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出版者:

作者:Grant, Bob

出品人:

页数:34

译者:

出版时间:1996-11

价格:$ 6.77

装帧:

isbn号码:9780825615740

丛书系列:

图书标签:

• Mandolin
• Beginner
• Music
• Instruction
• String Instrument
• Folk Music
• Bluegrass
• Appalachian Music
• Music Education
• DIY
• Hobbies

好的，这是一份为一本名为《Beginning Mandolin》的书籍撰写的、不包含该书任何内容的、详细的图书简介： 弦音的召唤：从零开始的古典吉他精进之旅 探寻指尖下的巴洛克与浪漫主义的对话 作者： [此处留空，或填写虚构作者名，例如：亚历山大·冯·施特劳斯] 页数： 480页（含乐谱范例与历史注释） 装帧： 精装，附赠高保真音频文件链接 定价： [此处留空，或填写虚构定价] --- 导言：超越简单的和弦转换 本书并非旨在教授如何快速弹奏乡村音乐中的快速琶音，或如何掌握蓝草音乐中那些令人眼花缭乱的独奏技巧。相反，我们踏入一个更为深邃、更具结构性的音乐领域——古典吉他的黄金时代。 《弦音的召唤：从零开始的古典吉他精进之旅》是一部为严肃的音乐学习者、渴望深入理解吉他历史及其在欧洲古典音乐体系中地位的爱好者量身打造的指南。它将引导读者穿越时间的迷雾，从文艺复兴晚期的六角琴（Lute）的遗韵，直抵浪漫主义时期费尔南多·索尔（Fernando Sor）和马廖雷（Mauro Giuliani）的辉煌篇章。 本书的核心哲学在于：理解音乐的语言远比机械地模仿指法更为重要。 我们致力于构建一个坚实的理论基础，确保每一位初学者在拿起吉他时，不仅能发出声音，更能理解其背后的和声逻辑和作曲家的意图。 --- 第一部分：乐器哲学的奠基——形制、材质与声学 本部分将彻底解构古典吉他这一乐器本身，使其不再是冰冷的木制工具，而是声音的容器。 1.1 古典吉他的血脉溯源：从文艺复兴到安东尼奥·德·托雷斯 我们不会讨论如何挑选一把适合演奏流行歌曲的吉他。相反，我们将聚焦于十九世纪中叶，安东尼奥·德·托雷斯（Antonio de Torres Jurado）如何定义了现代古典吉他的标准音梁结构、指板宽度和音箱深度。深入分析不同木材（如洪都拉斯桃花心木、西卡云杉）对中高频泛音和低音响应的独特影响。 1.2 调音的艺术与科学：精确到“A”的微调 超越标准十二平均律，探索历史上不同的音高标准（如巴洛克时期偏高的A=440Hz或更低的标准）。学习如何使用音叉和电子调音器以外的方法，例如“耳听”的方式来校准六个音弦，确保吉他声音的内在统一性。 1.3 手型与姿态的古典规范 本章详细解析了支撑吉他的标准坐姿，强调左手拇指的定位对指板跨度和音准的决定性影响。我们将探讨不同历史时期对持琴姿势的细微差别，例如避免过度僵硬的“支撑”手型，追求更自然、更具延展性的指位。 --- 第二部分：指板的地图学——音阶、和弦与指法体系 此部分是技术训练的基石，但其侧重点在于逻辑性而非速度。 2.1 线性思维与横向拓展：超越五把位的束缚 我们摒弃了将指板视为孤立“把位”的传统教学法。本章将引入“音阶几何学”，展示如何在整个指板上感知C大调、a小调以及各调式的音符关系，实现从低把位到高把位的流畅转换，无需依赖视觉定位。 2.2 三和弦与七和弦的“味道”：功能和声的入门 深入理解主、属、下属和弦在西方音乐功能中的角色。我们不只是学习按法，而是探讨为什么在特定乐句中，使用降七和弦（Dominant Seventh）而非普通三和弦能带来更强的“解决感”。这部分将配有大量巴赫和莫扎特早期作品中的和声示例。 2.3 右手的“拨弦”技术：从拨片到指甲的过渡 古典吉他演奏的核心在于右手。本章详尽分析了古典演奏家使用的四种基本右手指法（p, i, m, a），以及如何控制指甲的形状和长度以达到理想的音色（Tone）。重点练习“Tirando”（扫弦）与“Apoyando”（靠弦）在不同力道下的动态对比。 --- 第三部分：早期大师的遗产——复调与对位法的呼吸 这一部分是本书区别于其他入门教材的关键，它直接切入古典音乐的精髓：对位法。 3.1 鲁特琴作品的吉他转写：理解复调的独立声部 学习如何将原本为鲁特琴（Lute）或维奥尔琴（Viol）谱写的作品，以吉他的方式进行改编。重点在于如何让旋律声部（Cantus Firmus）清晰地脱颖而出，而不被伴奏声部（Basso Continuo）所掩盖。 3.2 约翰·道兰德（John Dowland）的忧郁之声：节奏的细微弹性 分析道兰德作品中对节奏的微妙处理——即“Tempo Rubato”的早期形式。学习如何在不破坏整体节拍的情况下，赋予旋律线呼吸感和人性化的表达。 3.3 早期奏鸣曲结构导论：理解乐章的逻辑关系 初步介绍什么是奏鸣曲式（Sonata Form）的基本结构（呈示部、发展部、再现部），尽管早期作品多为组曲或变奏曲，但理解清晰的结构有助于演奏者把握乐曲的情感走向。 --- 第四部分：吉他进入音乐厅——索尔、卡尔卡西与浪漫主义的基调 本部分聚焦于十九世纪，吉他如何成功“晋升”为能够与钢琴和室内乐团对话的独奏乐器。 4.1 费尔南多·索尔：和声的哲学家 深入剖析索尔的练习曲（Op. 35, Op. 60）并非简单的技巧练习，而是系统化的和声进行教程。我们将着重分析其练习曲中隐藏的模态转换（Modal Interchange）技巧，以及如何在演奏中体现其作品中的“古典节制之美”。 4.2 马廖雷的炫技与旋律的平衡 卡洛·卡尔卡西（Matteo Carcassi）的作品强调手指的独立性和清晰度。本章将侧重于如何在大篇幅的琶音段落中，保持旋律线的连贯性，避免琶音沦为单纯的“音符堆砌”。 4.3 乐谱的解读：指法标记与演奏指示的“考古学” 许多古典吉他乐谱的指法标记（如数字1、2、3、4）与现代习惯存在差异。本章教授如何“翻译”十九世纪的指法标记，理解作曲家和早期演奏家对“延音”和“连奏”的真实意图。 --- 结语：走向一个没有终点的探索 本书的目标不是让你在三十天内成为独奏家，而是为你打下坚实的艺术根基，让你有能力去解读任何严肃的古典吉他文献。当你掌握了这些基础，你会发现，你手中这把木质乐器，承载着几个世纪以来欧洲音乐智慧的结晶。 本书适合人群： 有基础乐理知识，希望将吉他转向古典音乐领域的学习者。 对巴洛克、古典及浪漫主义时期器乐作品有浓厚兴趣的吉他爱好者。 希望系统性梳理右手指法与左手指位逻辑的进阶演奏者。 音乐史或乐器学专业的学生。 （本书附带资源：包含所有练习曲与范例的专业演奏音频文件，以及历代吉他制作大师的年表。）

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这本《Beginning Mandolin》的封面设计得非常抓人眼球，那种复古的木纹背景配上简洁的字体，一下子就让人联想到那种温暖、淳朴的蓝草音乐氛围。我抱着极大的期望翻开了它，心想终于能找到一本真正能带我入门的好教材了。然而，当我开始浏览目录和前几页的内容时，那种期待感就开始慢慢地消退了。我本来期望看到的是关于如何正确持琴、调音，以及最基础的C大调音阶和几个简单和弦的详尽图解，最好还能配上音频链接，让我能对照着练习。结果，这本书似乎直接跳过了这些“无聊”但至关重要的基础步骤，更像是直接进入了某种中级曲目的编排。我对指板的定位和右手拨弦的力度控制等细节几乎找不到详细的指导，这对于一个零基础的初学者来说，简直是灾难性的。我感觉自己像是被推到了一个深水区，手里拿着一堆看起来很酷的乐谱，却连最基本的“漂浮”技巧都没学会。那种感觉，就像是有人给了你一辆跑车，但没有教你如何启动点火。对于想从头开始学习曼陀林的朋友们，我建议你们在购买前，务必仔细研究一下目录和样章，确保它真的涵盖了你需要的入门知识。我的体验是，这本书的“入门”定义，可能和大众理解的“从零开始”有着巨大的偏差。

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这本书的排版风格简直让人摸不着头脑，充满了设计师强烈的个人风格，但牺牲了学习的便捷性。内页大量使用了深棕色和米黄色的调色板，虽然营造出一种怀旧感，但在光线不好的时候，黑色的五线谱和TAB谱经常和背景融为一体，看得我老花眼都要犯了。更让人抓狂的是，许多关键的指法图示，比如像和弦按法，竟然是那种非常抽象的俯视视角，而且没有清晰地标注出手指编号，我得反复对照着书脊上的小图例才能勉强分辨哪个手指应该按哪个品格。坦白说，学习乐器需要的是清晰、直观、重复性高的视觉辅助，而不是艺术品鉴赏。我花了比预定时间多出两倍的时间来解读这些图示，这极大地打击了我的学习积极性。我希望一本教学用书能像一个耐心的老师，把信息准确无误地传递给我，而不是让我去“猜测”作者的意图。如果作者的目标是出版一本“曼陀林主题的艺术画册”，那他可能成功了，但作为一个急于学会弹奏的学员，我得到的体验是极度受挫的。

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关于音频配套资源的缺失，是我对这本书最感到失望的一点。在这个数字时代，一本声称教授乐器的书籍，如果不能提供至少是基础练习的示范音轨，简直就像卖了一台没有电的烤面包机。我需要知道正确的节奏感是什么样的，右手拨弦的声音是圆润还是尖锐，以及特定的连奏（slurs）听起来应该是什么感觉。这本书的目录中虽然提到了有配套的“资源”，但实际操作起来非常麻烦，要么需要扫一个我已经很久没用的老旧二维码，要么就是指向一个我无法访问的外部网站，而且网站界面混乱，根本找不到与具体页码对应的音轨。当我只能依靠自己想象中的“对”的声音来练习时，我无法纠正自己潜在的错误习惯。乐器学习中，听觉反馈是至关重要的矫正机制，缺失了这一点，这本书的教学价值至少打了五折。我宁愿少看几页花哨的背景介绍，多听几段清晰的C大调音阶示范。

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我购买这本书时，最大的期望之一是能学到一些经典的、易于上口的民谣或蓝草乐曲片段，这样我才能在学会几个和弦后，立刻找到成就感，从而坚持下去。理论知识固然重要，但没有“听得见的产出”，学习很快就会变成枯燥的机械重复。这本书中收录的曲目选择，让我感到非常困惑。它们似乎更偏向于某种特定的、非常小众的民间音乐风格，节奏复杂，而且很多地方都使用了快速的交替拨弦技巧（alternate picking）和复杂的装饰音。对于一个初学者来说，这些曲目听起来更像是“炫技”的展示，而不是用来学习基本功的素材。我尝试弹奏其中一个“入门级”的练习曲，结果发现它要求的右手速度和左手配合的精准度，远远超出了我目前的能力范围。我更希望看到的是清晰的“C-G-Am-F”循环，或者一首只有两三个和弦的简单小调歌曲的简化版。这本书似乎完全跳过了“构建基础乐感和肌肉记忆”的阶段，直接进入了“高速公路赛道”。我感觉自己被要求在还不会走路的时候就学会跑百米冲刺。

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这本书的作者在引言部分显得非常自信，用了很多篇幅来阐述他自己独特的“曼陀林哲学”和对这门乐器的深刻见解。我能理解作者希望注入个人特色，但问题在于，这种“哲学”的灌输似乎占据了太多原本可以用来讲解实用技巧的空间。例如，关于如何选择拨片（pick）的材料和厚度，这对于初学者影响巨大，却是寥寥几句带过；而关于如何感知“时间与空间的内在韵律”这类略显玄虚的讨论，却占了整整三页篇幅。学习一门乐器，初期最需要的是工具性的指导和结构化的练习路径，而不是形而上的思考。我需要的是“你现在应该用拨片的哪个部分击弦”，而不是“感受拨片与琴弦的共鸣，从而与宇宙的频率对齐”。这种过于注重理论和个人感悟的写作倾向，使得这本书的实用性大大降低。它更像是一位资深演奏家写给同行看的“随笔集”，而不是一本为新手量身打造的“操作手册”。我最终合上书页时，并没有感到自己离掌握曼陀林更近了一步，反而被一股浓浓的“我好像错过了什么重要步骤”的焦虑感所笼罩。

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