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出版者:河北教育出版社

作者:(英)吉莉恩·沃尔夫 文/图

出品人:

页数:39页

译者:陈贶怡

出版时间:2009年11月

价格:29.80元

装帧:精装

isbn号码:9787543473683

丛书系列:启发精选世界优秀艺术鉴赏绘本

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书名：穿行巴洛克：光影、激情与信仰的视觉史诗 图书简介 《穿行巴洛克：光影、激情与信仰的视觉史诗》是一部深入剖析十七世纪欧洲艺术思潮与视觉成就的恢弘巨著。本书摒弃了传统艺术史书籍侧重于艺术家生平与流派罗列的窠臼，转而以“体验”和“叙事”为核心，带领读者潜入巴洛克艺术这场波澜壮阔的文化革命之中。 巴洛克时期，是欧洲社会经历宗教改革与反宗教改革、科学革命与绝对君主制兴起的剧烈动荡期。艺术不再是文艺复兴时期对和谐、宁静的追求，而是转变为一种强有力的情感表达工具，旨在震撼人心、激发虔诚，并彰显权力。本书将聚焦于巴洛克艺术如何成功地运用戏剧性的光影对比（明暗对照法）、夸张的动态构图、以及强烈的感官刺激，来完成其宗教、政治和美学上的使命。 第一部分：光影的戏剧——明暗与幻觉的构建 本部分首先探讨了光线在巴洛克艺术中的革命性作用。我们不会仅仅停留在对卡拉瓦乔（Caravaggio）的“Tenebrism”（暗色主义）的简单介绍，而是深入分析这种极端的光影处理如何服务于精神主题。光线不再是均匀的照明，而是被塑造成一种神圣的介入，将凡俗的场景瞬间提升至启示录的层面。书中详尽分析了卡拉瓦乔的早期罗马作品中，光线如何穿透黑暗，聚焦于罪恶、救赎与瞬间的觉醒。 随后，我们将视角转向北方，探究荷兰黄金时代的伦勃朗（Rembrandt van Rijn）如何将这种内部光线运用到世俗肖像与自画像中。伦勃朗的光影不再是外来的神启，而是从人物的内心深处散发出来的“灵魂之光”。通过对大量蚀刻版画和油画的微观分析，我们揭示了画家如何通过细致的笔触和层次丰富的色调，营造出一种深刻的心理深度和共情能力。 本章还特别设置了一节，比较了巴洛克早期与盛期在处理“幻觉”与“真实”边界时的差异。从安德烈·波佐（Andrea Pozzo）在罗马圣依纳爵教堂天顶画中那令人眩晕的透视法，到建筑装饰中对雕塑与绘画界限的模糊处理，我们考察了巴洛克艺术家如何系统性地欺骗眼睛，以求达到精神上的“超越体验”。 第二部分：激情与动态的狂欢——身体、运动与情感的释放 巴洛克艺术的核心是“动”。与文艺复兴的静态平衡形成鲜明对比，巴洛克雕塑与绘画充满了旋转、扭曲、飞扬的布料和张开的嘴巴。本部分重点解析了这种对动态的痴迷如何反映了时代对情感释放的渴望，以及教会如何利用这种感官冲击来对抗新教的禁欲主义。 我们将详细考察贝尼尼（Gian Lorenzo Bernini）的雕塑作品。从《圣特蕾莎的狂喜》中对肉体与灵性结合的惊人描绘，到《大卫》中即将投掷石块的蓄力瞬间，我们分析了贝尼尼如何将大理石转化为具有生命力和时间性的媒介。书中通过对多角度观察点的研究，阐释了巴洛克雕塑对观众的“邀请”——迫使观众围绕作品移动，从而体验到叙事的高潮。 在绘画领域，鲁本斯（Peter Paul Rubens）的“肉体赞美诗”是本部分的重头戏。我们不仅仅将他的作品视为对健美女性的描绘，而是将其置于佛兰德斯文化背景下，探讨他如何通过强烈的色彩、饱满的造型和富有张力的构图，来表达生命力、生育力以及反宗教改革时期天主教的丰盛教义。此外，还涉及了对西班牙“卡拉瓦乔主义者”如苏巴朗（Zurbarán）如何以一种更为内敛、近乎苦修的方式来处理动态和激情。 第三部分：权力、信仰与景观的融合——艺术的公共职能 巴洛克艺术是权力的艺术，无论是教会还是世俗君主，都深谙利用视觉艺术来巩固其统治合法性的重要性。本部分将目光投向宫廷与宗教场所的总体规划。 在法国，我们将深入凡尔赛宫的镜厅，分析路易十四的“太阳王”形象是如何通过建筑的奢华、绘画的寓言以及雕塑的典范，被系统性地构建和展示的。重点在于理解巴洛克美学如何成为绝对君主制意识形态的物质载体。 同时，本书也批判性地审视了欧洲天主教会如何利用巴洛克风格的辉煌和感染力，在特伦特会议后重建其在民众心中的威信。无论是罗马的圣彼得大教堂穹顶下那座巴洛克的祭坛，还是西班牙和拉丁美洲的殖民地教堂中更为夸张、色彩更艳丽的装饰艺术，都体现了艺术在捍卫信仰阵地中的核心作用。我们探讨了“奇观”（Spectacle）如何成为巴洛克教会策略的一部分。 结语：余韵与转向 最后一部分将总结巴洛克艺术如何达到其视觉表达的顶峰，并为下一个艺术时代——新古典主义的理性回归——铺平了道路。本书旨在提供一种多维度的阅读体验，鼓励读者不仅要“看”巴洛克艺术，更要“进入”它所构建的光影世界、情感洪流和权力叙事之中，理解这一时期艺术实践背后的复杂社会、宗教与哲学动因。通过这种深度的视觉考古，读者将能够清晰地辨识出巴洛克艺术如何以其永恒的戏剧性，塑造了西方现代审美经验的基础。

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这本书《看！各种角度看名画》带给我最大的感受，就是艺术其实并不遥远，它就蕴藏在我们生活的方方面面，只是需要一种特殊的“视角”去发现。《看！各种角度看名画》做到的，就是为我们提供了这把开启艺术宝藏的钥匙。作者在分析作品时，常常会将画作放置在更广阔的社会文化背景下去考察，让我看到了艺术与历史、哲学、甚至科学之间的千丝万缕的联系。比如，在解读文艺复兴时期的画作时，作者详细阐述了当时人文主义思潮如何影响了艺术家对人体的描绘，以及科学家们对解剖学的研究是如何体现在画作中的。这种跨学科的视角，让我对那些熟悉的画作有了更深刻的理解，原来它们不仅仅是美的呈现，更是那个时代思想的载体。而且，作者在讲解过程中，非常善于运用对比和类比的手法，将复杂的艺术概念变得通俗易懂。我记得他解释“透视法”时，用了一个非常形象的比喻，让我一下子就明白了它的原理。书中还包含了很多关于“如何欣赏”的指导，比如如何去观察画面的构图，如何去理解色彩的象征意义，如何去感受画面的节奏和韵律。这些指导就像是给我的艺术鉴赏能力“充电”，让我能够更自信、更深入地去解读每一幅画。读完这本书，我感觉自己仿佛拥有了一双“火眼金睛”，能够看到画作背后隐藏的无限可能。

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这本书《看！各种角度看名画》，让我对“看”这件事有了全新的理解。我之前总以为，看画就是看画上的内容，看它画了什么。但这本书让我明白，真正的看画，是看画作背后的故事，看它所处的时代，看画家的心境，甚至看它如何“被看”。《看！各种角度看名画》最让我印象深刻的是，它不仅仅局限于对画作本身的分析，还会引入很多关于艺术史的“幕后花絮”。比如，它会介绍一些画作在历史上的流传过程，以及它们是如何在不同时期、不同收藏家手中辗转。这种“画作的传记”式解读，让我感受到了艺术品生命力的顽强，也让我意识到，每一幅名画背后都有着一段跌宕起伏的历史。而且，作者在讲解时，常常会运用一种“对比式”的分析方法，将同一主题在不同画家笔下的呈现方式进行比较，这让我能够更清晰地看到不同艺术家在风格、技巧和思想上的差异。我记得在分析不同时期圣母子像时，作者就生动地展示了从早期神秘、庄严的形象，到文艺复兴时期更加人性化、母性的描绘，再到后期更加写实、情感丰富的表现。这种对比，让我能够直观地感受到艺术的演变和发展。读完这本书，我感觉自己不仅仅是在认识名画，更是在学习一种“洞察”艺术的眼光，能够看到那些隐藏在表面之下的更深层次的意义。

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这本《看！各种角度看名画》简直是打开了我对艺术世界的一扇新大门！我一直都觉得自己对名画的理解停留在“哦，这幅画很出名”的层面，最多就是辨认出几个作者的名字。但这本书，它真的是一点点地，用一种极其生动有趣的方式，把我拽进了那些画作的灵魂深处。我特别喜欢它讲到蒙娜丽莎的那一部分，以前我总觉得她那神秘的微笑有点故弄玄虚，但作者从光线、色彩、甚至当时画家的笔触，一点一点地解析，我才发现，那不是刻意的神秘，而是一种恰到好处的、动态的表情捕捉。而且，书中还穿插了许多关于画作创作时期的社会背景、艺术家本人的人生经历，这些信息就像是给画作注入了生命。比如，讲到梵高的《星夜》时，作者并没有仅仅停留在他那些耳熟能详的轶事上，而是深入探讨了当时他所处的精神状态，以及那些扭曲的笔触和浓烈的色彩，如何在科学和艺术之间找到了某种奇妙的共鸣。它让我意识到，每一幅名画都不是孤立存在的，它们是时代、是个人、是情感的凝结。读这本书，我感觉自己就像一个侦探，在作者的引导下，一层层地剥开画作的面纱，发现那些隐藏在表象之下的深层含义。最重要的是，它并不枯燥，作者的语言非常平实，却又充满了激情，常常让我看得津津有味，甚至会时不时地捧腹大笑，因为他用了很多生动形象的比喻，把那些复杂的艺术理论变得通俗易懂。我强烈推荐给所有和我一样，曾经对名画感到“可远观而不可近玩”的朋友们，这本书绝对会改变你对艺术的看法。

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《看！各种角度看名画》这本书，是我近期阅读过的最让我眼前一亮的作品之一。它打破了我以往对艺术书籍的刻板印象，用一种极其新颖、活泼的视角，带领我重新认识了那些耳熟能详的名画。《看！各种角度看名画》最让我惊喜的是，它不仅仅关注画作的“内容”，更注重画作的“形式”。作者在讲解时，会细致地分析画面的构图、线条、色彩的搭配，甚至是画布的肌理。我记得在读到关于法国画家德加的芭蕾舞女系列时，作者不仅仅描述了画面的美感，还深入分析了德加如何运用独特的视角和构图，来捕捉芭蕾舞者瞬间的动态，以及他为何选择这种“非传统”的视角来描绘这个主题。这种对形式的关注，让我明白了原来艺术的美，不仅仅在于它所描绘的事物，更在于它如何去描绘。而且，书中还包含了很多关于艺术史发展脉络的梳理，作者会巧妙地将不同时期、不同风格的画作进行对比，让我能够清晰地看到艺术是如何一步步演变的。这种宏观的视角，让我能够更好地理解每一幅画在艺术史上的地位和意义。读完这本书，我感觉自己不仅仅是认识了一些名画，更是学会了一种“看”画的语言，能够从更专业的角度去欣赏艺术的美。

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我一直以来都对艺术抱有浓厚的兴趣，但总是觉得自己在看名画时，缺乏一种能够深入理解的“工具”。《看！各种角度看名画》这本书，就像为我量身打造了一件艺术鉴赏的“瑞士军刀”，它提供了多维度的解读方式，让我能够从不同角度去探索画作的奥秘。《看！各种角度看名画》最让我称赞的一点是，它非常善于将抽象的艺术理论，通过生动有趣的故事和案例来呈现。作者在讲解时，会引用很多艺术家的逸闻趣事，以及画作创作背后的故事，这让我感觉自己仿佛置身于那个艺术的时代，与艺术家们共同经历创作的过程。我记得在读到关于波提切利《维纳斯的诞生》的章节时，作者不仅仅描述了画面的唯美，还深入探讨了当时文艺复兴时期，人们对于古典神话的重新解读，以及这种思潮如何影响了艺术家的创作。这种将艺术作品置于历史和社会语境中的解读方式，让我看到了画作背后更深层次的文化意义。而且，这本书还包含了很多关于“现代艺术”的介绍，作者并没有回避那些我曾经觉得“看不懂”的抽象画和观念艺术，而是用一种非常开放和尊重的态度去解读它们，让我对现代艺术有了全新的认识。读完这本书，我感觉自己不再是一个被动的艺术接受者，而是能够主动地去思考、去感受、去理解艺术的魅力。

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我一直觉得，艺术作品的魅力在于它们能够跨越时空，与观者进行对话。《看！各种角度看名画》这本书，就完美地做到了这一点，它让我感觉自己就像在与那些伟大的艺术家们面对面交流。作者在解读名画时，非常注重挖掘作品的情感内涵，他会试图去揣摩画家的创作意图，去理解画作所要传达的情感，并用一种非常生动、贴近人心的语言来呈现。我记得在读到关于荷兰画家伦勃朗的章节时，作者详细分析了他对光影的运用如何营造出一种深邃、神秘的氛围，并试图去解读伦勃朗在作品中流露出的，那种对人性复杂的洞察。这种情感化的解读，让我不再仅仅将画作视为静态的图像，而是能够感受到其中流淌的情感和生命力。而且，这本书还包含了很多关于画作修复和保护的知识，让我了解到，我们今天能够看到的这些珍贵的艺术品，背后有多少人的辛勤付出和智慧。这种对艺术品“生命”的关注，让我更加珍惜这些宝贵的文化遗产。作者在讲解过程中，并没有回避一些艺术史上的争议和不同观点，而是鼓励读者自己去思考和判断。这种开放性的态度，让我感觉自己不再是被动地接受信息，而是积极地参与到一场关于艺术的讨论之中。

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我一直是个对艺术有点“心有余而力不足”的人，总觉得那些名画离我很遥远，像高高在上的神明，可望不可即。《看！各种角度看名画》这本书，彻底颠覆了我的这种认知。它就像一位循循善诱的良师益友，一点点地拉近了我与艺术的距离。我最欣赏它的一点是，它敢于挑战一些“固定”的解读，给出一些别出心裁的看法。比如，在分析鲁本斯的画作时，作者并没有仅仅强调他画作的“肉感”和“动感”，而是深入探讨了在他那个时代，这种对人体健康的描绘所代表的意义，以及画家如何通过这种方式来表达对生命的赞颂。这种“跳脱”式的解读，让我耳目一新，也让我重新审视了那些我曾经认为理所当然的艺术评价。书中还穿插了许多关于“看画”的技巧，比如如何去观察画面的焦点，如何理解画面的色彩冷暖对比，如何去感受画面的节奏感。这些技巧就像是给我的眼睛加了滤镜，让我看到以前从未注意到过的东西。我特别喜欢它讲到克里姆特《吻》的那一章，作者没有简单地停留在“金色”和“浪漫”上，而是分析了画中人物身体的缠绕，以及这种缠绕背后所蕴含的，那种既紧密又疏离的现代情感。读这本书，我感觉自己不仅仅是在学习艺术知识，更是在学习一种全新的“观看”方式。它让我更加自信地去表达自己对画作的感受，不再担心自己的理解是否“正确”。

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读完《看！各种角度看名画》之后，我感觉自己瞬间拥有了“透视眼”，能够看到那些我之前从未察觉到的细节和深意。这本书最让我惊艳的地方在于，它不仅仅是简单地罗列名画和它们的作者，而是真的做到了“各种角度”的解读。比如，在分析达芬奇的《最后的晚餐》时，作者并没有仅仅聚焦于基督和门徒们的表情，而是花了大篇幅去解读画作的构图，如何运用透视法来增强空间的纵深感，如何通过人物的肢体语言和眼神交流来营造戏剧性的冲突。我之前总觉得那幅画很“静”，现在才明白，那是一种蓄势待发的张力。更令我着迷的是，书中还对比了不同时期、不同文化背景下对同一主题（比如圣母子像）的描绘方式，这种对比分析让我看到了艺术的演变和不同文化审美的差异。作者在讲解时，常常会引用一些旁征博引的典故，又不会显得过于晦涩。他对于色彩的运用、笔触的力度、甚至画家选择画布的材质，都进行了细致入微的分析，让我不禁感叹，原来一幅画里可以藏着这么多学问。我尤其喜欢它对印象派画作的解读，作者用一种非常接地气的方式，解释了为什么那些画看起来“模糊”，以及印象派画家是如何打破传统，捕捉光影瞬间变化的。读这本书，我感觉自己不再是被动地接受信息，而是主动地参与到一场关于艺术的探索之旅中。它激发了我极大的好奇心，让我想要去亲眼看看那些画作，去感受作者所描绘的那种震撼。

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这本书《看！各种角度看名画》简直是送给我的一份厚礼！我一直以来都觉得自己在看名画时，就像一个“门外汉”，只能看到表面的色彩和轮廓，却抓不住那些画作背后真正的灵魂。这本书，就像一位经验丰富的向导，一步步地带领我深入那些艺术宝库。作者的讲解方式非常特别，他不仅仅是在介绍画作本身，还会结合很多历史事件、社会风俗，甚至当时人们的日常生活来解读画作。我记得有一次读到关于荷兰黄金时代画作的章节，作者描绘了当时的市民生活，以及画家们是如何将这种生活气息融入到他们的作品中，这让我对那些看似寻常的静物画和肖像画有了全新的认识，仿佛能听到画中人物的交谈声，闻到画中食物的香气。而且，这本书的语言风格也十分吸引人，没有那些枯燥的学术术语，而是用一种非常生动、形象、甚至带有幽默感的方式来表达。我常常一边看一边忍不住笑出声来，因为作者的比喻太到位了，能一下子把我带入情境。他会用很接地气的方式来解释一些复杂的艺术理论，比如他形容某个画家的笔触时，会说“就像是在画布上跳舞”，这种形象的描述，比任何专业的理论都更容易理解。读这本书，我感觉自己就像坐在一位老朋友的身边，听他娓娓道来那些关于艺术的故事，既增长了见识，又收获了快乐。

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作为一名对艺术充满好奇但又缺乏专业知识的读者，我必须说，《看！关于各种角度看名画》这本书，完全超出了我的预期。它不是一本简单的画册，也不是一本晦涩的艺术史论述，而是一场充满惊喜的艺术探险。我尤其喜欢它对印象派和后印象派画作的解读，作者没有像许多书籍那样，仅仅停留在“光影”、“色彩”这些表面描述，而是深入挖掘了这些艺术家们在创作过程中所面临的挑战，以及他们如何通过创新的手法来表达内心的感受。例如，在讲述梵高时，作者并没有止步于他“孤独的艺术家”形象，而是详细分析了他对颜色的运用如何反映了他的情感波动，以及他对现实世界的独特观察视角。这种细腻而深入的分析，让我对那些我曾经认为“粗糙”的笔触，有了全新的理解和尊重。书中还涉及了许多关于艺术批评的观点，作者会引用不同时期、不同学派的艺术评论家对同一幅画的看法，并进行对比分析，这让我意识到，艺术的解读并非只有一种标准答案，而是充满了多元性和主观性。他鼓励读者带着自己的视角去感受和理解画作，而不是盲目接受权威的评价。这种开放性的引导，让我更加自信地去探索自己的艺术感知能力。读完这本书，我感觉自己不再是被动地欣赏艺术，而是能够主动地与艺术对话，去发现那些属于我自己的独特体验。

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不错的绘本故事，有助于很好的欣赏美术作品，

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非常有助于孩子对绘画作品的观察与欣赏

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做画册看还不错，绘本就含金量太少了。我爱蒙德里安，我爱梵高，我爱康定斯基，我爱莱利

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很有趣 遇到了很多喜欢的画家

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不错的绘本故事，有助于很好的欣赏美术作品，