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出版者:Payback Press

作者:LeRoi Jones

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1995-04-06

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9780862415297

丛书系列:

图书标签:

• 非虚构
• 音乐史
• 非裔美国人
• 文化研究
• 社会学
• 种族
• 爵士乐
• 布鲁斯
• 美国历史
• 身份认同

好的，以下是一本名为《音浪的崛起：爵士乐与二十世纪美国社会变迁》的图书简介： 音浪的崛起：爵士乐与二十世纪美国社会变迁 导言：流动的旋律与时代的脉搏 自二十世纪初诞生以来，爵士乐便不再仅仅是一种音乐形式，它更像是一面映照美国社会复杂肌理的棱镜。本书《音浪的崛起：爵士乐与二十世纪美国社会变迁》旨在深入剖析爵士乐如何从底层社区的自发性表达，一步步演变成为影响全球文化格局的主流艺术形式，并探讨其发展历程中与种族、阶级、技术革新以及国家认同之间错综复杂的互动关系。 我们不将爵士乐视为一个孤立的艺术现象，而是将其置于二十世纪美国——一个充满剧烈社会动荡、移民涌入、技术飞速进步和身份政治崛起的世纪——的历史洪流之中。本书将追溯爵士乐的根源，探究其音乐结构中的文化基因，并揭示它如何成为特定群体争取可见性、表达痛苦、庆祝生命与挑战既有规范的强大媒介。 第一部分：新奥尔良的熔炉与早期回响（1900-1920年代） 爵士乐的摇篮在新奥尔良，一个独特的文化地理空间。这座城市融合了非洲、加勒比、欧洲和本土美国音乐的元素，为爵士乐的诞生提供了必要的土壤。本部分将详细考察“故事布鲁斯”（Storyville）地区的音乐生态，分析早期乐队如巴迪·博尔登（Buddy Bolden）和弗莱彻·亨德森（Fletcher Henderson）乐团的工作，如何初步确立了即兴演奏（Improvisation）和切分音（Syncopation）作为核心要素。 我们关注的重点不仅是音乐技巧的形成，更是社会环境对这些技巧的塑造作用。例如，军乐队解散后遗留的大量乐器如何被经济条件相对较弱的非裔美国音乐家所获取，以及葬礼游行（Second Line）传统如何为爵士乐的早期结构提供了仪式性和叙事框架。爵士乐的早期发展，是底层社区在严苛的吉姆·克劳法（Jim Crow Laws）阴影下，寻求文化自主权的一种体现。 第二部分：大迁移与“咆哮的二十年代”的城市化（1920-1930年代） 随着“大迁移”（Great Migration），爵士乐沿着密西西比河向北迁徙，抵达芝加哥、堪萨斯城和纽约。这一时期的爵士乐风格经历了深刻的城市化转变。路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）的出现是里程碑式的事件，他将集体即兴推向了以个人独奏为中心的叙事模式，极大地提升了演奏者的地位和音乐的复杂性。 本书深入探讨了禁酒令时期地下酒吧（Speakeasies）在爵士乐传播中的关键作用。这些空间，往往是种族隔离有所松动的隐秘地带，使得白人听众开始接触并消费这种源自黑人文化的音乐。我们分析了唱片工业和广播技术如何首次使得爵士乐超越地域限制，成为全国性的现象，同时也讨论了随之而来的，关于音乐“纯洁性”与商业化之间的早期紧张关系。 此外，我们检视了这一时期对爵士乐的刻板印象——它常被描绘为“野蛮的”、“堕落的”或“放荡的”，这种社会反应恰恰反映了主流社会对新兴黑人文化力量的恐惧与着迷。 第三部分：大乐队的辉煌与战争年代的社会张力（1930-1940年代） 摇摆乐（Swing）时代的来临，标志着爵士乐进入其商业巅峰。本部分研究了本尼·古德曼（Benny Goodman）、艾灵顿公爵（Duke Ellington）和卡伯·凯洛威（Cab Calloway）等领军人物如何将爵士乐组织化为庞大的“大乐队”结构。摇摆乐成为了美国流行音乐的主导力量，甚至在一定程度上，象征着战前和二战期间美国社会渴望团结和乐观精神的体现。 然而，这种主流化也带来了内部的矛盾。我们细致考察了种族隔离在乐队结构中的体现——“混编乐队”（Integrated Bands）的出现虽然是进步的象征，但往往伴随着后勤上的巨大挑战（如住宿、演出合同的差异）。艾灵顿公爵的作品，尤其是在其复杂的组曲中，如何巧妙地融入了对美国历史和社会议题的深刻评论，远超一般娱乐音乐的范畴。 同时，二战的爆发对音乐的创作和演奏产生了直接影响，包括乐手应征入伍、材料短缺，以及文化对“爱国主义”音乐的呼唤。 第四部分：即兴的革命与冷战下的文化前沿（1940-1950年代） 随着大乐队的衰落，一场音乐上的“革命”——比波普（Bebop）——在纽约的哈莱姆区悄然兴起。查理·帕克（Charlie Parker）和迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）拒绝了摇摆乐的商业化和舞蹈性，转而追求更为复杂的和声结构、更快的速度和更强的个人表达。 本部分将比波普的出现解读为音乐家对工业化、标准化生产流程的反叛，一种知识分子式的自我主张。它标志着爵士乐从“舞蹈音乐”向“严肃艺术音乐”（Art Music）的决定性转型。我们探讨了比波普如何与冷战初期美国社会对“非正统”和“激进思想”的审查和警惕心理形成对照。爵士乐手们在追求绝对艺术自由的同时，也常常成为社会关注和审视的对象。 此外，本书还会考察酷派爵士（Cool Jazz）的兴起，将其视为对比波普高强度、高亢情绪的一种冷静回应，反映了战后一代寻求稳定与内省的心理需求。 第五部分：自由的探索与社会运动的回应（1950年代末至1960年代） 迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）的“调式爵士乐”（Modal Jazz）和约翰·柯川（John Coltrane）的深入探索，将爵士乐推向了前所未有的精神高度。这一时期的爵士乐与民权运动（Civil Rights Movement）的兴起紧密相连。 我们将分析“自由爵士乐”（Free Jazz）的出现——奥奈特·科尔曼（Ornette Coleman）等人的激进探索——不仅仅是音乐结构上的瓦解，更是对种族隔离和社会结构全面解体的艺术隐喻。音乐家们通过打破既定的和声、节奏和曲式规则，直接表达了对系统性压迫的不满与对真正解放的渴望。本书将引用当时的评论文章和乐手访谈，展示爵士乐如何成为非裔美国人争取主体性、重新定义“美国经验”的重要文化武器。 结论：流变中的遗产 本书最后总结了爵士乐在七十年代及以后的融合与演变（如融合爵士 Fusion），并探讨了其作为“美国经典音乐”被机构化、被学术界吸收的过程。我们认为，爵士乐的真正力量在于其持续的适应性和批判性。它从未停止对自身身份的质疑和对外部世界的反馈。从底层聚会的即兴欢唱，到音乐厅的严肃演绎，爵士乐的音浪始终是理解二十世纪美国社会复杂矛盾、种族关系动态以及艺术如何抵抗同化的最佳听觉线索。 本书通过对音乐理论、社会史和文化批评的跨学科考察，力求为读者呈现一部宏大而细腻的爵士乐社会史，揭示其音符背后所承载的、关于自由、身份与斗争的深刻叙事。

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这本书的叙事视角极其独特，作者像一位经验丰富的历史学家，又像一位贴近生活的社会观察者，将那些深藏在音乐肌理中的社会变迁和个人命运编织在一起。它不像是一本纯粹的音乐理论书籍，更像是一部关于美国社会结构如何通过声音被折射和重塑的宏大史诗。从早期的乡村音乐与布鲁斯之间的模糊地带开始，作者就展现出对细微文化流动的敏锐捕捉力，他并没有止步于记录“什么”音乐出现了，而是深入挖掘了“为什么”这些音乐以特定的方式出现。例如，在探讨特定乐器的使用和和弦进行的变化时，他总能巧妙地引申出当时特定社区的经济压力和迁移模式，让人恍然大悟，原来每一次音符的跳动，都可能蕴含着一个时代的叹息或抗争。这种跨学科的叙事方式，使得即便是对音乐史不甚了解的读者，也能被那种深沉的、由生活催生的力量所震撼。整体而言，这本书的力度在于它将文化现象还原为鲜活的人类经验，而非冰冷的学术分类。

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这本书的语言密度非常高，需要反复咀嚼。它不像市面上那些流畅易读、追求大众接受度的非虚构作品，它更像是一篇篇经过千锤百炼的论证，每一个段落都承载着巨大的信息量和批判性的重量。作者在引述原始材料时，那种谨慎而精准的选择，显示出极高的学术素养和对文本的敬畏。他不是简单地罗列事实，而是构建起一个复杂的论证网络，将音乐评论、社会学理论、经济学观察融为一体，形成了一种强烈的“必然性”感。读到某些段落时，我常常需要停下来，去回味他如何从一个微小的音乐细节推导出整个文化群体的集体心理状态。这种深度阅读体验，虽然耗费精力，但最终的回报是巨大的——它彻底重塑了我理解文化现象的底层逻辑框架。这本书无疑是那种会改变你看待很多事情方式的奠基之作。

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这本书的结构就像一座精巧的迷宫，每一次深入，都会发现新的通道和更幽深的内涵。我原本以为这会是一本关于音乐风格演变的科普读物，但很快发现，它的核心关乎身份认同与空间政治。作者将音乐视为一种移动的领地，探讨了从乡村到城市、从南方到北方的空间迁移如何直接影响了乐器的选择、歌词的主题乃至表演的形式。例如，对“铁路”意象在歌曲中反复出现的分析，就不仅仅是文学手法上的探讨，更是对劳动者流动性限制和渴望自由的深刻写照。这种将“声学”与“地理”紧密绑定的方法论，极大地拓宽了我的认知边界。它让我意识到，我们听到的每一种节奏，都可能标记着一次重大的社会地理重构。那些听起来像是纯粹的“风格”的东西，其实是扎根于特定泥土和空气中的生存策略。

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阅读这本书的过程，就像是在一个老旧的、弥漫着烟草和威士忌味道的地下俱乐部里，与一位睿智的老乐手进行了一场深入的午夜对谈。语言的节奏感极其强，充满了口语化的力量和即兴发挥的张力，绝不是那种干巴巴、摆弄名词的学院派文字。作者似乎深谙这种“言说”本身的艺术，他会突然抛出一个极具穿透力的比喻，将复杂的社会心理状态瞬间简化为一句直击人心的短语。这种写作风格的魅力在于它的“在场感”，你仿佛能感受到他当年在现场聆听时那种皮肤上的战栗。尤其是在描述早期音乐家们如何在极度匮乏的条件下，用最少的资源创造出最丰富的情感表达时，文字中的那种对“创造力”的敬畏油然而生。它让人反思，真正的艺术突破往往不是在舒适区里诞生的，而是被压迫和被边缘化推向极限时的必然产物。这本书的情感浓度极高，读完后，你需要一些时间来重新适应日常生活的平静。

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我特别欣赏作者在处理时间线时所展现出的那种微妙的平衡感。他既没有陷入那种线性推进的历史叙事陷阱，将所有发展视为不可避免的进步，也没有过于沉溺于对“黄金时代”的浪漫化缅怀。相反，他的笔触在不同历史阶段间穿梭自如，比如，他会把某位三十年代的布鲁斯大师的吉他技巧，立刻放在五十年代摇滚乐兴起的大背景下进行对比分析，从而揭示出文化元素是如何在不同社会阶层和商业机制中被重新包装和挪用的。这种非线性的结构，反而更贴近记忆和文化传承的真实面貌——它们是碎片化的、相互渗透的。更令人称道的是，他对于“商业化”和“纯粹性”之间的张力探讨得十分深刻，毫不留情地指出，一旦一种源自底层、充满原始生命力的艺术形式进入主流视野，它必然会经历痛苦的异化过程。

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