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出版者:Le Seuil [distributor]

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页数:0

译者:

出版时间:1992

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9782908901115

丛书系列:

图书标签:

• 以色列电影
• 电影史
• 文化研究
• 中东研究
• 影评
• 电影产业
• 犹太文化
• 以色列文化
• 电影艺术
• 纪录片

《光影交织：欧洲电影的百年变迁》 本书深入剖析了欧洲电影自二十世纪初萌芽至二十一世纪全球化浪潮冲击下的百年发展历程。它不仅是一部电影史的梳理，更是一幅横跨多国文化、政治与社会变革的宏大画卷。 第一部分：先驱时代的探索与奠基（1900s - 1920s） 欧洲电影的早期发展充满了艺术家的激情与技术的摸索。在法国，梅里爱（Georges Méliès）对特效的痴迷开启了奇幻叙事的先河；与此同时，卢米埃尔兄弟（Lumière Brothers）的纪实性镜头则确立了电影作为“记录真实”的潜力。 随着默片时代的成熟，欧洲各国发展出迥异的风格。德国表现主义（German Expressionism）以其扭曲的布景、强烈的明暗对比，深刻反映了战后社会的焦虑与精神危机，诞生了如《卡里加里博士的小屋》（The Cabinet of Dr. Caligari）这类标志性作品。在苏联，爱森斯坦（Sergei Eisenstein）的蒙太奇理论，尤其是在《战舰波将金号》（Battleship Potemkin）中对“吸引子”的运用，彻底革新了电影语言的叙事结构，使其成为强有力的政治宣传工具。 这一时期的欧洲电影家们，在缺乏成熟工业体系的背景下，通过对光影、构图和节奏的极致把控，为后世的电影艺术确立了美学基石。 第二部分：有声时代的挑战与黄金年代的辉煌（1930s - 1950s） 有声电影的出现对欧洲电影工业构成了巨大的技术挑战，许多依赖视觉冲击的先锋派作品在转换中经历了阵痛。然而，这也催生了新的艺术形式。 在法国，诗意现实主义（Poetic Realism）在三十年代达到高峰。以让·雷诺阿（Jean Renoir）和马塞尔·卡内（Marcel Carné）为代表的导演，通过对底层人物命运的细腻刻画，将浪漫的悲剧色彩与强烈的社会批判熔铸一炉。《北方旅馆》（Hôtel du Nord）和《天堂的儿女》（Les Enfants du Paradis）成为了这一流派的典范，它们在战争爆发前夕，预示着欧洲社会的某种无可挽回的颓势。 二战期间及战后初期，电影制作受审查和资源短缺的严重制约，但地下电影和抵抗运动叙事保持了电影作为社会良知的角色。意大利的新现实主义（Italian Neorealism），以罗伯托·罗西里尼（Roberto Rossellini）的《罗马，不设防的城市》（Rome, Open City）为代表，摒弃了布景和明星制度，转而采用非职业演员和实景拍摄，以其粗粝、真诚的影像，记录了战争创伤后人民的生存挣扎，对全球独立电影产生了深远影响。 第三部分：新浪潮的冲击与艺术电影的崛起（1960s - 1970s） 冷战的相对稳定和战后一代对既有体制的反叛，促成了欧洲电影史上最激进的艺术革新——“新浪潮”的兴起。 法国新浪潮（Nouvelle Vague）是其中最具影响力的运动。特吕弗（François Truffaut）、戈达尔（Jean-Luc Godard）和埃里克·侯麦尔（Éric Rohmer）等人，推崇作者论（Auteur Theory），强调导演的个人意志和风格，模糊了剧情片与纪录片的界限，引入了跳切、手持摄影和即兴对白等手法，彻底颠覆了好莱坞式的经典叙事模式。《四百击》（The 400 Blows）和《筋疲力尽》（Breathless）以其青春的躁动和对传统电影规范的挑战，成为一代知识分子的精神象征。 与此同时，欧洲其他国家也涌现出具有强烈实验色彩的电影人。德国的新德国电影（New German Cinema）——法斯宾德（Rainer Werner Fassbinder）、赫尔佐格（Werner Herzog）——关注民族心理的阴暗面和对权威的质疑。在英国，自由电影（Free Cinema）运动则倾向于关注社会边缘群体和工人阶级的现实生活。这一时期的欧洲电影，彻底确立了其作为独立于商业娱乐之外的严肃艺术载体的地位。 第四部分：文化多元与全球化下的重塑（1980s - 2000s） 随着大众传媒的崛起和好莱坞工业体系的进一步扩张，欧洲电影面临着如何保持其独特艺术声音和吸引本土观众的挑战。 八十年代，欧洲开始更加关注自身历史记忆的复杂性。克日什托夫·基耶斯洛夫斯基（Krzysztof Kieślowski）的作品，尤其是在其《十诫》（The Decalogue）系列中，展现了对道德、信仰和人类联系的深刻哲学思辨，以其高度的结构美感和普世性主题，赢得了国际声誉。 九十年代，欧洲电影开始探索身份、移民问题以及对历史创伤的重新审视。意大利的贝托鲁奇（Bernardo Bertolucci）持续探索权力与情欲的禁忌；丹麦的拉尔斯·冯·特里埃（Lars von Trier）领导的“多格玛95”（Dogme 95）运动，以极简的规则（如必须实景拍摄、禁止使用滤镜）对电影制作的程式化进行了批判性回归。英国电影则在“英式幽默”的框架下，重新发掘了本土的社会现实，涌现出如丹尼·博伊尔（Danny Boyle）等新生代导演。 这一阶段的特征是，欧洲电影不再是单一风格的集合，而是各国根据自身历史文化背景，在全球电影语境中寻找独特的话语权，其艺术实验精神得以延续，同时更注重面向更广泛的观众群体。 本书旨在通过梳理这些关键的历史节点、风格流派和核心导演，为读者提供一个理解欧洲电影艺术发展脉络的全面框架，探讨其如何在不断变化的政治与技术环境中，坚守其作为批判性思维和人文关怀的载体。

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这本书的排版风格让人联想到上世纪八十年代的某些官方出版物，那种严谨到近乎刻板的格式，似乎在无声地宣告：这里是事实，不容置喙，更不欢迎感性解读。我的阅读体验非常“平面化”，信息点被整齐地排列在各个章节里，它们彼此之间存在，但缺乏相互渗透和共振。比如，书中用了大量的篇幅来介绍那些在国际上屡获殊荣的特定导演，但对这些导演作品的文本细读却非常保守，往往只是引用了其他评论家的观点，然后用一个总结性的段落草草收场。我原本期待的是一场与这些大师级作品的深度对话，是作者本人充满洞察力的犀利分析，能够揭示出隐藏在获奖光环之下的某种共同的文化焦虑。但很遗憾，这本书更像是一个知识的“仓库管理员”，他尽职尽责地把每一件物品都摆放得井井有条，却从未真正去体验过这些物品的使用价值和情感重量。每一次翻页，都像是完成了一项必须完成的任务，而非开启了一段引人入胜的探索之旅。

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我借阅这本书的初衷，是想了解以色列电影界是如何应对国际平台和本土传统的双重拉扯的。我们都知道，一个国家的电影史往往是其政治史最敏感的晴雨表，尤其是面对如此复杂的地理和历史背景。然而，这本书的视角似乎过于“内倾”了，它似乎只关注电影工业的“内部运作”，比如资金的流向、技术人才的培养路径，以及影展的公关策略。这种关注点，使得整本书读起来像是一份对行业内部人士的“操作指南”，而非对普通观众敞开的文化之窗。它详尽地记录了哪一年政府补贴增加了多少百分比，哪一部电影因为海外发行获得了多少票房分成，但对于这些数字背后的创作者的挣扎，那些关于“何为正义”、“何为归属”的尖锐提问，却如同被刻意遗漏的关键信息。如果你想知道以色列的电影政策是如何制定的，这本书或许能给你一份详尽的报告；但如果你想知道这些政策如何影响了银幕上出现的故事的底色和深度，你可能需要寻找其他作品。

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对于那些对电影制作流程有强烈兴趣的专业人士来说，这可能是一本极具价值的参考书。它对特定时期——尤其是九十年代初到新世纪这段时间里，以色列电影界在硬件设备升级和人才交流方面的详细记录，非常详实。它清晰地描绘了从传统胶片到数字化的过渡阵痛，以及国际合拍片对本土叙事带来的冲击和机遇。然而，对于一个追求文学性和思想性的读者来说，这本书的“干货”似乎过多地集中在了幕后，而对台前的光影艺术着墨太少。电影的本质，最终还是通过银幕上的人与故事来传递的，这是它最具有魔力的地方。这本书却像是一位痴迷于乐器制造工艺的工匠的自述，对琴弦的张力、木材的选择如数家珍，但对于这把琴奏出的乐章的震撼力，却只是用几笔轻描淡写的文字带过。我读完后，对以色列电影产业的结构有了清晰的认知，但对那些真正触动人心的以色列故事，依然保持着一种遥远的、缺乏亲密接触的陌生感。

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这部关于以色列电影的著作，我本以为能深入了解特拉维夫的光影变迁，或是耶路撒冷镜头下的历史厚重感。然而，读完之后，我发现它更像是一本精美的影院建筑图册，或者是一份详尽的、按年代排列的电影节参展名单汇编。作者的笔触似乎更偏爱技术层面的描述，比如某部影片的摄影机选择、胶片的颗粒感，或者某位导演在特定时期对场记板的偏好。对于作品本身所蕴含的文化冲突、社会撕裂或是宗教议题，挖掘得不够深入，常常是一带而过，仿佛这些是需要被“技术性”处理掉的枝节。我期待的是那种能让人在深夜里沉思，关于“身份认同”如何在银幕上被解构和重塑的深刻分析，但这本书提供的更多是关于“拍摄手法”的教科书式阐述。例如，当提到某部描述定居点生活的影片时，我期望看到关于其叙事策略如何平衡政治立场和艺术表达的辩证讨论，结果看到的却是对镜头运动精确到焦距的罗列。这使得整本书读起来，像是在欣赏一幅细节极其丰富但缺少灵魂的风景画，技巧无可挑剔，情感却无处安放。对于一个真正想通过电影来触摸以色列社会脉搏的读者而言，这本书提供的视角，未免有些过于冰冷和疏离了。

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坦白讲，这本书的装帧和纸张质量简直是收藏级的享受，沉甸甸的手感，配上那些老电影海报的复刻插图，让人爱不释手。从这个角度看，它绝对值回票价。但是，一旦我翻开正文，那种“咖啡桌读物”的预期就立刻被无情地打破了。它更像是某位研究生的毕业论文摘要合集，用极其学术化、充满术语的语言堆砌出一种深奥感，但实际传达的信息密度却低得惊人。叙事跳跃性极大，前一章还在高谈阔论某位边缘导演的后现代解构主义，下一章就突然转到了对某个小型独立制片公司融资结构的详细分析，中间的逻辑链条几乎需要读者自己去搭建。我花了很大力气去寻找那些能够串联起“以色列电影”作为一个整体概念的内在驱动力——那些推动创作者走上这条艰难道路的信念与困境。很遗憾，作者更热衷于使用晦涩的理论框架来包裹相对简单的观察，使得阅读过程充满了挫败感，像是在努力解读一张被过度加密的地图，你总觉得关键的标志物被故意隐藏在了繁复的符号之下。

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