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出版者:广西美术

作者:张秀霞

出品人:

页数:83

译者:

出版时间:2009-12

价格:32.00元

装帧:

isbn号码:9787807469001

丛书系列:

图书标签:

• 线描
• 绘画
• 艺术
• 设计
• 素描
• 技法
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• 绘画技巧

笔墨间的乾坤：一部探寻中国传统绘画精髓的入门指南 书名：翰墨风华：中国画的入门与鉴赏 内容简介 《翰墨风华：中国画的入门与鉴赏》并非一本关于线条描摹技法的专著，而是一部旨在带领读者领略中国传统绘画宏大精神世界与深厚文化底蕴的综合性指南。本书聚焦于中国画的核心精神、历史演变、主流画科的独特美学，以及如何培养对中国艺术的鉴赏能力，提供了一个全面而深入的认知框架。 全书结构严谨，分为“溯源”、“入境”、“悟道”与“鉴赏”四大板块，力求将深奥的艺术理论以清晰、生动的笔触呈现给初学者和爱好者。 第一部分：溯源——笔墨下的千年文明 本部分追溯了中国绘画自史前陶器纹饰到魏晋风骨的演变历程。我们探讨的重点不是如何画出具体的物象，而是绘画如何在中国哲学思想（如道家与儒家）的影响下，逐渐从单纯的“写实”转向追求“写意”的过程。 萌芽与确立： 重点分析了顾恺之“传神写照”的理论基础，阐释了“骨法用笔”在中国画理论体系中超越技法的意义。我们深入研究了早期山水画如何从人物画的背景中独立出来，以及佛教艺术对人物造型与色彩运用的影响。 盛唐气象与文人画的兴起： 盛唐时期绘画的恢弘气势，不仅仅体现在对宫廷生活或战争场面的描绘上，更体现在对世界观的表达上。紧接着，本书详细剖析了唐代中期以后，士大夫阶层对艺术的审美转向。文人画的核心价值在于“书画同源”，即绘画是书法的延伸，是寄托个人情怀、彰显君子品格的载体。我们细致辨析了“逸品”、“妙品”与“神品”的评判标准，强调了“胸中有丘壑”的重要性，即画家内在修养决定了外在笔墨的境界。 第二部分：入境——中国画的独特语言系统 本部分侧重于解析构成中国画美学的核心要素，这些要素共同构建了一个区别于西方绘画的独立视觉体系。 气韵生动： 这一概念被置于首位。它不是模糊的形容词，而是指艺术家捕捉到的对象内在生命力和宇宙律动的能力。本书通过分析历代大家如董源、巨然的山石画法，展示“气韵”是如何通过笔触的提按顿挫、墨色的浓淡变化来实现的。 墨分五色与意境营造： 我们详细讲解了中国画中“墨”的多层次运用，这远超黑白的概念，它包含了焦、浓、重、淡、清、湿、干等多种变化。探讨了如何利用墨色的层次感，在二维平面上创造出无穷的深度和空间感。例如，分析了“积墨法”与“破墨法”在表现不同自然形态（如云雾、岩石）时的效果差异。 诗、书、画、印的融通： 本章强调了中国画的综合艺术属性。诗句的题跋不仅仅是对画面的注释，更是与画面意象的对话，它将时间性（诗的叙事性）引入了空间性的绘画之中。书法用笔的力度和结构，直接影响了画面的气势。 第三部分：悟道——主流画科的审美取向 本书深入探讨了中国画的几个主要类别——山水、花鸟、人物——各自的审美侧重点和发展脉络。 山水画：人与自然的和解： 山水画被视为中国画的巅峰。我们不再仅仅关注“画山水”，而是“画天地”。介绍了“南宗”（以文人画为代表，重在写意和性情抒发）与“北宗”（带有更多装饰性和细节刻画，常用于院体画）的基本分野。通过研究范宽的雄伟、倪瓒的萧疏，读者可以理解不同画家如何通过山水来表达“隐”与“出”的人生哲学。 花鸟画：微观世界的哲思： 花鸟画的精妙在于其象征意义和对瞬间生命的捕捉。本书细致分析了“写意花鸟”与“工笔花鸟”的差异。如工笔的富贵吉祥，与写意花鸟中对竹子、梅花等“四君子”的品格寄托。我们探讨了“墨分五彩”在表现花卉叶片微妙光泽时的应用。 人物画：从世俗到精神的刻画： 重点在于“形神兼备”。分析了仕女画中对女性气质的提炼，以及历史人物画中对历史事件精神内核的捕捉。如何用最简练的线条勾勒出人物的内心世界，是本部分的核心议题。 第四部分：鉴赏——走进艺术的殿堂 最后一部分是实践性的引导，旨在帮助读者建立起一套科学的鉴赏体系，从而真正欣赏中国画的价值。 装裱的艺术： 鉴赏不能脱离载体。本书解释了立轴、手卷、册页等不同装裱形式对作品观感的影响，以及卷轴在展开、收拢过程中对时间流逝感的营造。 辨伪与保护常识： 提供了基础的材料学知识，如纸张的种类、墨锭的成分以及印泥的特点，帮助爱好者初步辨别作品的年代感和作者的用料习惯。 当代语境下的传承： 探讨了中国画在现代社会面临的挑战与机遇，以及当代艺术家如何在继承传统笔墨语言的同时，进行创新与对话。 本书通过丰富的图例（精选自历代名作的局部放大解析，而非完整的技法示范），辅以详实的文献资料解读，旨在为读者打开一扇通往中国艺术精神深处的门，使其不仅能“看懂”一幅画，更能“体会”到笔墨背后所承载的文化重量与生命哲思。它是一本关于欣赏、理解与感悟的钥匙，而非一本教人执笔的工具书。

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这本书的装帧和印刷质量简直无可挑剔，这一点对于一本视觉艺术书籍来说至关重要。《线描》的纸张非常厚实，油墨的附着力极佳，即便是最纤细的线条也能清晰锐利地呈现出来，完全没有传统影印书常见的模糊感。我尤其欣赏作者在布局上的匠心独运。每一页的排版都经过了深思熟虑，留白恰到好处，既保证了内容信息的密度，又避免了视觉上的拥挤。当我翻阅这本书时，它带给我的不仅仅是知识的输入，更是一种沉浸式的视觉享受。特别是那些关于建筑速写的篇幅，线条的精准度和透视的准确性令人赞叹。它让我意识到，优秀的线描作品，其内在的逻辑结构是多么的严密。这本书放在书架上，本身就是一件赏心悦目的艺术品，每一次取阅都能带来新的发现和启发。

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这本画册简直是艺术爱好者的福音！我一直对素描的基础功力很感兴趣，尤其是那些线条的运用和造型的准确性。《线描》这本书的内容深度和广度都超出了我的预期。它不仅仅是简单的线条勾勒，更深入地探讨了如何用单一的线条来表现物体的体积感、光影变化和材质的细腻区别。书里包含了大量的经典范例，从静物到人物速写，每幅作品都经过了精心的挑选和分析。作者在讲解过程中，没有使用过于晦涩的专业术语，而是用非常直观的方式，比如“像雕刻一样去思考线条的走向”，来引导初学者理解如何建立空间感。我特别喜欢其中关于“留白”的章节，它让我意识到线条的停止和疏密同样重要，这对于提升作品的呼吸感至关重要。我已经迫不及待地想拿起笔，跟着书中的步骤一步步练习了。这绝对是一本可以反复研读的工具书，而不是那种只看一遍就束之高阁的教材。它真正教会了我如何“看”世界，并用最纯粹的语言——线条——去记录它。

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我是一个偏爱现代主义和极简风格的艺术爱好者，一直觉得传统的写实训练有些束缚创造力。但《线描》这本书，成功地让我重新审视了基础训练的价值。它摒弃了繁琐的明暗处理，完全聚焦于“线条的语言”。我发现，当你可以自如地控制线条的粗细、断续、平滑与粗粝时，你对表达的掌控力会提升到一个全新的高度。书中对不同笔触的特性进行了详尽的分类和示范，比如用非常尖锐的硬笔线条来表现金属的质感，而用柔软的炭笔边缘来描绘布料的褶皱，这种对工具特性的深度挖掘，非常具有启发性。更让我惊喜的是，书中还穿插了一些现代设计领域的线描应用案例，证明这种古老的技术在当代设计中依然有着不可替代的地位。这本书成功地将古典的严谨性与现代的创新精神结合在了一起，让我看到了线条艺术无限的可能性。

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对于一个长期受困于“画面空洞”这个问题的业余创作者来说，这本书简直是雪中送炭。我总觉得自己的画‘有形’却‘无魂’，直到我深入学习了《线描》中关于“韵律感”的论述。作者用生动的比喻，将线条比作音乐的旋律，教会我们如何通过线条的节奏变化来引导观者的视线，从而赋予画面一种内在的生命力。书中详细对比了不同文化背景下的线描风格，比如东方水墨的写意与西方古典素描的精准之间的张力与融合，这一点拓宽了我对“何为好线条”的理解。我试着模仿书中几种不同“韵律”的练习，效果立竿见影，原本平铺直叙的画面瞬间变得有了起伏和情感。这本书没有给出僵硬的公式，而是提供了一套可以让你自己去探索和创造个人风格的思维框架。它激励我去打破常规，去寻找属于我自己的“线条签名”。

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老实说，我购买这本书之前有些犹豫，因为市面上关于绘画基础的书籍实在太多了，大部分都大同小异。然而，《线描》这本书却给我带来了耳目一新的感受。它的侧重点非常清晰，紧紧围绕着“结构”和“动态”展开。我过去画的人像总是显得僵硬呆板，问题就在于对骨骼和肌肉走向的理解不够深入。这本书通过对人体解剖结构进行简化和提炼，用流畅的动态线条来表现运动中的形体，这一点对我帮助极大。书中的分解图示极其精妙，它没有直接给出最终的完美成品，而是展示了从最初的结构草图到最终定稿的每一步思维过程。我常常停留在某一个复杂的转折点，反复琢磨作者是如何用那么几根看似随意的曲线，就准确捕捉到了那个瞬间的张力。这不仅仅是一本技法书，更像是一位经验丰富的老师在你身旁，耐心地指点你如何克服结构上的难点，从而让你的画面“活”起来。

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