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出版者:W. W. Norton & Company

作者:Richard M. Barsam

出品人:

页数:526

译者:

出版时间:2003-08

价格:USD 68.20

装帧:Paperback

isbn号码:9780393974362

丛书系列:

图书标签:

• 电影
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影片的叙事之美与工业肌理：《光影之间》 一本深入探索电影艺术、技术、历史与产业运作的深度导读 本书旨在为读者提供一个全面而细致的视角，审视电影艺术是如何从技术发明演变为全球性的文化现象，并探讨其内在的叙事结构、视觉语言以及赖以生存的工业基础。我们不满足于对经典作品的简单罗列或流派分类，而是致力于剖析驱动这些作品产生的深层机制与美学选择。 第一部分：电影的诞生与早期语言的探索 本部分追溯了电影艺术的萌芽时期，从19世纪末的活动影像实验到20世纪初的叙事确立。我们首先考察了卢米埃尔兄弟的纪录式捕捉与梅里爱对魔术般视觉效果的迷恋之间的张力，这两种最初的冲动构成了后来电影表现力的两极。 1. 技术的嫁接与视觉的革命： 详细分析了摄影术、光学、机械工程如何共同促成了活动的图像。重点剖析了早期电影放映机的工作原理，以及如何通过帧率的稳定与连续运动的错觉，构建起观众的沉浸感。 2. 从“场景即记录”到“剪辑即思维”： 深入讨论了早期导演如大卫·格里菲斯在叙事结构上的开创性工作。格里菲斯对平行剪辑（cross-cutting）、景别变化（shot scale）和特写镜头（close-up）的系统性运用，标志着电影真正确立了一种区别于戏剧和文学的独特“语法”。我们将分析《党同伐异》等作品中，这些技术如何被用来操纵时间和空间，从而影响观众的情感反应和道德判断。 3. 默片时代的风格群像： 考察了各国在默片黄金时代所发展出的独特美学路径。德国的表现主义（German Expressionism）如何通过扭曲的布景和强烈的明暗对比来外化人物的内心恐惧（如《卡里加里博士的小屋》）；苏联蒙太奇学派（Soviet Montage Theory）如何将电影视为一种思想的构建工具，重点剖析普多夫金和爱森斯坦关于“知性蒙太奇”与“吸引力冲突”的理论实践。 第二部分：经典好莱坞的工业化与叙事范式 本部分聚焦于有声电影出现后，美国电影工业如何通过垂直整合（Vertical Integration）和制片厂系统（Studio System）的建立，将电影制作流程标准化和工业化，并确立了一套行之有效的、以清晰叙事为核心的“古典好莱坞范式”（Classical Hollywood Cinema）。 1. 制片厂时代的权力结构： 剖析了米高梅、派拉蒙等“五大”制片厂的运作模式，包括对明星的合约控制、对院线的垄断以及类型片（Genre Film）的批量生产策略。我们将审视这种工业化如何既是艺术创新的束缚，也是保证电影作为大众娱乐产品稳定输出的基石。 2. 叙事的三幕结构与“目的性行动”： 深入解构古典叙事的核心要素——清晰的目标、障碍的设置和最终的解决。分析了如何通过视听语言（如场面调度、焦点控制）来引导观众的注意力，确保故事的因果链条清晰无碍。我们也将探讨类型片的“公式化”魅力，例如黑色电影（Film Noir）如何在其既定的叙事框架内，探索道德的模糊性与社会焦虑。 3. 从二战到新好莱坞的过渡： 考察了二战对美国社会观念和电影题材的冲击，以及随之而来的对传统价值的质疑。这一过渡期为1960年代末“新好莱坞”的叛逆美学奠定了基础。 第三部分：艺术的叛逆与电影语言的拓展 本部分关注1950年代以来，电影制作人如何挑战好莱坞的既有规范，将艺术电影的探索精神融入主流叙事或创造全新的视觉体验。 1. 法国新浪潮的冲击： 重点分析了特吕弗、戈达尔等人如何通过“作者论”（Auteur Theory）重新定义导演的地位，将个人风格置于制片厂意图之上。对跳切（Jump Cut）、即兴表演、手持摄影以及对传统叙事逻辑的公然破坏，是理解现代电影如何拓宽其表达边界的关键。 2. 探索主体性与感知： 考察了欧洲艺术电影在表达人物内心复杂性和非线性时间体验方面的努力。从安东尼奥尼对现代人异化状态的描绘，到伯格曼对信仰、死亡与婚姻的哲学拷问，这些作品拒绝提供简单的答案，转而强调观看体验本身成为一种思考过程。 3. 挑战叙事边界的实验： 讨论了结构主义、后结构主义思潮对电影叙事的渗透。例如，如何通过重复、延迟、信息的不对称（如不可靠叙述者）来质疑现实的单一性，使观众从被动的接受者转变为主动的意义建构者。 第四部分：当代电影的全球化、技术迭代与文化反思 最后一部分将目光投向当前，分析数字技术、全球资本流动和文化身份政治如何重塑当代电影的面貌。 1. 数字革命的双重影响： 探讨了从胶片到数字格式的转变对视觉美学的影响——从清晰度、光线处理到特效制作的范式转移。同时，分析了流媒体平台的兴起如何改变了电影的发行、消费模式，以及对“院线体验”概念的冲击。 2. 跨文化视野与身份政治： 审视了全球南方电影（如亚洲、非洲的电影实践）如何通过本土化的叙事语汇，批判殖民遗产、探讨身份认同的复杂性，并反向输入给西方主流电影市场。电影不再仅仅是美国文化的输出品，而是一个多声部对话的场域。 3. 后经典时代的混杂性： 剖析了当代大片（Blockbuster）如何结合古典叙事技巧与尖端视觉技术，形成一种“高概念”（High Concept）的混合体。这种电影在形式上依然依赖清晰的英雄旅程，但在主题上往往更加碎片化、元叙事化（Metafictional），不断地自我指涉和解构。 本书力求通过对历史脉络的梳理、对核心美学概念的辨析，以及对技术演变轨迹的追踪，为读者提供一把理解电影复杂世界的钥匙。我们强调，每一部电影都是技术、商业、艺术野心与时代精神的复杂交集。

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总的来说，我必须说，这本书的出现，让我对“看电影”这个日常行为有了全新的认识。它不是那种能让你一口气读完，然后立刻就能变成“影评达人”的读物。相反，它更像是一部“教科书”，需要你耐心去消化，去实践，去反思。我经常会在看完一场电影之后，翻回书里相关的内容，对比作者的分析，看看自己有没有遗漏了什么重要的东西。有时候，我会发现，原来我之前觉得“不好看”的电影，在作者的视角下，却有着值得玩味的地方；反之，一些我曾经奉若神明的经典，在书中被解构之后，我才意识到，它的光环背后，原来有着如此复杂的技巧和意图。这种“颠覆”和“重塑”的过程，虽然有点挑战我原有的观影习惯，但却让我觉得特别过瘾。我觉得这本书，它更适合那些真正对电影艺术有求知欲，愿意花时间去深入了解它的人。

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这本书的封面设计就带着一股子“老派”的学究气，深蓝色的背景，烫金的字体，一看就知道是那种要细细品味的“硬菜”。我当时拿到它的时候，就把它放在了床头柜上，想着什么时候能静下心来，一点点地啃。这感觉就像是拿到了一本厚重的哲学著作，你不会指望它能让你立刻哈哈大笑，也不会期待它能提供什么速成的心灵鸡汤。反倒是那种沉甸甸的分量，暗示着其中蕴藏着某种值得挖掘的深度。当然，我承认，在翻开之前，我脑子里闪过无数关于电影的画面，可能是因为书名太直白了，它勾起了我对各种经典场景的记忆，也让我开始思考，究竟是什么让这些画面如此深入人心，又是如何被“观看”和“解读”的。这本书，我觉得它更像是一个引路人，而不是一个直接的答案提供者，它会让你在阅读的过程中，不断地向自己提出问题，然后在电影的世界里寻找答案。我对这本书的期待，更多的是一种探索，一种对电影艺术背后逻辑的探求，我想知道，那些我曾经因为感动、因为震撼、因为着迷而反复观看的片段，究竟是如何被构建出来的，又承载了怎样的信息。

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这本书给我的感觉，就像是在探索一个庞大的迷宫，每一个章节都是一个岔路口，而作者则像是一个经验丰富的向导，虽然不直接告诉你答案，但会给你指明方向，让你自己去发现。它涉及的领域非常广泛，从历史渊源到理论建构，从镜头语言到叙事技巧，几乎涵盖了电影研究的方方面面。我最喜欢的部分，可能是在它探讨不同电影流派和风格的时候，它能让你清晰地分辨出，为什么欧洲电影和好莱坞电影会有如此大的差异，为什么有些电影看起来节奏缓慢，有些却紧凑无比。这种梳理和归纳，帮助我建立起了一个更加系统化的电影知识体系。而且，书中引用的例子非常丰富，从黑白默片到现代大片，从独立制作到商业巨制，几乎涵盖了电影史上的重要作品。这让我觉得，它不只是停留在理论层面，而是紧密地联系着实际的电影作品，让抽象的概念变得更加具象化，也更容易理解。

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说实话，当我真的开始读这本书的时候，我并没有立刻被它“征服”。它不像那些通俗易懂的影评，洋溢着主观的个人情感和夸张的比喻。这本书的语言风格相对严谨，更侧重于一种分析性的视角。你可以感觉到作者在字里行间都在试图构建一个清晰的逻辑框架，去解构电影的运作机制。我记得有一次，我翻到其中一章，它似乎在探讨叙事结构，我当时就有点犯迷糊，心想，讲个故事不就是有开头、中间、结尾嘛，怎么还能这么复杂？但是，当我试着对照着最近看的一部电影去理解作者的论述时，我突然就明白了，原来我们习以为常的叙事方式，背后有着如此精巧的设计。这本书迫使我跳出“看电影”这个单一的动作，去思考“如何看电影”这个更深层次的问题。它就像在教你学习一门新的语言，一开始会觉得陌生，甚至有些晦涩，但一旦你掌握了其中的语法和词汇，你就会发现，整个电影的世界在你面前豁然开朗，你可以看到更多之前被忽略的细节，也可以理解更多之前无法触及的深层含义。

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最近，我一直在思考一个问题：电影究竟是怎样影响我们的？有时候，一部电影看完之后，会让你久久不能平静，甚至会改变你看待世界的方式。这本书，虽然我还没有完全读完，但它已经开始触及到我脑海中的这个疑问。我感觉它在探讨的，不仅仅是电影本身的技巧，更是电影与观众之间的一种互动，一种深层的情感连接。它可能在讨论，导演是如何通过镜头语言、声音设计、剪辑节奏等等，来引导观众的情绪，制造共鸣，甚至植入某些观念。这种对电影“心理学”的探索，我觉得特别吸引人。我特别期待它能解释，为什么有些场景会让我们觉得特别真实，有些人物会让我们觉得感同身受，甚至有时候，我们会因为电影中的情节而流下眼泪，或者产生强烈的愤怒。这本书，它似乎在试图解开这些“魔法”的奥秘，让我明白，这些看似自然而然的情感反应，其实都源于精心设计的艺术表达。

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Read this one and later editions. 2003 edition has the best cover.

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