Broadway Musicals Show by Show, 1972-1988 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Green, Stanley

出品人:

页数:160

译者:

出版时间:1991-12

价格:$ 20.28

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isbn号码:9780793507825

丛书系列:

图书标签:

• Broadway
• Musicals
• History
• Theater
• Performing Arts
• 1970s
• 1980s
• American Culture
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舞台上的时代回响：1949年至1971年百老汇音乐剧编年史 作者： [此处留空，或填写其他虚构/真实作者名] 出版信息： [虚构出版年份] 年，[虚构出版社名称] 出版 --- 内容简介： 《舞台上的时代回响：1949年至1971年百老汇音乐剧编年史》是一部深入剖析美国音乐剧黄金时代核心阶段的权威性著作。本书不仅是对这一时期舞台艺术的简单罗列，更是一次对美国文化、社会变迁与艺术创新的宏大叙事。本书详尽记录并分析了从战后初期（1949年）直至越南战争进入尾声的二十余年间，百老汇舞台上最重要、最具影响力的作品。 第一部分：战后繁荣与“黄金时代”的奠基（1949–1959） 本卷聚焦于百老汇历史上最受推崇的十年。在二战结束的乐观氛围下，音乐剧迎来了前所未有的创作高峰。本书细致考察了奥斯卡·汉默斯坦二世（Oscar Hammerstein II）与理查德·罗杰斯（Richard Rodgers）这对黄金搭档的成熟期作品，剖析了《南太平洋》（South Pacific）如何巧妙地处理种族议题，以及《国王与我》（The King and I）在异域风情叙事上的成功与争议。 重点章节深入探讨了弗兰克·洛瑟（Frank Loesser）的《红男绿女》（Guys and Dolls）对美国民间智慧和城市生活幽默的捕捉，以及莱昂纳德·伯恩斯坦（Leonard Bernstein）的《西区故事》（West Side Story）如何将古典音乐的复杂性与现代都市的残酷现实完美融合，彻底拓宽了音乐剧的主题深度与音乐表现力。 本书特别辟出一章，专门分析了舞美设计和编舞的革命性进展。吉尔伯特·伯顿（Gower Champion）和杰罗姆·罗宾斯（Jerome Robbins）如何利用舞蹈叙事，而非仅仅作为点缀，重新定义了音乐剧的戏剧结构。我们细致梳理了《窈窕淑女》（My Fair Lady）的剧本结构和亚历山大·科尔本（Alexander Kolben）在舞台灯光上为营造维多利亚时代伦敦氛围所做的创新性工作。 第二部分：风格的多元化与主题的深化（1960–1967） 进入六十年代，百老汇开始回应社会思潮的涌动。这一阶段的作品在保持商业吸引力的同时，开始触及更具挑战性的议题。本书详细考察了鲍勃·福斯（Bob Fosse）对舞台动作的解构与重塑，特别是他在《甜美的查丽蒂》（Sweet Charity）中对女性角色复杂心理的刻画。 本部分对史蒂芬·桑德海姆（Stephen Sondheim）的早期作品进行了细致的文献回顾。桑德海姆如何通过《伙伴们》（Company，尽管其首演略晚于此阶段，但其创作理念贯穿于六十年代中后期）探索现代人际关系的疏离感，以及他如何将“歌中歌”（Song-within-the-Show）的概念提升到新的高度，成为叙事的重要工具。 此外，本书也记录了“寓言式”音乐剧的兴起，例如探讨宗教与权力关系的《万世巨星》（Jesus Christ Superstar，此书收录的是其早期巡演和录音室版本的影响，而非后来的百老汇正式版本）。我们分析了这些作品如何在传统音乐剧的框架内，引入摇滚乐和前卫音乐元素，为未来几十年的音乐剧风格变革埋下了伏笔。 第三部分：政治动荡与艺术的挣扎（1968–1971） 随着民权运动的高涨和越南战争的持续，百老汇进入了一个充满实验性和不确定性的时期。本书追踪了那些试图直接反映时代焦虑的作品。例如，探讨黑人身份认同和历史的《哈莱姆闹剧》（Purlie）的成功与局限性。 对《油脂》（Grease）的分析，不再仅仅关注其复古的洛卡比里风格，而是深入探讨它如何在新一代观众中唤起了对五十年代的怀旧情绪，以及在当时的社会背景下，它对青少年性觉醒的描绘所带来的冲击。 本书的最后一部分聚焦于对“超级剧作”（Mega-Musical）模式的早期探索。虽然大规模制作的巅峰出现在八十年代，但1970年代初期的《大力水手波派》（Popeye，指当时尝试制作的，未成功的大型项目）的制作困境，以及其他尝试将宏大叙事搬上舞台的努力，为后来的巨制提供了宝贵的教训。我们详尽对比了传统歌舞剧（Book Musical）在面对不断变化的观众品味和日益高昂的制作成本时所展现出的韧性与脆弱性。 研究方法与特色： 本书的撰写基于对百老汇档案的深度挖掘，包括首演剧本（Prompt Books）、原始评论（包括《纽约时报》、Variety等）、作曲家和作词家的私人信件与访谈记录。每一部重要作品都附有完整的卡司名单、演出场次统计，以及对关键场景的舞台调度分析。作者的独特视角在于，将音乐剧视为理解美国社会心理学的一面镜子，揭示了在歌舞升平的表面下，美国如何在希望、失望和文化冲突中前行。本书是音乐史学家、戏剧研究者以及所有热爱黄金时代舞台艺术的读者的必备参考书。

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对于我们这些热爱舞台艺术，却无法亲临那个年代剧院的人来说，这本书无疑是一座活着的博物馆。作者没有仅仅满足于记录已经定型的剧目，它花费了大量的篇幅去追溯那些只上演了几十场就撤场的“匆匆过客”。更难能可贵的是，书中对于那些幕后功勋人物的描绘也极其到位，不仅仅是聚光灯下的主演和编剧，更是那些默默无闻却至关重要的舞台经理、服装设计师、乐团指挥的贡献被一一梳理出来。我特别关注了关于那个时期“票务策略”的分析，书中揭示了在八十年代初，如何通过更精准的营销手段来激活中年观众群体的消费潜力，以及对旅游市场的依赖性如何加深，这对于理解百老汇如何从一种艺术形式转变为一个成熟的商业体系至关重要。这本书的论述逻辑严密，论据详实，对于任何想深入了解百老汇黄金时代（在我看来，1972-1988就是一个关键的黄金时代收官期）是如何在商业压力下保持其艺术纯粹性的读者，都是一份无可替代的、充满洞察力的研究报告。

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阅读体验上，这本书的设计和排版也极具匠心，虽然内容是严谨的史料梳理，但阅读起来却丝毫不觉沉闷，这要归功于作者在叙事节奏上的高超把控。它最迷人的地方在于，它不是按照时间顺序机械地推进，而是围绕着几个核心的“百老汇主题”进行章节划分——比如“从政治讽刺到个人情感的转移”、“技术革新如何重塑舞台布景”等等。这种结构安排，使得读者可以根据自己的兴趣点深入阅读，而不是被动地接收信息。例如，在讨论关于“舞美设计”的那一章里，作者通过对比不同剧目对同一类型布景（比如城市景观）的不同处理方式，清晰地勾勒出舞台技术在十几年间的迭代进化，从机械装置到计算机辅助设计的萌芽，那种对舞台“看得见的技术进步”的捕捉，非常直观。它甚至提到了某些灯光设计师在特定技术出现时，是如何兴奋地跑去找编剧讨论“我们可以用这个光束来表达角色内心挣扎了”这样的细节。这些鲜活的幕后片段，让厚厚的历史书读起来充满了戏剧张力。

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这本《百老汇音乐剧逐一呈现，1972-1988》简直是为我这种骨灰级音乐剧迷量身定做的珍宝。当我翻开它时，仿佛被瞬间拉回了那个黄金年代的剧院里。作者的笔触细腻而富有激情，不仅仅是罗列剧目信息，更是对每一部作品的灵魂进行了深入剖析。比如，对于《歌子丽》（*Follies*）那种错综复杂的时间线和深刻的怀旧主题，书中不仅仅提到了导演和编剧，更深入探讨了它在当时文化语境下的复杂接受度，分析了斯蒂芬·桑德海姆如何用那标志性的、令人不安的和声来烘托角色内心的挣扎与幻灭，那种对音乐结构和戏剧张力的独到见解，远超一般年鉴式的记录。再比如，对于像《西区故事》这样经典作品的复排版本，作者会细致对比不同导演和主演如何重新诠释角色的情感深度与政治隐喻，那种对舞台呈现细节的关注，比如灯光设计如何暗示时代变迁，服装色彩如何烘托人物命运，都让我受益匪浅。阅读过程中，我常常需要停下来，去翻阅那些被提及的剧照和幕后照片的描述，想象着当时的舞台盛况。这本书的价值在于，它不仅仅是记录历史，更是对“如何创作一部成功的百老汇作品”进行了深度教学，对于任何想了解百老汇艺术内核的人来说，这都是一份不可多得的指南，它让我对那个时期作品的复杂性和艺术高度有了更清晰的认识。

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这本书简直就像一本私人订制的“百老汇考古报告”，那些晦涩难懂的年代，在作者的整理下变得清晰可见。我主要关注的是那些被称为“失败者”的作品，因为那些光芒万丈的常青树总是有太多资料可查，但那些叫好不叫座、或者很快就落幕的剧目，往往是揭示一个时代审美风向标的关键。这本书对“过早夭折”的实验性作品给予了应有的关注和深度的挖掘，它没有因为票房不佳就轻描淡写，反而用大量的篇幅去分析其概念的超前性、技术上的突破性，以及它对后续作品可能产生的“蝴蝶效应”。比如，作者对七十年代末期某些尝试融合摇滚乐和歌剧元素的尝试，分析得入木三分，指出它们在舞台技术还未成熟的背景下，如何面临声音混响和演员负荷的巨大挑战。这种“非主流”视角的切入，让整本书的厚度瞬间提升了一个档次。我特别喜欢它在描述制作细节时使用的那种略带戏谑却又充满敬意的笔调，仿佛作者本人就是那个在剧院里跑前跑后，见证了所有欢笑与泪水的资深剧评人，而不是一个旁观者。

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说实话，我一开始是抱着“查漏补缺”的心态买下这本关于1972到1988年间百老汇历史的书的，没想到它带来的震撼是如此巨大。作者对那个时代百老汇市场环境和文化潮流的捕捉，简直是神来之笔。要知道，那是从经典歌舞片式大制作向更具社会意识和实验性音乐剧过渡的关键时期，很多作品的成败都系于毫厘之间。这本书没有放过任何一个关键的转折点。我尤其欣赏它对“商业风险”与“艺术创新”之间博弈的描述。书中详尽记载了某些曾经票房惨淡但后世被奉为经典的“烧脑”剧目，分析了制片人如何艰难地平衡艺术家的愿景和普通观众的接受度。它不仅仅是写“哪个剧演了多久”，而是追溯了“为什么这个剧能演下去”或“为什么这个剧昙花一现”。对那些标志性歌曲的创作背景描述，比如讲述了某段著名唱段是如何在试演过程中不断打磨、甚至更换歌词才最终定稿的细节，读起来就像是参与了一场幕后高层会议。这种叙事方式，让整个百老汇的历史不再是干巴巴的时间轴，而是一部充满戏剧冲突和人物命运的史诗。对于研究美国戏剧产业发展的人来说，这本书提供了极其宝贵的、微观层面的案例支持。

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