具体描述
This is the most comprehensive publication to date, and the only book in print, on the work of Frank Auerbach, a painter who has become one of the pre-eminent artists of our age, widely admired for his vivid, impulsive depictions of the world around him. His is, ostensibly, a narrow world, a small area of north London where he has lived and worked for more than fifty years, but within it he achieves images of marvelous poignancy and feel. "I’m hoping," Auerbach has said, "to make a new thing for the world that remains in the mind like a new species of living thing." Auerbach, who was born in Berlin in 1931 and came to Britain when he was eight, repeatedly paints people he knows well and places he is familiar with. His drawings and paintings are strikingly immediate; their impact has urgency; they relate in various ways as much to certain preferred Old Masters as to the contemporary artists with whom he tends to be associated, notably Francis Bacon and Lucian Freud. The book includes 200 color plates together with a separate reference section comprising around 900 images—Auerbach’s complete works to date—many of them not previously reproduced. Writer and art historian William Feaver discusses Auerbach’s work both in its immediate context and in relation to the great tradition of painting. Extensive conversations with the artist are also included.
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读后感
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用户评价
我一直相信，伟大的艺术家总是在与媒介进行一场永无休止的对话，而奥尔巴赫的这场对话，无疑是充满戏剧性的。我希望这本书能够超越传统的学术分析，提供一些更具人性温度的侧面材料。比如，关于他早年生活的艰辛，那些塑造了他对物质坚韧不拔态度的经历，是否能在后期的创作中找到投射？好的艺术书籍不应该只关注画布上的内容，还应该展示艺术家在画布之外如何“生活”艺术。我尤其关注那些关于他在不同时期委托制作的那些大型、几乎是建筑尺度的作品的幕后故事。想象一下，要处理如此大量的颜料，需要多么巨大的体力和后勤支持，这本身就是一件令人敬畏的“行为艺术”。如果这本书能包含一些早期展览的照片，或是他工作室的罕见内部视角，哪怕只是黑白照片，也能极大地丰富我们对这位艺术家生活状态的理解。这本书对我来说，如果能解答“是什么驱使一个人如此不妥协地坚持自己的创作方式直到生命的尽头？”这个问题，那么它就不仅仅是一本画册，而是一部关于艺术承诺的史诗。
评分对于一个不常接触纯粹绘画的读者来说，理解像奥尔巴赫这样高度依赖材质和光影的艺术家的作品，往往需要一个很好的“引路人”。我期待这本书的导言或 essays 部分，能够提供一种既权威又平易近人的叙事角度。也许可以从他与弗朗西斯·培根等同时代艺术家的复杂关系入手，这种环境的张力本身就是一种强大的叙事动力。当然，更关键的是，如何用文字去“描述”那些难以言喻的视觉体验。比如，如何描述他作品中那种既沉重又充满内在热度的色彩运用？那不是鲜亮的色彩，而是泥土、煤渣、铁锈混合后的、充满历史感的色调。如果书中有对一些关键作品的逐层解析，比如如何用画刀而不是画笔来“建筑”画面，那将是非常宝贵的教学材料。我更希望看到一些技术性的小贴士，不是为了让读者去模仿，而是为了让我们能更深层次地欣赏艺术家在控制如此不驯服的材料时所展现出的惊人毅力和智慧。这不仅仅是艺术，这是一种炼金术，将平凡的油彩转化为永恒的物质存在。
评分说实话，我最近对那些过于“干净利落”的当代艺术感到有些审美疲劳，我更偏爱那些能让人看到“劳动”痕迹的作品。因此，任何一本深入探讨那些以材料的物理性著称的艺术家的书籍，都立刻能抓住我的注意力。我一直在寻找一本能清晰梳理出奥尔巴赫从早期探索到后期炉火纯青的技法演变脉络的作品集。重点在于“演变”。艺术家的创作并非一蹴而就，而是无数次推翻重来、不断加固和刮除的结果。我推测这本关于他的书会有一部分篇幅专门讨论他对“厚涂”（impasto）的使用，但这不能仅仅停留在“他用很多颜料”这种肤浅的描述上。真正吸引人的是他如何控制这种厚度——如何让颜料在干燥后依然保持其内在的张力，如何处理那些似乎要从画布上坠落的油彩块。对比一下他那些相对平坦、但同样充满力量的素描作品，这本书如果能将油画与素描放在一起进行对比分析，那对于理解他如何处理光线和形体，将会有极大的助益。我更希望看到的是，编辑团队有没有勇气去呈现那些不那么“完美”的草稿或失败的尝试，因为这些往往是通往大师级作品最真实的阶梯。
评分这本新近出版的画册，简直是一场视觉的盛宴，尽管我手头上并没有那本关于弗兰克·奥尔巴赫的特定作品集，但仅凭着我对当代绘画史的涉猎和对那些在画布上倾注了全部生命力的艺术家的理解，我可以想象这本关于他的书会是多么的重量级。这本书的装帧，我猜想，一定是对得起这位大师作品厚重感的。我曾经在泰特现代美术馆近距离接触过他的某些巨幅作品，那种颜料堆叠出的、近乎雕塑般的肌理，简直让人呼吸困难。你会感觉到画布不再是平面的载体，而是承载了艺术家与时间、物质搏斗的现场。如果这本书的印刷质量能够捕捉到那种三维的质感，那它就成功了一半。我特别期待看到对他在伦敦汉普斯特德工作室环境的描摹，那里的光线，那里的空气，想必都渗透进了他的颜料之中。一个优秀的艺术家传记或作品集，不仅仅是图像的简单堆砌，它应该能让你闻到松节油的味道，听到画笔刮擦画布的沙沙声。这本书如果能做到这一点，那它就超越了单纯的“参考书”范畴，而成为了一种沉浸式的体验。我希望它能深入挖掘奥尔巴赫如何将他日常可见的城市景观，比如那些灰蒙蒙的街道、拥挤的酒吧内部，转化为具有永恒感的纪念碑式结构。这种将转瞬即逝的现实凝固下来的能力，正是他与其他抽象表现主义者区分开来的关键。
评分当我们谈论战后英国艺术时，总绕不开那些宏大的叙事，但真正让我感到震撼的，往往是那些极其私人化、几乎是偏执地专注于某一主题的艺术家。奥尔巴赫就是这样一位。我一直在思考，他是如何能数十年如一日地描绘那些看似单调的场景，却总能从中发现新的维度和情感深度的？一本好的图书评价，应该能触及到这种“执念”背后的哲学基础。我猜测这本书会涉及到他对“时间”的独特处理方式——他的画布仿佛是时间的切片，每一层颜料都代表着一次观察、一次停留、一次情感的沉积。这种对同一主题的反复回归，并非简单的重复劳动，而是一种深度的挖掘，就像地质学家勘探地层一样。我非常希望看到一些关于他如何看待外部世界——他对巴赫音乐的迷恋，他对自然光线变化的敏感捕捉——这些非视觉的输入是如何转化为他那标志性的、几乎是泥土般的物质性的输出的。如果这本书仅仅停留在作品图像的罗列，那它就失去了对这位艺术家精神内核的捕捉能力。我需要的是一个能够解释“为什么”而不是仅仅展示“是什么”的解读。
评分这本书是精装版 基本上收录所有的作品 还是挺值1400块的 这本书标价1400基本上是真货
评分色彩里的物质感
评分色彩里的物质感
评分素描很棒
评分很喜欢，很感人
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