具体描述
Once derided as senseless entertainment, movies have gradually assumed a place among the arts. Raymond Haberski's provocative and insightful book traces the trajectory of this evolution throughout the twentieth century, from nickelodeon amusements to the age of the financial blockbuster. Haberski begins by looking at the barriers to film's acceptance as an art form, including the Chicago Motion Picture Commission hearings of 1918--1920, one of the most revealing confrontations over the use of censorship in the motion picture industry. He then examines how movies overcame the stigma attached to popular entertainment through such watershed events as the creation of the Museum of Modern Art's Film Library in the 1920s. The arguments between Pauline Kael and Andrew Sarris's heralded a golden age of criticism, and Haberski focuses on the roles of Kael, Sarris, James Agee, Roger Ebert, and others, in the creation of "cinephilia." Described by Susan Sontag as "born of the conviction that cinema was an art unlike any other," this love of cinema centered on coffee houses, universities, art theaters, film festivals, and, of course, foreign films. The lively debates over the place of movies in American culture began to wane in the 1970s. Haberski places the blame on the loss of cultural authority and on the increasing irrelevance of the meaning of art. He concludes with a persuasive call for the re-emergence of a middle ground between art and entertainment, "something more complex, ambiguous, and vexing -- something worth thought."
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读后感
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用户评价
这本书的阅读体验，就像是与一位知识渊博、品味卓绝的影评人进行了一场马拉松式的深夜长谈。我特别喜欢它那种近乎偏执的细节关注。比如，书中有一章专门讨论了电影中“门”的意象，从象征主义到空间调度，分析了数十部作品中“门”所代表的阻隔、过渡和选择。这种将一个看似微不足道的元素挖掘出无限深度的能力，实在令人叹服。作者的语言是富有节奏感的，长句的堆砌营造出一种史诗般的厚重感，而短句的爆发则如同闪光灯下的瞬间定格，精准有力。我发现自己频繁地停下来，不是因为看不懂，而是因为那些观点太精妙，需要时间消化和回味。更棒的是，这本书并没有固步自封于某一种流派，作者在讨论好莱坞黄金时代的歌舞片时，那种热情洋溢的赞美，与他在分析某部极简主义的北欧独立电影时所展现出的冷静克制，形成了鲜明的对比，这显示了作者极强的包容性和广博的知识面。它不是在教你如何“喜欢”某部电影，而是在教你如何构建一套属于自己的、有逻辑、有深度的观影体系。读完后，我立即回去重温了几部我自认为已经很了解的电影，结果发现，它们在我眼中彻底变了样，充满了新的层次和秘密。
评分这本书的语言风格，对我来说是一种全新的挑战和享受。它大量运用了富有哲学思辨意味的表达方式，让原本直白的电影描述变得充满了模糊的美感和多义性。我记得书中探讨到某部经典惊悚片时，作者没有过多描述情节的紧张，而是用了大段文字来描绘“不安感”是如何通过音效的低频震动和画面的边缘虚化渗透到观众潜意识中的。这种将感官体验转化为文字的尝试，极具开创性。阅读这本书，需要投入时间和专注力，因为它不像快餐文化那样追求即时满足，它要求你慢下来，去品味那些被快节奏剪辑所掩盖的细节。我发现，作者在处理不同国家和地区电影的对比时，展现了惊人的文化敏感度，他能够精准把握住不同文化背景下，电影叙事母题的微妙差异。这本书的排版和用词都显得非常考究，给人一种庄重而又私密的阅读体验，仿佛自己正在阅读一份只有少数人才有资格接触到的电影手稿。它不是一本用来炫耀知识的书，而是一本用来沉淀思考的书，读完之后，我对电影的理解不再是碎片化的记忆，而是一个更加统一、更加深刻的知识体系。
评分如果说市面上的影评书大多是导游手册，那么这本书就是一张精密的藏宝图。它不直接告诉你宝藏在哪里，而是教你如何解读地图上的符号和标记。我尤其欣赏作者对“幕后故事”的处理方式，他不是简单地复述花絮，而是将技术人员的决策融入到艺术阐释之中。例如，书中有一段对某部科幻巨制中灯光设计的分析，作者指出，正是因为摄影指导坚持使用冷色调和极低的照明对比度，才成功地营造出那种“未来世界的疏离感”，这种分析远超出了单纯的剧情讨论，直指艺术创作的核心驱动力。作者的写作风格带着一种毫不掩饰的激情，偶尔会使用一些略显夸张的比喻，但这种热情是真诚的，能够感染读者。我感觉作者对电影的热爱是那种深入骨髓的，他不是在评论产品，而是在致敬一种艺术形式。这本书的篇幅相当可观，但阅读起来却毫无疲惫感，这得益于其结构上的动态平衡——理论分析与案例拆解穿插进行，始终保持着读者的好奇心。对于那些渴望深入电影工业肌理，想知道“为什么”而不是“是什么”的读者来说，这本书绝对是近期最令人兴奋的阅读材料之一，它为你打开了一扇通往电影制作灵魂深处的大门。
评分这本书简直是电影迷的福音！我刚读完，感觉就像是置身于一个光影交织的万花筒之中。作者以一种极其细腻的笔触，描绘了那些我们耳熟能详的经典瞬间，但又用一种全新的视角去解构它们背后的情感脉络和叙事技巧。最让我震撼的是对某部特定年代黑色电影的分析部分，那种对光影的偏执和对人物内心阴暗面的捕捉，读起来简直让人屏息。他不是简单地复述剧情，而是深入到剧本的骨架和导演的镜头语言中去挖掘其精髓。比如，他分析某位著名导演如何通过一个长镜头来暗示人物的孤独，那种观察入微的程度，让我对这部电影的理解提升到了一个新的层次。而且，作者的文笔非常具有画面感，读着读着，我仿佛能闻到老式放映机散发出的热气，听到胶片转动的嘶嘶声。这本书的结构安排也非常巧妙，时而像是一篇深邃的学术论文，引用了大量的电影理论和哲学思想，时而又回归到一种非常个人化、近乎絮语的口吻，分享自己第一次观看某部影片时的那种纯粹的震撼。它不仅仅是一本关于电影评论的书，更像是一次对视觉艺术的深度朝圣之旅。对于任何一个想从“看电影”升级到“理解电影”的人来说，这本书都是不可或缺的指南，它重新点燃了我对光影艺术的热爱与敬畏。
评分说实话，我原本以为这又是一本泛泛而谈的“电影赏析”读物，但这本书的深度和广度完全超出了我的预期。它的价值不在于它罗列了多少电影，而在于它提出了一种看待电影的独特“滤镜”。我特别欣赏作者在探讨某部冷门外国艺术片时所展现出的那种近乎痴迷的钻研精神。他不仅仅关注故事情节，而是将焦点投射到了场景设计、服装美学乃至于配乐的每一个音符上，试图还原出创作者在创作时的每一个决策点。读到他分析某部电影中关于“时间流逝”的主题时，我简直要拍案叫绝。他引用的那些跨学科的知识，从建筑学到心理学，都为他的论点提供了坚实的后盾，使得他的观点极具说服力。这本书的行文风格非常跳跃，有一种后现代主义的拼贴感，一会儿是严肃的理论探讨，一会儿又穿插着作者自己年轻时在录像厅里偷偷录像的糗事，这种反差极大地拉近了与读者的距离。它成功地打破了传统影评的刻板印象，让高深的电影理论变得可触摸、可感知。如果你厌倦了那些只会说“这部电影很感人”、“那个演员演得真好”的肤浅评论，那么这本书绝对能给你带来一次彻底的精神洗礼，让你重新审视自己心目中的“大片”和“经典”到底意味着什么。
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