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出版者:

作者:Thomson, Peter

出品人:

页数:212

译者:

出版时间:1992-5

价格:$ 42.88

装帧:

isbn号码:9780415051484

丛书系列:

图书标签:

• 莎士比亚
• 戏剧
• 伊丽莎白时代
• 文艺复兴
• 文学史
• 剧院史
• 文化研究
• 英国文学
• 经典文学
• 表演艺术

《伊丽莎白时代的剧场：舞台、演员与观众》 内容简介 本书深入剖析了十六世纪末至十七世纪初，英格兰，特别是伦敦地区，戏剧艺术蓬勃发展的社会、文化与物质基础。它并非简单地罗列剧作家及其作品，而是致力于重建那个时代剧场的完整生态系统，探究戏剧如何作为一种重要的社会实践和文化现象，深刻地影响并反映了伊丽莎白与詹姆斯一世时期的社会结构、政治权力及公众情感。 第一部：空间的构建——剧场的物理形态与社会意义 本部分详尽考察了环形剧场（如环球剧场、玫瑰剧场）的建筑结构、设计原理及其功能性。我们将分析剧场如何利用其独特的圆形或多边形布局，结合开放式的中央“庭院”和高耸的“天幕”，创造出一种既能容纳庞大观众群体，又能在视觉和声效上实现高度互动的空间。 建筑材料与工程学： 探讨当时建筑师和木匠如何使用本土的木材、灰泥和茅草等材料，在短时间内搭建起这些复杂的、半永久性的表演场馆。分析剧场的不同层次——站立的“平民坑”（The Pit）、有顶棚的“画廊”（The Galleries）以及皇帝包厢（The Lords’ Rooms）——是如何物理地划分社会阶层，并使阶级界限在观剧体验中得到再现与强化。 舞台的机制： 深入研究舞台（The Stage）本身的设计，包括“内景”（The Tiring-House）、“上层阳台”（The Heavens/Musicians’ Gallery）以及可升降的机关（Traps）。这些机械装置不仅服务于戏剧叙事，如幽灵的出现、神祇的降临，也体现了文艺复兴时期技术与艺术的结合。 剧场与城市： 考察剧场在伦敦城市规划中的特殊地位。剧场通常建于泰晤士河南岸，位于市政厅管辖范围之外的“局外地带”，这种地理上的隔离反映了官方对戏剧活动复杂且矛盾的态度——既需要其提供的娱乐和潜在的税收，又惧怕其可能引发的民众骚乱和道德败坏。 第二部：表演的艺术——演员的身份、训练与商业运作 本部分聚焦于戏剧表演者本身，分析他们如何在社会等级森严的体制下生存和发展其技艺。 行会与剧团的组织： 详细阐述了诸如“宫内大臣剧团”（Lord Chamberlain's Men）和“宫内大臣首席剧团”（King's Men）等主要剧团的商业结构。这些剧团是股份制的商业企业，拥有剧本版权、服装、道具储备以及剧场租赁权。分析剧团内部的权力分配、剧目选择机制以及与赞助贵族的依附关系。 演员的职业生涯与社会地位： 探讨演员（Actor）在当时社会中的尴尬地位——他们既是受人追捧的艺术家，又是被视为“流浪汉”的边缘群体。研究他们的训练方法，包括声音、肢体语言的打磨，以及他们如何通过扮演不同角色（从英雄到小丑）来展现其高超的技艺。 “扮演”的性别问题： 重点分析当时舞台上不存在女性演员的现实。所有女性角色均由年轻的男性扮演（Boy Actors）。分析这种惯例对戏剧文本的创作、表演风格的影响，以及观众对此种性别错位的接受程度和潜在的解读。 第三部：文本与诠释——剧本的生产、传播与即时性 本部分探讨了戏剧文本从作者手中到观众眼中的流转过程，强调了伊丽莎白时代戏剧的即兴性与文本的流动性。 剧本的“作者权”争议： 分析剧本的创作过程并非单一作者的“神启”，而是剧团内部集体修改、适应演员特长和观众口味的结果。探讨不同版本的剧本（如四开本Quarto与权威对开本Folio）之间的差异，它们如何揭示了文本在演出过程中不断被重塑的动态本质。 服装与道具的使用： 强调伊丽莎白剧场在视觉呈现上对想象力的依赖。服装往往是当代服饰与象征性元素的混合，而非严格的历史考据。分析服装如何服务于快速的角色识别和象征意义的传达，以及道具的稀疏性如何迫使观众更加专注于语言的魔力。 观众： 考察来自不同社会阶层的观众如何共同参与到戏剧体验中。平民观众的喧闹、评论和参与性，与贵族观众的微妙反应形成了有趣的互动。分析戏剧如何成为一个临时的“社会熔炉”，在共同的文化体验中暂时模糊了阶级界限，又在剧终时将其重新固化。 结论：戏剧的文化回响 本书最后总结了伊丽莎白剧场对后世戏剧和西方文学的深远影响。它不仅是伟大作家的创作温床，更是一个充满活力、商业驱动、且深刻嵌入城市肌理的文化机构，它以一种独特的方式，记录、挑战并最终巩固了那个时代的社会认知与集体记忆。通过对剧场物质环境、表演实践和观众互动的细致考察，我们得以重现一个鲜活、立体、充满声响的十六世纪伦敦剧场世界。

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翻开这本书，我首先注意到的是其精良的插图和版式设计。它绝非一本枯燥的学术专著，更像是一本精心策划的视觉档案集。那些高分辨率的剧场平面图、戏服设计的手稿复刻件，以及对现存少数早期印刷品版画的细致对比分析，极大地增强了文字的可信度和趣味性。尤其值得称赞的是，作者在讨论剧场的“声音景观”（soundscape）时，配上了大量关于乐器形制和音乐在戏剧中功能转变的图表。我过去一直对那个时代的音乐是如何融入戏剧感到模糊，这本书通过清晰的图示和注释，解释了对位法在悲剧中如何烘托气氛，以及铜管乐器在“神降临”场景中的象征意义。总的来说，这是一本为“视觉思考者”量身定制的读物，它证明了研究历史，不一定非要沉溺于晦涩的脚注，精美的视觉呈现同样能承载深刻的学术洞见。

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说实话，我原本预期这是一本偏重于剧本细读的理论著作，但这本书却让我意外地收获了一堂生动的社会人类学课程。作者将研究视角放在了“观众”这一被长期忽视的群体身上，探讨了不同社会阶层如何解读同一场演出。比如，贵族会关注戏服的材质和血统暗示，而平民则可能更关注情节的冲突性和对日常生活的映射。书中引用的几份关于观众投诉和赞扬的法庭记录令人啼笑皆非，展现了那个时代戏剧娱乐的直接性和粗犷性。我特别喜欢作者对于“散场文化”的描写——人们离开剧场后，关于剧情的讨论如何迅速渗透到酒馆和市集，成为社交货币。这提供了一个强有力的论据：戏剧活动是当时社会信息传播和文化建构的核心媒介，其影响力远远超出了剧院的围墙。这本书的叙事口吻非常亲切，像是一位经验丰富的导游，带着你穿梭于历史的迷雾之中，那种代入感极强。

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坦白说，我对艺术史类书籍的阅读一直持有一种挑剔的态度，总担心会陷入空泛的理论阐述和陈旧的二手资料堆砌。然而，这本书在叙事手法上采取的“碎片化拼图”策略，却极大地抓住了我的注意力。它没有采用传统的时间线索，而是围绕几个核心的“戏剧要素”——如“道具的象征意义”、“声音设计（特别是对自然天气和人为音效的运用）”、“服装的阶级隐喻”——分别展开论述，每部分都像是一篇独立的精彩短文。这种结构安排的好处在于，即便是对某个特定方面略感疲倦，翻到下一章又会立刻被新的视角所吸引。书中关于早期舞台灯光的研究尤为精彩，探讨了自然日光如何迫使剧作家们在不同时间段使用特定的情绪化语言来弥补视觉上的不足，这提供了一种全新的、基于技术局限性来解读戏剧语言的维度。虽然某些章节的论证略显跳跃，但整体阅读体验是流畅而充满启发性的，它迫使我重新审视那些我以为早已了然的经典场景背后的物质基础。

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这本书给我带来的冲击，更多来自于它对“政治性”和“宗教禁忌”的深度剖析。在许多主流的戏剧研究中，对都铎和斯图亚特时期戏剧的政治敏感性往往是一笔带过，聚焦于宫廷赞助。但这本书却大胆地揭示了剧场作为城市舆论场和潜在反叛温床的角色。作者细致考察了审查制度的松紧变化，以及剧团老板们如何巧妙地利用双关语和古典神话的借用来影射时事，规避当局的惩罚。我发现了一组非常令人不安的数据，关于在特定时期，仅仅因为一个角色的服装颜色或一句台词的语境，就有剧团成员被捕入狱甚至面临更严厉的制裁。这让我对那个时代的“言论自由”有了冷峻的认识。它不再是一个抽象的概念，而是与剧团的生存、演员的自由息息相关。这本书的价值在于，它成功地将剧场从一个纯粹的审美空间，还原为一个充满高风险的政治角力场，深刻描绘了艺术家的生存智慧与时代的压抑。

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这部新近出版的关于伊丽莎白时代舞台艺术的巨著，真可谓是令人耳目一新。作者以一种近乎考古学家的严谨态度，深入挖掘了环球剧场（The Globe）乃至更早期的露天剧场在建筑结构、观众构成和社会功能上的复杂性。我尤其欣赏他对“表演空间”的重新定义，不再仅仅局限于物理结构，而是将其延伸至社会阶层、日常习俗乃至光影变化之中。比如，书中对“禁卫军”（The groundlings）在站席区域的互动行为的细致描摹，简直就像是把我们直接扔回了那个喧嚣的、弥漫着啤酒和橘子皮气味的剧场底层。作者并没有沉溺于对莎士比亚本人剧作的文本分析，而是将聚光灯打在了那些被历史边缘化的群体上：舞台工人、服装设计师、甚至是那些专门负责清理剧场垃圾的学徒。这些细节的还原，极大地丰富了我对那个时代戏剧生态的认知，让我意识到，戏剧的成功绝非仅仅依赖于剧作家一人之功，而是一个复杂且充满张力的社会系统共同作用的结果。读完此书，我对“沉浸式体验”这个现代概念有了更深层次的历史溯源理解。

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