アクターズ?スタイル台湾 12

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价格:174.00元
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isbn号码:9784812437421
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具体描述

《舞台之上:探寻亚洲表演艺术的脉动》 一卷聚焦于当代亚洲戏剧、电影与表演艺术发展图景的深度考察 引言:光影与汗水交织的艺术疆域 本书并非聚焦于某一特定地域或某一代特定演员的流水账式记录,而是致力于描绘一个更为宏大且富有层次的画面——当代亚洲表演艺术的复杂生态系统。我们跨越地理界限,深入探讨从古典叙事到前卫实验,从大众娱乐到深刻社会批判的广袤领域。这是一次对“表演”这一人类基本冲动的严肃审视,探究它如何被不同的文化语境、技术革新以及社会压力所塑造和重塑。 第一章:亚洲戏剧的复兴与当代语境 本章聚焦于二十世纪末至今,亚洲各国戏剧舞台的转型与突破。我们首先考察日本“暗黑剧团”传统对现代剧场的冲击,以及其后涌现的新浪潮剧团如何将本土神话、后现代解构主义与社会运动的议题巧妙融合。重点分析了诸如韩国“剧场之光”运动中,剧作者如何利用极简主义舞台语言探讨民主化进程中的集体创伤与个体疏离。 随后,我们将目光投向东南亚。在马来西亚和新加坡,受殖民历史与多元族群文化影响,戏剧作品常常在身份政治的张力中寻求表达出口。我们详细剖析了多语境剧场(Multi-lingual Theatre)的兴起,探讨其在打破语言壁垒、构建跨文化对话方面的探索与困境。这不是对传统戏曲的简单回顾,而是对当代剧场如何回应全球化与本土化悖论的深刻洞察。 第二章:电影工业的转型:从民族史诗到类型革新 亚洲电影的活力毋庸置疑,但其背后的驱动力远比票房数字复杂。本章将深入剖析韩国电影工业在经历了“新韩流”的爆发后,如何实现工业化与艺术性的平衡。我们不仅讨论奉俊昊等导演的创作手法,更着重分析其背后的制片体系、人才培养机制以及政府政策对类型片(如犯罪惊悚、历史正剧)的支撑作用。 在华语电影领域,我们跳脱出对特定“黄金时代”的怀旧,转而关注独立电影的生存困境与艺术价值。特别关注中国大陆和台湾地区,独立导演群体如何在审查制度的阴影下,通过影像的隐喻、象征和长镜头语言,记录社会变迁中被主流叙事所遗漏的角落。探讨数字技术,尤其是网络平台的崛起,对传统院线发行模式构成了何种挑战与机遇。 此外,本章还对印度的宝莱坞(Bollywood)现象进行非主流分析,不再仅仅关注歌舞场面,而是深入探究其叙事结构如何适应庞大的国内市场,以及近年来印度区域性电影工业(如泰米尔语、马拉雅拉姆语电影)在主题深度和制作水准上对中心地带的超越。 第三章:表演的“在场”:身体、技术与数字介质 表演的核心在于“在场感”。本章探讨在技术飞速发展的背景下,演员的身体是如何被重新定义和利用的。我们考察了亚洲歌舞伎、皮影戏等传统表演艺术,如何被解构并融入现代舞台设计,以创造出既有历史厚度又不失现代感的视觉体验。 重点分析了动作捕捉技术(Motion Capture)在亚洲科幻电影和游戏CG中的应用。这不仅是技术层面的探讨,更关乎演员的“灵魂”是否能顺利地从肉体转移到数字模型之中。探讨演员们为适应这种新的表演范式所进行的身体训练与心理调适。 同时,我们关注了新兴的“虚拟偶像”与“全息投影表演”现象。这种介于真实与虚构之间的表演形式,提出了关于“观众的信任”、“角色的永恒性”以及“表演者权益”等一系列哲学与伦理问题。 第四章:跨文化流动与身份重塑 亚洲表演艺术的活力很大程度上源于人才的跨界流动。本章审视了日本、韩国演员在好莱坞乃至欧洲主流制作中的角色,分析他们如何应对西方文化对“东方形象”的刻板印象,以及他们如何利用自身文化底蕴来丰富角色的复杂性。 反向看,欧洲和北美戏剧、电影制作人对亚洲美学元素的借鉴与挪用,也构成了表演艺术交流的重要一环。本章批判性地考察了这些交流中的权力关系,如何避免文化挪用,实现真正平等的艺术对话。深入分析了在海外接受训练的亚洲新生代艺术家,他们如何将西方学院派训练与本土的直觉式表演风格相结合,形成独特的个人标记。 结语:未来的舞台:断裂、融合与持续的追问 亚洲的表演艺术正处于一个充满张力的十字路口:资本的压力、技术的迭代、社会议题的紧迫性,无一不在塑造着未来的舞台与银幕。本书的结论并非提供一个终极答案,而是强调表演艺术的本质在于其持续的“追问”能力——对人性、对社会结构、对艺术边界的永恒探寻。未来的表演将更加碎片化、更加互动化,但对“真实情感的传递”这一核心需求将永不磨灭。 本书特点: 跨学科视角: 融合了艺术史、社会学、媒体研究等多重视角。 深入案例分析: 选取了近年来在国际上引起广泛讨论的标志性作品与艺术家。 平衡性: 不偏袒任何单一国家或单一艺术形式,力求全面展现亚洲表演艺术的广度与深度。 (注:本书内容涵盖了亚洲多个国家和地区的表演艺术现象,但不包含对特定地域,如台湾地区2012年前后特定的演员/偶像团体或相关娱乐资讯的详细聚焦与系统性论述。)

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