具体描述
这本画册是关于Greenfield-Sanders的第一本大尺寸的专著。其中包含了350幅肖像，以及一篇由欧洲艺术评论家Demetrio Paparoni 纂写的关于他的作品分析性散文，在最近的几年里Demetrio Paparoni一直都在对Greenfield-Sanders的肖像作品进行细致的研究。另外该书还包括一篇由艺术家Francesco Clemente纂写的一篇相当全面深刻的序言，以及一篇深入的自传式备忘录。
Edited byDemetrio Paparoni, who has followed the artist's work for over ten years, this imposing body of photographs includes a preface by artist Francesco Clemente as well as a critical anthology with texts by Jeremy Gilbert-Rolfe, Stephen Greco, Peter Halley, Christina Kelly, Wayne Koestenbaum, Demetrio Paparoni, Robert Pincus-Witten, Lou Reed, Jerry Saltz, Doug and Mike Starn and Mark Strand, and an autobiography in which the artist expands on the stages in his career.
Timothy Greenfield-Sanders Portraits is a bilingual edition with text in Italian and English. Printed in Italy, the generous 13 x 10 ins. book has 240 pages, with lush images printed in five colors and has a cloth bound cover with sleeve.
作者简介
Greenfield-Sanders的这些标志性的作品都是由20＊24英寸宝利莱相机和他那部古老的11＊14英寸机背取景相机拍摄的超大画幅照片。Greenfield-Sanders曾被同从Nadar和Julia Margaret Cameron到Andy Warhol的几乎所有人进行过比较，但他的作品的那种精致、完美的风格（总会让人联想起古典主义的绘画风格），以及他在心理上与拍摄对象互动的能力，都使他的作品成为独一无二的艺术。
Sanders从不依赖于科技以得到外表浮华的平庸照片；他从不打算利用最新科技之所能来迷惑我们。大约在1975年左右，当他还是位于洛杉矶的美国电影学院的一名学生时，他使用Super－8胶片拍摄他的电影短片，同时使用Nikormat 35mm胶片拍照。在1977年他添置了一台Nikon F2同时也开始使用哈苏。1977年末，他无意间在一个朋友家的书房内发现了一台1905年产的Fulmer & Schwing 11＊14英寸机背取景相机。他花了几美元买下了这台相机。买下它首先还是因为单纯的喜欢这台相机，另外他也开始试图打算拍一些大画幅的照片。
在找到Fulmer & Schwing 11＊14之前，他经常会拍很多小画幅的照片，但自从有了它之后，他开始每次只拍两到三张照片。这不只是因为相机技术上的限制，而是这种画幅的底片相当难找而且贵的惊人。“当我在80年拍Cindy Sherman的时候”他回忆说，“我只对一张底片进行了曝光！”这种拍摄方式，反过来也迫使他反复考虑他拍摄方法的基础：摄影师必须切实了解自己要从所拍摄的肖像中获得什么，比以往要更加专注，是每张底片都能够物尽其用。Peter Halley对这一切的描述可算最简洁扼要：“Greenfield-Sanders的灯光十分简单，在摄影室内和几乎总是从右上方照亮他的拍摄对象，但抛开这种照明方式在技术上的可重复性，他还能够获得如雕塑般的细微差别。在他的三维空间中，仅仅很狭窄的一层二维平面处于焦点上。通常模特的眼睛处于焦点上，而手、衣服甚至面部的其它部分都或多或少处于失焦的模糊状态。在形式上，Greenfield-Sanders基本属于一个极简主义者。就像任何其它成功的极简艺术一样，每一个看似简单的元素都必需带有多个层面的意义。这样，焦点之外的影像将我们的注意力吸引到模特的双眼；同时它还提醒我们这种影像从三维立体空间到二维平面所发生的变换。”
目录信息
读后感
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用户评价
我最近翻阅了一部关于当代城市规划理论的文集，内容之丰富和视角之多元，让我大呼过瘾。这本书汇集了来自全球各地城市学家的尖锐观点，探讨了从“宜居性”到“韧性城市”的范式转移。最让我耳目一新的是关于“后稀疏化”理论的部分，它挑战了传统上对城市蔓延的批判，转而探讨在数字化背景下，如何通过智能基础设施实现空间效率的最大化。书中对基础设施建设中社会公平问题的关注也十分到位，多位作者强调了“灰色基础设施”与“绿色基础设施”的协同设计，以确保弱势群体不会在城市升级中被边缘化。阅读时，我感觉自己仿佛坐在一个全球智库的会议室里，听着最前沿的思想碰撞。虽然有些理论涉及复杂的数学模型，但编辑者非常巧妙地用图表和案例进行了辅助说明，使得非专业人士也能领略到其精髓。这本书无疑是为那些对未来城市形态抱有深度思考的人士准备的饕餮盛宴。
评分老实说，这本关于巴洛克音乐中对位法的深入解析，对我这种业余音乐爱好者来说，起初有点让人望而生畏。然而，作者的讲解方式简直是化腐朽为神奇的典范。他没有仅仅停留在枯燥的规则和术语上，而是将赋格曲的结构比作精密的建筑蓝图，将声部的交织比作一场精心编排的舞蹈。书中对巴赫的《赋格的艺术》的逐段剖析，简直是打开了一扇通往音乐逻辑核心的大门。我以前听这些作品时，总是感叹其精妙，但无法言说其所以然；读完这本书，我开始能“看”到那些旋律线是如何在不同的声部中穿插、模仿、抗衡与最终的融合。作者对“主题”在不同变奏中命运的追踪尤为精彩，展现了极高的音乐敏感度。这本书的价值在于，它不仅教授了技术知识，更培养了听众对音乐结构美感的深度欣赏能力，让每一次聆听都变成了一次智力上的探险。
评分天呐，我刚刚读完了一本关于十九世纪末到二十世纪初欧洲文学思潮的专著，那感觉简直就像是置身于一个思想的迷宫中穿梭，每一步都充满了惊喜和挑战。作者对象征主义、唯美主义以及早期现代主义的交织和冲突进行了极其细致的梳理，尤其是在论述马拉美、波德莱尔以及詹姆斯等人的创作理念如何相互影响和抗衡时，展现了深厚的学术功底。书中的一个章节专门分析了“颓废”美学在不同国家文学中的变异，我印象特别深刻的是，作者并没有简单地将之标签化，而是深入挖掘了其背后对工业化和资产阶级道德的双重疏离感。通过对大量一手文献的引用和精准的文本解读，这本书成功地勾勒出了一幅知识分子精神世界的全景图。阅读过程中，我频繁地停下来，反复咀嚼那些精妙的论断，它迫使我重新审视自己过去对那个时代艺术氛围的理解。如果你对那个风云变幻的文学时期抱有一丝好奇，这本书绝对是能带你深入其核心肌理的绝佳向导，它不仅仅是知识的罗列，更是一种智性的对话。
评分最近读到一本关于古代地中海贸易路线的考古学报告，那份厚重感和细节的丰富程度简直令人叹为观止。这本书聚焦于青铜时代晚期爱琴海和黎凡特地区的海上网络，通过对出土陶器碎片上的化学成分分析和船骸的复原研究，作者构建了一个极为细致的贸易图景。我尤其关注其中关于锡的贸易链条的追踪部分，它揭示了当时社会对稀有金属的依赖程度，以及这种依赖如何驱动了远距离的航行和政治联盟的形成。书中配有的全彩复原图和地理信息系统（GIS）生成的贸易流向图，极大地增强了论证的说服力。你仿佛能闻到那些船舱里散发出的香料、橄榄油和金属的气味，感受到船只在风浪中颠簸的节奏。它远超一般历史读物的范畴，更像是一次跨越四千年的实地考察，让我对古代世界连接性的认识达到了一个全新的高度，那种将碎片化的证据整合成宏大叙事的功力，实在令人钦佩。
评分这本书简直是摄影技术发展史上的一部里程碑式的巨著，它完全颠覆了我之前对早期肖像摄影的刻板印象。作者的叙事节奏非常引人入胜，从达盖尔的早期实验到亚当斯在自然光下的精妙捕捉，每一步都充满了技术革新带来的震撼。我特别欣赏作者在描述技术细节时，所采用的那种既专业又易懂的笔法，像是有人在耳边为你耐心地讲解光圈、快门与感光材料之间的微妙平衡。书中对不同历史时期对“真实性”的定义变迁的探讨尤为精彩，比如，在维多利亚时代，人们对肖像的“理想化”需求与后来的纪实主义倾向之间的拉锯战，被描绘得淋漓尽致。那些穿插其中的老照片的摹印质量也令人赞叹，即便是黑白照片，其层次感和细节表现力也仿佛能穿透纸张，直接与被摄者进行目光的交流。读完之后，我拿起自己的相机，看待光线和阴影的角度都变得更加审慎和富有敬意了。
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