化，无论是放在书架上还是随身携带，都显得恰如其分，不会有太大或太小的笨重感。这种对外在形式的精雕细琢，往往预示着内容本身也经得起推敲，让人对它抱有极高的期待值。

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说实话，我是一个很注重书籍“气场”的人，有些书拿在手里总觉得少了点什么，但这本书一入手，立刻产生了一种奇妙的连接感。它没有花哨的插图或者夸张的宣传语，仅仅是书名和作者的署名，就营造出一种强大的知识密度感。我甚至花了很长时间去摩挲封面材料的纹理，那种细微的凹凸感，让人感到踏实和可靠。这本书的整体调性非常成熟稳重，散发着一种历经沉淀后的智慧光芒，让我相信它所承载的内容绝对是经过深思熟虑和严格筛选的。这种对品质的坚持，是当代出版界非常难得的。

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