当代中国美术家画语类编 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:吉林美术出版社

作者:张力

出品人:

页数:784

译者:

出版时间:1989-7

价格:9.00元

装帧:平装

isbn号码:9787538601534

丛书系列:

图书标签:

• art
• 美术史
• 当代美术
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艺术之境：当代西方绘画大师群像 一、 引言：时代的变奏与艺术的嬗变 本书旨在深入剖析二十世纪下半叶至二十一世纪初的西方绘画艺术图景，聚焦于那些以独特视角和创新技法，深刻影响了当代艺术格局的重量级人物。我们摒弃传统的流派划分，转而采取一种更为动态和聚焦于个体实践的叙事方式，探索艺术家如何在战后复杂的社会、政治和哲学思潮的冲击下，重塑绘画的边界与内涵。从抽象表现主义的余韵到波普艺术的批判，再到后现代主义的解构与挪用，本书将呈现一个多声部、充满张力的艺术对话场域。我们相信，理解这些艺术家的创作，即是理解我们身处的这个时代精神的底色。 二、 抽象的深渊与具象的回归：媒介的实验与精神的追寻 本章首先回溯了抽象表现主义如何为西方绘画设定了一个高度个体化、强调过程与潜意识的基调。我们不会详述其历史脉络，而是将焦点集中于几位关键人物——例如，那些在“场域绘画”（Field Painting）中寻求绝对沉浸感的艺术家，他们的作品不再是对外部世界的描摹，而是画布本身成为了一种精神事件。他们的颜料运用、尺幅选择，无不挑战着观众对“绘画”这一媒介的传统认知。 紧接着，我们将考察那些在抽象浪潮中保持警惕，并努力将具象元素重新引入画布的艺术家。这并非简单的复古，而是一种策略性的回归。他们以一种高度个人化的“新具象”语言，探讨着个体在宏大社会结构中的异化与疏离。无论是通过扭曲的形体表达焦虑，还是利用平面的、如同符号般的意象进行叙事，他们的作品都在探讨视觉符号与内在体验之间的复杂关联。这部分尤其关注色彩理论在构建情感深度上的非凡作用，以及线条如何从单纯的轮廓转变为承载叙事张力的独立元素。 三、 波普的回响与后现代的戏仿：图像的消费与意义的消解 二十世纪六十年代以降，大众文化以前所未有的力量渗透到艺术领域。本章将重点剖析波普艺术如何以一种看似轻佻实则锐利的方式，对消费社会和媒介图像进行了颠覆性的挪用与反思。我们关注的并非是现象本身，而是艺术家如何通过对既有图像的复制、解构和并置，揭示出图像流通背后的权力机制。他们的创作过程，往往更像是一种“视觉的侦查”，而非单纯的审美表达。 随后，我们将深入探讨后现代主义语境下“挪用”（Appropriation）艺术实践的复杂性。这些艺术家不再执着于创作“原创”的真理，而是将历史、经典作品、广告元素作为原材料进行重组。这种对历史的戏仿与引用，迫使观众重新审视艺术史的权威性，并思考“风格”的本质。本部分将详述如何通过对比不同艺术家对同一历史母题的处理方式，来理解符号学在当代艺术解读中的核心地位。 四、 绘画的边界拓展：材料、技术与身体的介入 当代绘画的活力在于其对自身媒介界限的不断试探。本章将聚焦于那些将绘画从二维平面解放出来的实践者。这包括但不限于对非常规材料（如工业树脂、织物、现成品）的整合，以及对绘画工具的彻底革新。我们考察了“过程艺术”（Process Art）对传统技法中“技艺”的颠覆，将创作的偶然性与不可控性提升到理论高度。 此外，身体在当代绘画中的角色也发生了根本性的转变。一些艺术家将身体的动作、疲劳甚至痕迹本身视为作品的必要组成部分。绘画不再仅仅是视觉的终点，而是身体与物质世界互动的记录。这种对“在场性”（Presence）的强调，使得画布上的颜料堆叠和刮擦痕迹，被赋予了近乎文献的价值。 五、 身份的迷宫与全球视野：当代绘画的社会面向 进入九十年代后，艺术的关注点愈发转向身份政治、全球化和历史记忆的重构。本章将分析那些通过具象或半抽象的叙事方式，处理性别、种族、文化冲突等议题的艺术家。他们的作品往往充满强烈的个人叙事色彩，但其背后是对更宏大社会结构不公的深刻批判。 我们着重分析他们如何运用鲜明甚至刺眼的色彩、破碎的构图，来模拟身份在现代社会中所经历的撕裂感和多重性。这部分内容揭示了当代绘画如何有效地超越纯粹的审美愉悦，成为一种强有力的社会评论工具。同时，也将探讨当西方艺术中心逐渐瓦解，不同文化背景下的艺术家如何将地方性的经验，以一种普遍性的视觉语言进行表达。 六、 结语：在不确定性中锚定意义 当代西方绘画是一场永无止境的对话。本书通过对上述关键艺术实践的细致梳理，意在提供一个多维度的观察框架，而非提供标准答案。它展示了艺术家们如何在拒绝既有范式的同时，仍然致力于通过画布上的物质转化，来锚定我们这个时代在快速变化中所产生的意义与不安。理解这些作品，需要观众的积极参与，需要对媒介历史的敏感，更需要对当代世界复杂性的深刻洞察。本书希望成为读者进入这一复杂而迷人领域的向导。

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作为一名非专业背景的艺术爱好者，我最担心的就是阅读过程中遇到那种高高在上、拒人于千里之外的学术腔调。然而，这本书在专业性与可读性之间找到了一个近乎完美的平衡点。它没有回避复杂的理论建构，但处理方式极其细腻。举个例子，书中对“后现代戏仿”手法的解析，没有直接抛出晦涩的定义，而是选择了一件具体的水墨作品作为切入点，通过分析这件作品如何“挪用”了传统元素，再反过来解释理论，这种“案例先行”的叙事结构，大大降低了读者的理解门槛。读这本书，我感觉自己像是在一位学识渊博但又极其耐心的导师的引导下，逐步解锁艺术的密码。它不像字典那样只是提供定义，更像是一部活态的“情境模拟器”，将理论置于具体的创作语境中进行考察，让人在学习知识的同时，也体会到创作者在面对时代命题时的挣扎与抉择。这种沉浸式的学习体验，是其他纯理论书籍难以比拟的。

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这本书的装帧设计本身，就已经构成了一种强烈的视觉语言，极具收藏价值。我把它放在书架上，与其他艺术史著作相比，它自成一格，散发着一种低调的精英气质。内页的纸张选择非常考究，那种略带哑光的质感，使得即便是高饱和度的油画色彩，在印刷出来后依然保持着油画颜料特有的厚重感，没有丝毫廉价的“光亮感”。更值得称道的是，对于那些实验性的影像作品和观念艺术的呈现，编排者并没有采用生硬的图文并置，而是巧妙地运用了留白和版式变化，让阅读的节奏随着艺术形式的变化而自然起伏。有时候，一页只有短短几行字，配着大面积的空白，反而营造出一种“意在言外”的张力，这本身就是一种高级的视觉叙事。我甚至发现，有些跨页的设计，是将两件风格迥异的作品并置对比，通过这种并置，激发出读者自身的解读回路，强迫你进行主动思考，而不是被动接受。这本书，与其说是文字的汇编，不如说是一部精心策划的视觉体验录。

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坦白说，我拿到这本书时，是抱着一种“打卡式”的心态的，毕竟当代艺术的语汇有时候显得过于晦涩和自说自话。然而，这本书却展现出一种难得的“平易近人”的姿态，尽管内容本身极其专业。它不像某些学术专著那样堆砌着令人望而生畏的术语，而是用一种近乎散文的笔调，去梳理和归纳那些在不同艺术领域中反复出现的“关键词”。比如，书中对“空间性焦虑”这一概念的阐释，从抽象表现主义的平面处理，一直延伸到新媒体艺术中对虚拟实境的构建，这种跨媒介的串联能力，非常高明。它像一把精密的瑞士军刀，能帮你精准地切开艺术作品的表层肌理，直抵其底层的逻辑结构。我特别欣赏其中关于“非物质性”主题的章节，作者似乎精准地捕捉到了当代艺术家们在面对数字洪流时，那种既抗拒又拥抱的复杂心境。读完这一部分，我再去观看那些装置艺术，心中的困惑立刻烟消云散，只留下豁然开朗的畅快感。这本书真正做到了，让晦涩的理论，变得可感、可知、可触。

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我必须承认，我对中国当代艺术的了解一直停留在“耳熟能详”的几个大师名字上，对于那些处于学术边缘、仍在摸索中的中生代艺术家的作品，了解甚少。这本画语类编的出现，就像是给我打开了一扇通往“地下室”的门，让我看到了那些不常在主流展览中露面的、更具实验精神和地域特色的创作者。书中所收录的语料和案例，极大地拓宽了我的艺术视野。比如，其中一段对西南少数民族地区民间符号在当代绘画中转化的讨论，视角独特，令人耳目一新。那些作品，虽然在形式上可能不如京沪顶尖工作室那样精致，但其文化根基的深厚和精神力量的原始爆发力，却更具冲击性。这本书的功德，在于它不仅仅记录了“主流的声音”，更重要的是，它耐心地记录了那些“正在形成的声音”，使得我们得以窥见中国艺术生态的复杂性和丰富性。它让我的艺术地图不再只是以几个点状城市为中心，而是扩展到了广阔的地域纵深。

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这本厚重的画册一入手，便觉沉甸甸的，光是那油墨的清香就让人心神为之一振。翻开扉页，首先映入眼帘的是一幅气势磅礴的当代山水画，笔触苍劲有力，墨色浓淡变化之间，竟能品出一种穿越时空的历史厚重感。我本以为这只是寻常的艺术作品集，但细读下去才发现，每幅作品旁配着的文字，绝非简单的创作说明，而是艺术家本人对生命、对时代、对艺术哲学的深入剖析。那些文字，或如哲学思辨般深邃，或如诗歌般灵动，它们像是给冰冷的画布注入了灵魂的呼吸。比如其中一位雕塑家谈及“材料的内在意志”，那一番论述，让我对“形”与“神”的关系有了全新的理解。我常常在咖啡馆里，捧着它，沉浸在那些关于色彩如何承载情感、线条如何构建秩序的讨论中，仿佛与那些隐于市井或身居庙堂的创作者们进行着一场跨越媒介的对话。这本书的价值，正在于它搭建起了一座沟通艺术表象与内心世界的桥梁，让人在欣赏视觉冲击的同时，更能被思想的深度所折服。它不只是给行家看的，更是为所有渴望触碰艺术真实脉搏的人准备的。

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