American Art (Summer 1993) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:National Museum of American Art

作者:Monroe E. Price

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1993

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9780937311103

丛书系列:

图书标签:

• American Art
• Art History
• American Painting
• Sculpture
• 1990s
• Museum Publications
• Art Journals
• Fine Arts
• United States
• Summer 1993

好的，这是一本关于美国艺术史的图书的详细简介，其内容与您提到的《American Art (Summer 1993)》无关： 《现代主义的蜕变：20世纪美国视觉艺术的里程碑》 导言：时代的画布与心灵的投影 本书旨在为读者呈现一部跨越二十世纪的美国视觉艺术史，重点聚焦于艺术观念如何随着社会、政治和经济的剧烈变迁而不断地自我革新与重塑。我们着眼于那些具有开创性意义的艺术运动、关键的艺术家及其作品，探讨它们如何从欧洲传统的桎梏中挣脱出来，最终确立起一种具有全球影响力的“美国之声”。不同于以往仅仅罗列风格和代表人物的编年史叙事，本书深入剖析了现代主义的内在张力——既有对进步和现代性的狂热拥抱，也有对资本主义异化和都市冷漠的深刻反思。 第一部分：新世界的萌芽与传统秩序的瓦解 (1900-1930) 二十世纪初的美国艺术，是一场在模仿与寻求独立之间的艰难拔河。欧洲的现代主义思潮，特别是立体主义和野兽派，如同强心剂一般注入了美国艺术界。 一、写实主义与都市的脉搏：格鲁吉亚人和“八人画派” 在对学院派的温和反抗中，一群被称为“格鲁吉亚人”的画家群体开始关注他们脚下的土地和城市生活。他们拒绝了印象派的柔和光影，转而采用更坚实、更具叙事性的笔触来描绘美国工业化进程中的真实图景。紧接着，“八人画派”（The Eight）的出现，标志着对资产阶级审美趣味的直接挑战。罗伯特·亨利（Robert Henri）等人，以其粗犷的现实主义风格，将纽约的贫民窟、街头喧嚣和普通劳动者的生活搬上了画廊的墙壁。这种对“丑陋”和“真实”的坚持，为后续的抽象革命埋下了对传统美学祛魅的伏笔。 二、阿蒙特展与抽象的轰炸 1913年的“军械库展览”（Armory Show）是美国艺术史上的分水岭。这次展览首次大规模地将欧洲前卫艺术引入美国公众视野，对本土艺术家造成了巨大的震撼。在这里，杜尚的激进观念、康定斯基的纯粹抒情，以及立体派的几何解构，彻底撕裂了美国艺术界对欧洲的亦步亦趋。本土艺术家们开始摸索如何将这些激进的观念转化为符合美国精神的语言。摩斯·麦克尼尔·怀斯（Morgan Russell）和桑顿·勃尔巴基（Thornton Burgess）等早期的抽象探索者，虽然声量不大，却为日后抽象表现主义的爆发奠定了理论基础。 第二部分：战争阴影下的实用主义与文化抵抗 (1930-1945) 大萧条和第二次世界大战的阴云，使得艺术的目的性发生了显著变化。艺术不再是精英阶层的游戏，而是社会干预和国家叙事的工具。 一、区域主义的乡愁与大萧条的挽歌 在政治倾向的推动下，以格兰特·伍德（Grant Wood）、托马斯·哈特·本顿（Thomas Hart Benton）和约翰·斯图尔特·卡里（John Steuart Curry）为代表的“区域主义”兴起。他们拒绝抽象的、国际化的艺术语言，转而歌颂美国中西部的田园牧歌式生活和坚韧的美国精神。作品中流淌着对失落的、纯粹的美国价值观的怀旧情绪，旨在通过具象的、易于理解的视觉语言，凝聚人心。 二、摄影的介入与社会纪实 联邦政府为应对大萧条而设立的多个艺术项目，催生了美国摄影史上最辉煌的时代。多萝西娅·兰格（Dorothea Lange）和沃克·伊凡斯（Walker Evans）等纪实摄影师，以冷静而富有同情心的镜头，记录了流离失所的农民、空旷的城市和被遗忘的角落。他们的作品不仅是历史文献，更是对社会不公的有力控诉，将摄影提升到了与绘画同等的批判高度。 三、抽象表现主义的酝酿：从立体到精神 在战争爆发前夕，一批富有远见的批评家和艺术家开始密切关注欧洲超现实主义流亡艺术家带来的潜意识理论。纽约的画廊，如佩吉·古根海姆（Peggy Guggenheim）的“艺术的未来”画廊，成为文化熔炉。杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）和威廉·德·库宁（Willem de Kooning）开始尝试打破传统的构图和媒介限制，将画布视为一个行动的领域，而非描绘对象的窗口。这时期，对个体心理深处的挖掘和对创作过程本身的关注，已然超越了社会现实主义的范畴。 第三部分：纽约学派的崛起与冷战的美学武器 (1945-1960) 二战结束后，艺术的中心从巴黎转移到了纽约。美国艺术进入了一个前所未有的自信和扩张的时代，抽象表现主义成为主导力量。 一、行动绘画与“场所感” 抽象表现主义不再仅仅是一种风格，它是一种存在论的姿态。波洛克的“滴画”技术（Drip Painting）将偶然性、身体运动和画布的物质性结合起来，强调的是创作行为本身的神圣性。德·库宁则在狂暴的笔触中探索着女性形象的残片与重构。这些作品的巨大尺幅和对“在场感”（Presence）的追求，表达了艺术家在原子时代对个体价值的极度强调和对宏大叙事的抗拒。 二、色域绘画的沉思：纯粹色彩的体验 与行动绘画的动感形成鲜明对比的是“色域绘画”（Color Field Painting）。马克·罗斯科（Mark Rothko）和巴尼特·纽曼（Barnett Newman）致力于去除一切叙事元素，只留下大面积、相互渗透的色彩区域。他们的目标是通过色彩的纯粹力量，引导观众进入一种近乎宗教般的冥想状态。纽曼的“拉链”（Zips）系列，则是对画面统一性和观看体验的精确控制。 第四部分：反叛的转向与消费文化的解构 (1960-1970) 面对抽象表现主义的“过度严肃”和个人英雄主义，新一代艺术家发起了更为直接、更具颠覆性的反击。他们将目光从艺术家的内心转向了日常的、被大众媒体充斥的外部世界。 一、波普艺术的嘲讽与再挪用 安迪·沃霍尔（Andy Warhol）和罗伊·利希滕斯坦（Roy Lichtenstein）宣告了波普艺术（Pop Art）的到来。他们毫不掩饰地从广告、漫画和超市货架中提取图像，通过丝网印刷、重复和夸张的手法，模糊了高雅艺术与通俗文化之间的界限。这种艺术是对战后美国空前繁荣的消费主义的既肯定又讽刺的回应。他们展示了图像的泛滥如何消解了事物的原创意义。 二、极简主义的回归：拒绝神秘，拥抱物件 与波普的喧闹相对，极简主义（Minimalism）则追求极致的去个人化和客观性。唐纳德·贾德（Donald Judd）和卡尔·安德烈（Carl Andre）的作品，通常是工业材料（如钢板、混凝土）构成的简单几何体，被精确地放置在画廊空间中。他们要求观众不再关注作品的“意义”或“情感”，而是去体验作品作为“特定物体”（Specific Object）与空间、光线和观众身体的直接关系。 结论：多元化的遗产与未来的边界 二十世纪的美国艺术史是一部持续打破陈规、不断自我辩驳的历史。从对欧洲形式的模仿，到对本土现实的忠诚，再到对个体潜意识的探索，最终演变为对大众文化和空间哲学的解构。这种对媒介、主题和艺术地位的不断质疑，塑造了美国艺术在世界范围内的独特地位——它始终保持着一种紧张的、实验性的、面向未来的动态。本书的分析将引导读者理解，正是这些相互冲突的思潮，共同构筑了美国视觉艺术的丰富景观。

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