具体描述
Winner, 2008 AIGA "50 Books / 50 Covers" Design Competition. Martin Kippenberger (1953-1997) is a special case in art. His life and works were inextricably linked in a remarkable practice that centered on the role of the artist within both the culture and the system of art. With his larger-than-life persona, Kippenberger cast himself as impresario, entertainer, curator, bohemian, collector, architect, and publisher. He collected art, set up clothing companies and nightclubs, and ran art-world scams. Nothing was sacred to this iconoclast except the right to satisfy his enormous appetite for life, appropriate anything for his art, and create continual chaos around himself. This book, which accompanies the first major U.S. retrospective exhibition of Kippenberger's work, at the Museum of Contemporary Art, Los Angeles, documents Kippenberger's extraordinary twenty-year career with works in many media--paintings, sculptures, works on paper, installations, photographs, collaborations with other artists, posters, postcards, books, and music. Among the major works reproduced are key selections from the "I.N.P. Bilder" ("Is Not Embarrassing Pictures") and "No Problem" paintings of the 1980s; the landmark 1987 exhibition of sculpture ""Peter. Die russische Stellung"" (""Peter. The Russian Position""); self-portraits in a variety of media; "Laterne an Betrunkene" ("Street Lamp for Drunks"); the "Raft of the Medusa" cycle of the 1990s; the renowned Hotel drawings; and the monumental installation, "The Happy End of Franz Kafka's "Amerika."" Accompanying the artworks is an essay by exhibition curator Ann Goldstein; newly commissioned texts by art historian Pamela Lee, Kippenberger scholar Diedrich Diederichsen, and curator Ann Temkin; reprinted excerpts from a 1991 interview with Kippenberger by artist Jutta Koether; and an illustrated exhibition history, chronology, and bibliography. "Martin Kippenberger: The Problem Perspective" offers readers the most comprehensive view yet of this legendary artist's body of work. Exhibition: The Museum of Contemporary Art, Los Angeles September 15, 2008-January 5, 2009 The Museum of Modern Art, New York March 1, 2009-May 11, 2009 "Distributed for the Museum of Contemporary Art, Los Angeles"
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用户评价
从阅读体验的角度来说，这本书的排版设计极大地增强了内容的代入感，尤其是那些大跨页的、几乎要冲破书页边缘的图像处理，仿佛要将艺术家的能量直接倾泻到读者的面前。它在视觉上营造了一种持续的动感，与基彭伯格作品中那种“在路上”的状态完美契合。另外，全书在处理不同媒介作品时的视觉语言也展现出高度的专业性：油画的肌理感被精确还原，而行为艺术的瞬间性则通过极富冲击力的黑白照片来定格，每种媒介都有其专属的视觉语汇。我注意到，书中对于文献的引用和注释体系做得极其详尽，这为那些想要进一步深入研究的读者提供了坚实的基础，但同时，这些详尽的脚注又被巧妙地处理在页面的边缘，不会过度干扰主体的阅读流程。总而言之，这本书在形式与内容之间建立了一种近乎完美的张力平衡，它既是严肃的学术探讨工具，又是一本能让人沉浸其中、感受艺术生命力的精美画册。它成功地将一位复杂艺术家的多面性，浓缩在了一个极具质感和智力密度的实体中。
评分最让我印象深刻的是这本书在情感共鸣上的强大张力。尽管基彭伯格的艺术常常被贴上“后现代的戏谑”或“充满反讽”的标签，但通过这本书的叙述，我似乎触摸到了隐藏在那层戏谑外衣下的某种更深层次的焦虑与真诚。那些对友谊、对创作环境的描述，即便是通过他人的视角转述，也充满了某种令人心酸的真实感。它让我们看到，一个天才的创造力往往伴随着巨大的精神内耗和不被理解的孤独。书中收录的访谈片段和私人通信的摘录，语言风格极为跳脱，充满了日常的琐碎和突如其来的深刻，这使得他这个“艺术巨匠”的形象瞬间变得立体而可触及。我仿佛能听到他那些略带沙哑的笑声，感觉到那种不甘于平庸的、近乎偏执的驱动力。这本书成功地做到了让读者在欣赏其作品的颠覆性之余，也能对其个体命运产生一种复杂的情感投射，这在很多纯粹的学术研究中是难以实现的。它不仅仅是关于艺术史的记录，更像是一部关于如何以最“不正确”的方式去追求“正确”的创作自由的生动写照。
评分这本书的装帧设计本身就透露出一种对艺术原作的致敬，那种厚重、略带粗粝感的纸张，配合着精准而大胆的排版，让人在翻开之前就感觉到一股强大的视觉冲击力。我尤其欣赏它在细节处理上的用心，比如某些章节边缘留白的处理，仿佛在模仿艺术家工作台上的随手涂鸦，又像是刻意制造的视觉呼吸点。书中的插图选择极其考究，并非简单地罗列作品图片，而是穿插了大量的工作室照片、展览现场的瞬间抓拍，甚至还有一些似乎是私人日记中随手勾勒的草图。这些非官方的视觉材料，极大地丰富了我们对这位艺术家的理解，它不再是一个纯粹的“作品集”，更像是一部关于创作过程和生活哲学的视觉编年史。这种叙事方式的巧妙之处在于，它迫使读者主动去构建画面，去想象作品诞生时的环境和心境，而不是被动接受一个标准化的解读。它挑战了传统艺术书籍那种过于“干净”和“学术化”的呈现方式，用一种更具生命力和现场感的语汇，来捕捉基彭伯格那股子桀骜不驯的创作能量。从纸张的触感，到油墨的饱和度，再到图片与文字之间的张弛有度，每一个环节都体现了出版方对捕捉“基彭伯格精神”的深刻理解。
评分这本书的文字密度和专业深度，无疑是将阅读体验推向了一个更高的层次。它没有回避艺术史的复杂语境，反而大胆地将其作为基石，去探讨基彭伯格如何巧妙地游走在这些既定框架的边缘并加以戏谑性地利用。我发现自己不得不时常停下来，去查阅那些被提及的、晦涩的艺术运动或历史事件，但这并非是令人气馁的负担，反而成了一种智力上的挑战和乐趣。作者在分析作品时，那种对语境的精准把握令人叹服，他们没有简单地赞美或批判，而是深入挖掘了作品背后那种根植于德国文化背景，又同时具有全球普适性的荒诞感。比如，对某些装置艺术中材料选择的探讨，不仅仅停留在美学层面，更延伸到了其社会学和经济学含义，这使得整本书的讨论维度得以极大地拓宽。书中对基彭伯格那近乎“疯狂”的产量和横跨不同媒介（从绘画到雕塑再到表演）的实践，给出了一个非常富有洞察力的解释框架，即那是一种对“停止创作”这一概念的持续抵抗。阅读下来，你会感觉到，这本书本身就是一件精心打磨的艺术品，它以学术的严谨性为外壳，包裹着一颗叛逆而充满活力的内核。
评分第一次阅读这本书时，我的直观感受是，它提供了一种近乎“闯入式”的体验，而非传统的线性叙事。作者（或编者）似乎有意避开了那种清晰的时间轴和主题分类，而是采用了碎片化、高度互文性的结构，这使得阅读过程本身变成了一种对基彭伯格创作逻辑的模仿性解谜。你可能前一页还在读他对大众文化元素的戏仿，后一页立马就跳跃到他对传统雕塑形式的颠覆性解构，两者之间看似没有明确的过渡，但当你将目光从书本上移开，再回望时，却能感受到那股贯穿始终的，对于“何为艺术边界”的永恒拷问。这种结构安排非常高明，它拒绝给出简单的答案，而是将所有的线索散落在各个角落，要求读者像策展人一样，自己去建立关联，去发掘那些隐藏在表象之下的反讽和幽默。我特别喜欢其中一些长篇引文的编排方式，它们常常被放置在一个巨大的留白之中，字体大小和样式也随着引文内容的语气和情绪发生剧烈变化，仿佛能听到艺术家本人在耳边用他那特有的戏谑口吻述说。这绝对不是一本适合速读的书，它要求你慢下来，去品味那种故意制造的“不适感”和“挑衅性”，从中咂摸出他那份对体制的嘲讽与对创作自由的无止境追求。
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