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出版者:Quill

作者:Diane Solway

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1999-11

价格:USD 16.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780688172206

丛书系列:

图书标签:

• rudolf
• nureyev
• 芭蕾
• 舞蹈
• 传记
• 鲁道夫·努列耶夫
• 艺术
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• 苏联
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• 冷战
• 艺术史

《舞动的灵魂：芭蕾艺术的辉煌与挑战》 一部深入剖析世界芭蕾艺术发展脉络、探讨其内在美学与时代变迁的鸿篇巨制。 本书并非聚焦于某一位特定舞者的生平，而是以宏大的视角，编织了一幅跨越数百年、横跨欧亚大陆的芭蕾艺术发展史卷。它旨在揭示，这项被誉为“古典艺术之巅”的表演形式，如何在历史的洪流中不断演变、吸收、重塑，最终成为全球舞台上最具震撼力的艺术语言之一。 第一部分：起源与奠基——从宫廷到剧院的蜕变 本部分追溯了芭蕾艺术的初始萌芽。我们首先回到文艺复兴时期的意大利，探究那些标志性的宫廷宴会舞蹈如何成为现代芭蕾的雏形。随后，叙事线索平稳过渡到法国路易十四的时代，详细描绘了皇家舞蹈学院的建立——这一机构如何通过标准化技术和理论，为芭蕾注入了严谨的学术骨架。 我们细致考察了早期重要编舞家，如皮埃尔·博尚和让-巴蒂斯特·吕利，他们如何确立了古典芭蕾的五种基本脚位，以及手臂、躯干的规范化动作，奠定了技术层面的基石。此阶段的重点在于理解，芭蕾如何从一种服务于王权的娱乐形式，逐步向一种独立的、具有叙事和情感表达能力的剧场艺术转型。 第二部分：浪漫主义的浪潮——梦想、仙女与足尖的革命 19世纪的欧洲，伴随着浪漫主义思潮的兴起，芭蕾迎来了它历史上最具诗意和革命性的时期。本章深入分析了《仙女》（La Sylphide）和《吉赛尔》（Giselle）等里程碑式作品的诞生背景与美学影响。 重点讨论了足尖技巧的出现及其对女性舞者身体形象的重塑。足尖不再仅仅是一种技术展示，它成为了浪漫主义对脱离尘世、追求自由与永恒之美的具象化表达。我们探讨了这一时期对“异域风情”的迷恋，以及叙事结构如何从神话和历史转向更深层次的人类情感困境——爱、死亡、背叛与救赎。同时，也审视了围绕女性舞者“灵性”与“脆弱性”的审美取向，如何既赋予了她们光环，也限制了她们的艺术探索。 第三部分：古典主义的巅峰与俄罗斯的崛起 随着浪漫主义的感性达到极致，芭蕾艺术在19世纪后半叶转向了对技术复杂性和结构宏伟性的追求，即古典主义的成熟阶段。本部分将焦点投向了俄罗斯帝国——圣彼得堡和莫斯科——这两个城市如何汇聚了欧洲各地最顶尖的艺术家，将芭蕾技艺推向了前所未有的高度。 核心内容聚焦于马里乌斯·彼季帕的编舞哲学。通过对《睡美人》、《胡桃夹子》和《天鹅湖》等巨著的细致剖析，我们揭示了古典芭蕾结构（如大双人舞、变奏曲、科达）的严密性与平衡感。作品不再仅仅是情感的宣泄，而成为精妙的建筑学展示，对舞者的技巧、耐力和舞台控制力提出了近乎苛刻的要求。本章深入探究了古典芭蕾中的“抒情性”与“炫技性”之间的动态张力。 第四部分：现代的冲击——打破陈规与革新浪潮 20世纪初，西方艺术界普遍弥漫着对既有传统的反思与颠覆。本章详细描绘了“俄罗斯芭蕾舞团”（Ballets Russes）在巴黎引发的文化海啸。我们不仅分析了谢尔盖·佳吉列夫的远见卓识，更深入探讨了与他合作的艺术巨匠们——如伊戈尔·斯特拉文斯基的革命性音乐、列昂·巴克斯的色彩学运用，以及米歇尔·福金对古典语汇的重塑。 此后，作品转向对“现代舞”与“新古典主义”的辨析。探讨了乔治·巴兰钦如何将古典语汇剥离叙事外衣，专注于纯粹的运动、音乐性与空间关系，开创了“无情节芭蕾”的先河。同时，也考察了不同国家和学派（如英国皇家芭蕾、巴黎歌剧院芭蕾）如何在坚守传统的同时，不断吸纳当代肢体语言，以保持芭蕾作为活态艺术的生命力。 第五部分：当代的对话——多元化与全球化挑战 在当代，芭蕾艺术正面临着前所未有的多元化挑战与机遇。本章关注当代编舞家如何运用古典技巧，去探讨如社会政治、身份认同、非线性叙事等前沿议题。 我们考察了技术进步对舞者身体训练的影响，以及全球化背景下，非西方文化如何反哺和丰富了芭蕾的美学体系。本部分也审慎地讨论了芭蕾艺术在商业化、大众传媒冲击下的生存状态，以及如何平衡对历史遗产的尊重与对未来探索的渴望。从剧院舞台到社交媒体的传播，芭蕾如何找到新的受众，并保持其作为精英艺术形式的内在价值，是本章探讨的核心议题。 结语：永恒的运动与瞬间的永恒 全书在对当代芭蕾生态的总结中收尾，重申了芭蕾作为一种超越语言的身体哲学，其核心价值始终在于对人类极限的探索，以及对音乐与时间结构的完美捕捉。它是一门既古老又时刻要求新生的艺术，其每一次踮起脚尖，都是对历史的致敬，也是对未来的承诺。

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我必须得承认，这本书在某些章节的处理上，其叙事密度之高，让人不得不放慢速度，甚至需要反复咀嚼才能完全消化其间的深意。它不是那种可以一口气读完的通俗小说，更像是一部需要沉淀的艺术品。作者对细节的偏执达到了令人赞叹的地步，无论是对某个特定历史时期物件的描摹，还是对特定职业人群行为模式的捕捉，都展现出惊人的考据功力。那些看似不经意的侧写，实则承载了巨大的信息量，构建了一个无比真实可信的次级世界。更让人称道的是，它成功地规避了“说教”的陷阱，它提出的深刻哲学命题，不是通过冗长的独白来灌输，而是内嵌在人物的行动逻辑和他们所处的困境之中。读完合上书页的那一刻，我感觉自己不仅仅是读了一个故事，更像是完成了一次精神上的长途跋涉，带着一些新的视角和对自身处境的重新审视。

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这本书最让我震撼的，是它对于“记忆的不可靠性”这一主题的大胆探索。作者通过多重视角和碎片化的叙事结构，构建了一个真假难辨的迷宫，你永远无法确定你所接收到的信息哪个是“真实的”，哪个是“被构建的”。这种不确定性，恰恰反映了我们自身经验的本质——我们都是自己故事的最终编辑。文字的流动性极强，有时像湍急的河流，将你卷入事件的核心；有时又像凝固的琥珀，将一个瞬间的感受无限拉长、放大，让你仔细观察其中微小的裂痕。全书的基调是略微压抑的，但这种压抑并非源于情节的残忍，而是源于对人类局限性的深刻洞察——我们总是试图理解，却又注定无法完全参透那些支配我们命运的巨大力量。它没有提供简单的答案，却提出了最值得深思的问题。

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老实说，这本书的语言风格带着一种近乎冷峻的克制美学，它不屑于用华丽的辞藻堆砌情感，而是选择用最精准、最简洁的笔触勾勒出事件的骨架和人物灵魂的轮廓。这种风格初看可能会让人觉得有些疏离，但深入其中后，你会领悟到这背后的巨大力量——它迫使读者调动自己的全部感知力去填充情感的空白，让阅读成为一种主动的、创造性的行为。它对社会结构中那些无形的权力网络进行了冷静而犀利的剖析，如同外科手术刀般精准地切入病灶，不带丝毫的道德审判，仅仅是客观地展示“事情本来的样子”。书中对于时间流逝的处理也颇为高明，它不是线性的推进，更像是一种螺旋上升，过去的阴影不断投射到当下的决策之上，形成一种宿命感，但又在某个关键节点，作者又会突然抛出一个充满变数的细节，让人看到一线挣脱的希望，这种矛盾的张力构成了全书最引人入胜的部分。

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这本书的叙事节奏把握得极为精准，那种不动声色的推进，像极了清晨薄雾中缓缓拉开的帷幕，让人既感到一种历史的厚重感，又夹杂着对未知的渴望。作者似乎深谙如何将宏大的背景与细微的人性刻画巧妙地编织在一起，使得那些看似平淡的日常场景，实则暗流涌动，充满了隐喻和张力。我尤其欣赏其中对于环境氛围的渲染，那种湿润的、带着泥土芬芳的质感，仿佛能从纸页间渗透出来，让人身临其境。角色的内心挣扎被处理得极其细腻，没有那种刻意的戏剧化冲突，一切都内化为一种持续的、低沉的吟唱，关于选择与代价，关于理想与现实的永恒拉锯。读到后半段，你会发现，那些铺垫已久的线索开始以一种近乎完美的优雅姿态收拢，不是生硬的强行解释，而是水到渠成的顿悟，留给读者的空间是广阔的，那种回味无穷的韵味，久久不散，让人忍不住想重读，去捕捉那些初读时可能遗漏的微妙光影。

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这部作品在结构上的大胆创新，远超出了传统小说的范畴。它更像是一部多媒体装置艺术，由文字、留白、节奏的停顿和爆发共同构成。我特别喜欢作者在处理人物情感爆发点时所采用的“反高潮”手法，那种看似风平浪静之下，实则山雨欲来的张力，比直接的嘶吼来得更有力量。它似乎在挑战传统的叙事语法，用一种近乎诗意的、跳跃性的方式来呈现事件的关联。对于一些抽象概念的阐释，它也处理得非常高明，不落俗套，而是通过具体的、可感知的意象来承载，比如对光线、对声音的描述，都具有极强的象征意义。总而言之，这是一部需要全身心投入的作品，它要求读者放下既有的阅读习惯，去适应它独有的呼吸频率，一旦你进入了这个频率，便会被它那复杂而迷人的内在逻辑深深吸引，久久不能自拔。

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最喜欢的男芭蕾演员，看他在叛逃前在Kirov演的海盗视频是我第一次看一个男演员跳舞让我激动不已。看了他的传记，原来他是为了自己追求的东西，不惜一切去获得，包括芭蕾，包括收藏，包括性， 等等。每每接触到这样的人，都会感叹，此曲只应天上有，何必让他感受人世沧桑。还有他生命最后以此在Paris ballet theatre为自己导演的舞姬谢幕时脸上的渴望，实在让人心疼！

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