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出版者:四川美术出版社

作者:赫伯特·里德

出品人:

页数:94

译者:顾时隆

出版时间:1989-12

价格:4.90元

装帧:平装

isbn号码:9787541003912

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 建筑
• 雕塑
• 现代艺术
• 英国艺术
• 亨利·摩尔
• 艺术史
• 抽象艺术
• 艺术设计
• 雕塑艺术
• 20世纪艺术
• 艺术作品

《雕塑的内在力量：二十世纪现代艺术的视觉语言》 这是一部深入剖析二十世纪现代雕塑艺术核心思想与发展脉络的学术专著。本书并非聚焦于某一位艺术家的生平或作品全集，而是致力于构建一个宏大的理论框架，用以理解抽象表现主义、结构主义、极简主义等一系列艺术运动如何彻底颠覆了传统雕塑的定义与边界。全书共分七个章节，逻辑清晰，层层递进，旨在为读者提供一套系统的分析工具，以解读那些挑战感官、重塑空间的艺术品。 第一章：从具象到抽象——空间观念的革命。本章首先回顾了十九世纪末期雕塑艺术在材料和主题上所暴露出的内在张力。重点探讨了立体主义和未来主义对三维空间再现方式的冲击。作者引入了“负空间”的理论概念，阐释了艺术家如何开始有意识地利用围绕雕塑的空气本身作为构图的一部分。通过对布朗库西、阿普斯特等先驱者的作品进行细致的结构分析，揭示了他们如何通过简化形式，将物体从叙事性的泥沼中解放出来，回归到材料本身的“纯粹性”。本章强调，二十世纪雕塑的第一次飞跃，在于对“存在”而非“再现”的追求。 第二章：材料的解放与工业美学。本章聚焦于新材料在雕塑中的广泛应用，这标志着艺术与工业生产的一次深刻对话。从焊接钢铁、铝材到早期对塑料和合成树脂的实验，艺术家们不再将金属视为僵硬的框架，而是将其视为具有流动性和可塑性的元素。重点分析了立体派和后来的建构主义者如何运用工业部件——螺栓、铆钉、现成品——来挑战传统铸造和雕刻的精细手工艺传统。书中配有多幅珍贵图版，对比展示了手工打磨的表面与机加工的冷峻质感所传达的不同情感光谱。材料不再是承载主题的工具，而是主题本身。 第三章：身体、运动与时间维度。传统的雕塑是静止的、永恒的。本章则探讨了艺术家们如何设法将时间性、运动感以及观众的参与性融入到静态的物质结构中。重点讨论了动态雕塑的早期尝试，即如何通过机械装置或巧妙的平衡设计，使作品在环境或人为的作用下产生可感知或不可感知的变化。同时，本章也深入分析了关于“身体的缺失”和“身体的残余”的哲学思考，例如，一些作品如何通过对人体断裂部分的重构，暗示了现代社会中个体异化的状态。运动不再是模仿，而是结构自身的内在逻辑。 第四章：场域的扩展——环境与装置艺术的先声。随着艺术概念的扩张，雕塑不再局限于“基座上的独立对象”。本章考察了雕塑如何开始与它所处的环境发生对话，这为后来的环境艺术和装置艺术埋下了伏笔。从关注作品与建筑空间的关系，到探讨作品如何限定或激活观众的移动路径，艺术家们开始系统性地设计体验。书中详细分析了如何通过尺度、照明和材料的反射特性，使观众在进入作品所创造的“场域”时，其感知发生根本性的转变。作品与环境不再是主体与背景的关系，而是相互定义、相互渗透的整体。 第五章：极简主义的回归——去除一切修饰的绝对纯粹性。本章是全书的核心分析部分之一。极简主义艺术家们采取了一种看似激进的“反艺术”姿态，他们剥离了叙事、象征、情感色彩以及艺术家的个人笔触。本章细致考察了极简主义雕塑如何通过对基本几何形态（立方体、平面、线条）的重复、堆叠和排列，探求物质世界最基本的结构逻辑。重点分析了作品的“对象性”——它们仅仅是它们自己，不指向任何外部事物。这种对“在场性”的强调，迫使观众直接面对物质的重量、体积和空间关系，引发了关于现象学美学的深刻讨论。 第六章：符号的瓦解与符号的重建——后极简主义的复杂性。在对极简主义纯粹性的吸收和批判中，后极简主义艺术家们重新引入了对材料的非传统处理方式和对感知的不确定性。本章探讨了如何通过材料的扭曲、腐蚀、悬挂或看似脆弱的组合，来表达对现代社会中权力结构、社会关系或日常经验的质疑。一些作品开始使用非常规的、软性的或易逝的材料，挑战了传统雕塑的永恒性承诺。本章特别关注了光线、阴影在这些作品中作为“非物质元素”所扮演的关键角色，它们成为作品形式的动态延伸。 第七章：当代雕塑的跨界与未来趋势。本书的收官部分展望了二十世纪末至二十一世纪初雕塑领域的多元化发展。这包括虚拟现实技术对实体雕塑边界的挑战，以及行为艺术对“可移动雕塑”概念的重新定义。同时，也探讨了全球化背景下，非西方传统雕塑技艺和哲学如何反哺当代艺术的实践。最终，本章总结了二十世纪雕塑艺术的核心贡献：它成功地将艺术品的观看行为，从一种静态的、冥想式的活动，转变为一种动态的、身体力行的、不断协商的体验。 本书特色： 理论深度与图像结合： 配有超过两百幅高清艺术作品图版，辅以结构图、空间布局示意图，帮助读者清晰理解复杂的空间关系。 跨学科视野： 文本横跨哲学（现象学、结构主义）、物理学（空间几何）和文化研究领域，为理解现代雕塑提供了多维度的切入点。 清晰的脉络： 历史演变线索明确，避免了对单一艺术家群像的堆砌，而是着重于思潮的交替与观念的继承和反叛。 适合读者： 艺术史专业学生、策展人、博物馆专业人士，以及所有对现代艺术语言和三维空间表达方式有浓厚兴趣的普通读者。通过阅读本书，读者将能够更自信、更深入地“阅读”二十世纪的雕塑作品，理解它们如何重塑了我们对物质世界和感知现实的理解。

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这本书的叙事角度非常独特，它没有采用那种枯燥的编年史或者生平介绍的套路，反而像是作者与一位智者进行的一场跨越时空的对话。我特别欣赏作者在探讨艺术理念时所展现出的那种近乎哲学家的思辨能力。书中关于“大地与人体”之间张力的分析，简直是颠覆了我过去对抽象雕塑的理解。它不是简单地将人体形象进行几何化处理，而是试图挖掘出人类形体在自然界中，在时间和风化面前所呈现出的永恒与脆弱。我注意到作者频繁使用对比强烈的意象，比如坚硬的花岗岩与柔软的皮肤，阴影的深邃与光线的爆发，这种对立统一的描述手法，让那些静态的雕塑仿佛拥有了生命的律动。阅读这本书，就像是进行了一次精神上的洗礼，它促使你去重新审视自己与周围环境的关系，思考“重量”和“空间”在个人存在中的意义。语言风格上，它偏向于那种富有韵律感和象征意义的表达，读起来非常过瘾，每一句似乎都蕴含着多重的解读空间，绝非泛泛之谈，是那种需要反复咀ட்ட才能品出其中滋味的佳作。

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这本书最让我感到耳目一新的，是它对“触摸”这一感官体验的重视。作者反复强调，这些雕塑不应该仅仅被“观看”，更应该被“感知”。书中对雕塑表面纹理的描述极其细腻，仿佛作者用指尖在纸面上摩挲，试图将那种粗砺、光滑、冷硬的触感传递给远方的读者。这种强调身体参与的阅读体验，在当代艺术评论中是比较少见的。另外，作者对艺术家创作过程中的“偶然性”和“必然性”之间的辩证关系也做了深入探讨，他认为那些看似随意的凿痕或浇筑的缺陷，恰恰是艺术家与材料进行博弈后留下的真实印记，是作品生命力的来源。阅读过程中，我多次产生一种冲动，想要立刻去美术馆，亲眼看看那些被文字描绘得如此生动的作品，去验证书中所说的每一个细节。这本书的行文风格非常坦诚，没有故作高深，而是以一种平等的姿态，邀请读者一同探索艺术的奥秘，读起来非常舒服，像是在一位经验丰富的向导带领下，进行了一次充满发现的旅程。

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这本书的封面设计简直是视觉的盛宴，那种粗粝的质感和深沉的色彩搭配，一下子就把你拽进了一个充满力量感和原始审美的世界。我记得我第一次翻开它的时候，首先吸引我的是那些精美绝伦的版画和素描，它们不是那种传统意义上工整的艺术品，而是充满了生命力的线条，仿佛能听到雕塑家在工作室里敲打凿子的声音。作者对材料的理解达到了一个近乎痴迷的程度，他没有仅仅停留在描述“作品是什么样子”，而是深入挖掘了青铜、石头这些媒介本身所蕴含的历史和情感重量。比如，他对“穿孔”这一手法的探讨，简直让人拍案叫绝，那种空间与实体之间的对话，被文字描绘得淋漓尽致，让我仿佛能触摸到作品中那些被掏空的、呼吸着的空洞。阅读过程中，我经常需要停下来，去想象那种三维空间在二维平面上的转化是如何被精准捕捉的，这不仅仅是一本艺术评论，更像是一堂关于形态学和空间哲学的深度课程。行文的节奏感非常强，时而如大河奔流般磅礴，时而又像细雨绵绵般细腻入微，对读者心境的调适把握得极到位，让人欲罢不能，感觉作者本人也正站在他那些标志性的作品旁边，低声耳语着创作的秘密。

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老实说，这本书在学术性上做得非常扎实，但最让我惊喜的是它在“人情味”上的拿捏。作者显然对这位艺术大师的生活轨迹了如指掌，但笔触非常克制，没有落入八卦或过度的个人情感渲染。相反，他通过对创作背景的细致描摹，巧妙地烘托出了艺术家的内心世界。比如，书中对二战时期创作的那些作品的分析，那种沉郁、内敛却又蕴含着巨大生命力的表现手法，被解读得非常到位，让我深刻理解了灾难对艺术家的精神塑造有多么关键。作者在描述那些标志性的“直立形体”时，所采用的词汇充满了敬畏感，仿佛读者也能感受到那种从地面向上挣扎、突破束缚的力量。而且，这本书的插图排版处理得极其考究，高光和阴影的层次过渡自然，即便是通过印刷品，也能感受到雕塑表面的肌理变化，这一点对于一个视觉动物来说，简直是太重要了。读完后，我感觉自己不仅仅是了解了一位雕塑家的作品，更是走进了一个时代的心灵深处，非常震撼。

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这本书的写作结构非常像一首精心编排的交响乐。开篇时，作者用一种近乎散文化的笔调，描绘了艺术家早年对自然形态的观察和模仿，节奏舒缓，像是在为接下来的高潮做铺垫。随着章节的深入，特别是讨论到那些具有里程碑意义的作品时，语言的密度和情感的强度陡然增加，句式变得更加复杂且富有张力，仿佛在模仿艺术家创作过程中那种精密的计算和突然的灵光乍现。我特别喜欢作者在对比不同时期作品时所采用的修辞手法，他能够精准地指出不同阶段的审美侧重点是如何演变的，而不是简单地堆砌作品照片。书中对于“内部空间”的处理，即如何通过雕塑的空洞来定义其外部形态的理论阐述，清晰而富有启发性。它成功地将抽象的概念具象化，让非专业人士也能领略到其中高妙之处。通读下来，感觉作者不仅是艺术史学家，更是一位高明的文学家，他成功地将冰冷的石头赋予了温度和故事性。

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