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出版者:古吴轩出版社

作者:吴锦亚

出品人:

页数:169

译者:

出版时间:2009

价格:35.00

装帧:平装

isbn号码:9787807333753

丛书系列:苏州昆曲艺术原真性研究丛书

图书标签:

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《尘封的琴弦：徽班兴衰录》 作者：[此处留空，作者信息可以根据实际情况添加] 出版社：[此处留空，出版社信息可以根据实际情况添加] ISBN：[此处留空，ISBN信息可以根据实际情况添加] --- 内容提要： 《尘封的琴弦：徽班兴衰录》是一部深入挖掘清代至民国时期徽州戏曲文化发展脉络的学术专著。本书并未聚焦于单一剧种或某一特定艺术形式的技艺研究，而是将目光投向了以徽班为代表的民间戏曲群体，如何在一个宏大而复杂的社会结构中生存、演变、冲突与最终消亡或转化的历史过程。 本书的核心议题是探讨徽州地区在特定历史时期内，其戏曲人才的培养机制、商业运营模式、跨地域巡演的组织结构，以及在国家政策、城市商业资本与地方宗族权力三者交织影响下的命运轨迹。我们试图超越传统戏曲史中对“名家”、“名剧”的线性叙事，转而关注那些构成戏曲生态系统的“幕后力量”——班主、经纪人、戏班的内部管理制度，以及他们如何在政治动荡与经济变革中，努力维系一个脆弱的文化实体。 第一部分：徽州与戏曲的地理缘起 本书首先梳理了徽州文化圈的地理特性与商业精神如何催生了强大的戏曲输出能力。徽州人“贾而好儒”的特质，使得他们将戏曲视为一种可以量化、可以投资、可以跨区域运作的文化商品。我们考察了从黟县、歙县等地走出的早期戏班的形成背景，分析了宗族网络在戏班招募、资金筹集和提供“安全网”方面所扮演的关键角色。 详细分析了早期徽班的“行头”（服装、道具）制作与运输体系，这不仅是物质层面的构建，更是早期商业物流管理能力的体现。我们通过挖掘地方志、祠堂记录和私人信件残片，重构了戏班在徽州本土的“孵化期”特征，并对比了他们与其他地域戏班（如以苏杭为中心的昆山腔系统）在初始资源配置上的差异。 第二部分：流浪的剧场：跨地域巡演与商业模式的创新 徽班的生命力在于其“流动性”。本书的第二部分集中探讨了徽班在全国范围内的商业扩张策略。我们构建了一个详细的徽班“生命周期”模型，从班社的组建、资本的注入、接洽戏园子或地方士绅的“邀戏”，到巡演的路线规划，乃至季节性休整的地点选择。 重点研究了徽班在不同政治环境下（如乾隆盛世与嘉庆中叶的社会治安变化）如何调整其风险管理策略。书中详细解析了“票头”（合约）的签订细节，以及戏班在陌生城市中如何利用同乡会馆或地方势力建立临时性的权力庇护所。我们特别关注了徽班在江浙、两湖乃至京城建立的“信息中枢”，这些中枢负责市场调研、人才储备和危机公关。 此外，本书还探讨了徽班在传统“南戏”与新兴“花部”竞争中的策略调整。徽班如何吸收地方声腔元素，形成了极具适应性的“乱弹”风格，使其能够在不同地域获得更广泛的听众基础，并成功地与当地成熟的戏曲文化形成竞争乃至融合关系。 第三部分：权力与艺术的张力：徽班在京城的兴衰 徽班历史的高光时刻无疑是进入京城，并逐渐影响甚至主导了清宫廷戏曲的演变。本书对这一阶段的分析细致入微，不再停留在简单的“宫廷供奉”层面，而是深入探究了徽班与内务府、权臣之间的复杂互动关系。 我们分析了徽班内部的“分帮立派”现象，例如“徽班进京”后，不同班社为了争夺演出机会和宫廷赏赐所采取的商业竞争手段。如何通过“贿赂”、“人情网络”来确保核心人员的安全与地位，是本部分探讨的重点。书中引用了大量未曾被充分挖掘的清宫档案、王府奏折记录，揭示了艺术审美标准是如何被权力结构所塑造和规训的。 更重要的是，本书探讨了徽班在承接宫廷审美趣味后，如何反过来影响民间戏曲的发展方向，以及这种“自上而下”的影响是如何加速了其本土根基的松动。 第四部分：现代性的冲击与文化遗产的重构 晚清至民国时期，随着西方文化、新的传播媒介（如留声机、早期电影）和城市现代化进程的推进，徽班的传统商业模式遭遇了空前的挑战。本书的最后一部分聚焦于这一“断裂期”。 我们考察了戏班解散或转型时的社会影响。大量戏曲艺人如何被纳入新兴的剧场体系，或转而投身于新兴的文学艺术领域。徽州籍的戏曲改良家们，是如何试图用现代的观念和技术来“拯救”传统艺术的，以及他们的努力在多大程度上是成功的或无效的。 本书对“徽班”这一文化现象的终结进行了多维度的反思：是市场经济的失败？是人才断层的必然？还是国家权力重构下地方文化组织的自然消亡？最终，我们探讨了“徽班精神”如何在后续的中国戏曲史上以其他形式被继承和重构，成为中国现代戏剧史中一个复杂而幽深的历史脚注。 读者群体： 本书适合于戏曲史研究者、中国近现代社会文化史研究人员、艺术人类学爱好者以及对徽州文化感兴趣的广大读者。它提供了一个不同于传统舞台聚焦的视角，去理解一个庞大的民间艺术经济体的兴衰史诗。 ---

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这本书给我带来的最大震撼，在于它对“时间”在艺术中的处理方式的颠覆性认知。作者似乎对现代社会快节奏的生活方式抱有一种温和的批判，并试图通过描述传统戏曲中那种缓慢、冗长、甚至有些“拖沓”的程式化表演，来重建一种被遗忘的、对待光阴的态度。例如，书中有一章详细分析了某段亮相的“起势”，从演员的呼吸、眼神的聚焦，到手中的扇子如何缓缓打开，每一个动作都被分解成了无数个微小的片段进行剖析，每一个片段都承载着丰富的情感信息。这种极端的慢镜头处理，让原本可能在几秒钟内完成的动作，被赋予了十分钟的阅读深度。这不仅仅是对表演技巧的解析，更像是一种哲学宣言：真正的美，往往存在于那些被我们习惯性忽略的、短暂的“间隙”之中。我个人觉得，这本书的价值，在于它强迫我们放慢脚步，重新审视“等待”与“酝酿”在生活与艺术中的重要性，而不是急于求成地追求最终的结果。

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说实话，我带着相当高的期待购入这本书，主要还是冲着作者在艺术史界的地位。原以为会是一本严谨的学术论著，充满了扎实的田野调查和一手资料的引用，没想到它更像是一次对传统美学的一次深入的、近乎冥想式的探索。书中对于“气韵生动”这种虚无缥缈的审美概念，进行了大胆而富有启发性的解读。作者没有选择用生硬的理论去套牢这些概念，而是巧妙地引入了中国古典哲学中的“虚实相生”理论，将舞台上的留白、唱腔中的换气，甚至是演员眼神中的一瞬停顿，都纳入了这个宏大的美学体系进行阐释。阅读过程中，我常常需要停下来，合上书本，在脑海中复盘那些被描述的表演瞬间，试图捕捉那种难以言喻的“道”。这本书的阅读体验是挑战性的，它要求读者不仅要具备一定的艺术常识，更要有一颗愿意沉浸、愿意探寻的谦卑之心。如果你期待的是一本能快速获取知识点的工具书，那这本书可能会让你感到晦涩难懂，但如果你渴望的是一场对东方表演艺术精髓的洗礼，那么它绝对能提供足够深刻的思考起点。

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这本书最让我感到惊喜的是，它对“声音”的描绘达到了一个令人发指的精细度。我本来以为，书面语言在再现听觉艺术方面总会有其固有的局限性，但作者似乎找到了绕过这种局限的秘诀。他笔下的唱腔，不是简单的“高亢”或“低沉”，而是充满了气味和质地的描述。比如，他会用“那声音像陈年的黄酒，入口辛辣，回味却带着枣核的微苦”来形容某位老生的嗓音特质；又或者，管弦乐的起奏被描述为“如同山涧中的冰水，初触肌肤微寒，继而带来一种深入骨髓的清冽”。这种跨感官的通感描写，极大地丰富了我的想象空间。我甚至能“听”到文字背后的情绪波动。书中对伴奏乐器的微妙处理，比如胡琴在拉奏高潮时颤抖的音色，是如何精准地映照了角色内心的挣扎与决绝，这些细微之处的捕捉，展现了作者非凡的敏感度。这本书，与其说是关于舞台艺术的文字记录，不如说是一部用文字精心调配的“听觉交响乐”。

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我是一位热衷于文本结构分析的读者，通常关注作者如何组织论点、如何布局章节。在这本书里，我发现了一种非常独特的叙事结构——它完全摒弃了传统的线性叙事，采用了类似“回旋曲”的结构。每一章看似都在讨论一个独立的剧目或某位名家的某段身段，但实际上，每一个“片段”之间都通过一些隐晦的意象或相似的情感母题相互勾连，形成一个巨大的、互相折射的意象网络。你可能读到前一章还在讲述某个英雄的慷慨赴死，下一章的描写对象可能就变成了一件被尘封的戏服，但细读之下，会发现两者在“牺牲”与“永恒”的主题上形成了奇妙的呼应。这种非线性的编排方式，极大地考验读者的专注力和联想能力，但也带来了极高的阅读回报。它不是一本按部就班的指南，而更像是一张复杂的思维导图，邀请读者自由地在其中穿梭，去发现那些作者刻意埋藏的、隐藏的结构线索。对于喜欢解构文学的读者来说，这本书的“骨架”本身就是一件值得品味的艺术品。

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这部作品，我是在一个偶然的机会下，在一家老旧书店的角落里发现的。封面设计极其简约，没有花哨的插图，只有一行沉稳的宋体字，带着一种不张扬的历史厚重感。起初，我以为这又是一本关于某个地方戏曲流派的枯燥研究，毕竟市面上这类书籍汗牛充栋。然而，当我翻开扉页，被作者那近乎诗意的叙述风格所吸引时，我知道我捡到了宝。作者似乎不是在“写”剧本或乐谱，而是在“描绘”一场场活生生的舞台人生。他对角色内心世界的捕捉细腻入微，尤其是对那些二三线配角命运的关注，让人深思。那些曾经在舞台上匆匆闪过、被主角光环掩盖的影子，在这里得到了丰满的血肉。我特别欣赏作者对于舞台调度和灯光运用的那些充满想象力的文字描述，仿佛能透过纸页，闻到老戏台上樟木箱子的味道，听到油彩在幕布后轻轻摩擦的声音。它不是教科书，更像是一部散文集，用极其考究的语言，为那些即将逝去的剧场记忆，做了一次温柔的永恒定格。读完后，我特地去查阅了作者的生平，发现他本身就是一个有着深厚艺术修养的学者，难怪能将冰冷的文字赋予如此鲜活的生命力。

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锣鼓经都不跟国际标准接轨的！！而且不是教材……

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