Analyses of Nineteenth and Twentieth-Century Music pdf epub mobi txt 電子書 下載2026

簡體網頁||繁體網頁

☆☆☆☆☆

出版者:

作者:Wenk, Arthur (COM)

出品人:

頁數:370

译者:

出版時間:

價格:35

裝幀:

isbn號碼:9780914954361

叢書系列:

圖書標籤:

• 音樂分析
• 19世紀音樂
• 20世紀音樂
• 音樂史
• 音樂理論
• 和聲學
• 音樂形式
• 作麯技法
• 西方音樂
• 音樂研究

音樂的邊界與迴響：跨越時代的聲響探索 引言：聽覺的旅程與曆史的對話 本書旨在深入探討音樂史中那些至關重要、卻常被傳統敘事所忽略的領域。我們並非簡單地梳理既定的作麯傢譜係或流派更迭，而是緻力於構建一個多維度的聽覺地圖，描繪齣聲音如何被塑造、理解、以及挑戰的過程。從18世紀末浪漫主義思潮的興起到20世紀中葉的現代主義激變，音樂不再僅僅是悅耳的鏇律與和諧的結構，它成為瞭一種哲學宣言、一種社會批判的工具，以及對人類感知極限的不斷探問。 本書將重點考察那些在技術、美學和文化層麵引發深刻變革的關鍵時刻和關鍵人物，他們的工作共同構成瞭我們理解當代音樂景觀的基石。我們關注的焦點在於“邊界的消融與重構”——即音樂如何打破自身既定的形式限製，如何與哲學、視覺藝術、甚至新興科技進行交織，最終抵達一種全新的錶達領域。 第一部分：浪漫主義的深度與內在性（1800s – 1850s） 本部分聚焦於“情感的升華”與“個人體驗的史詩化”。浪漫主義早期，音樂的核心在於將聽眾引導至一種近乎宗教體驗的狂熱與沉思之中。 1. 敘事與“未完成感”的張力： 我們將分析李斯特（Franz Liszt）的交響詩如何顛覆瞭傳統奏鳴麯式的結構，用單一的音樂敘事取代瞭多樂章的嚴謹性。重點探討他作品中對“碎片化敘事”的處理，這種處理不僅是技術上的革新，更是對人類記憶與時間感知的反映。我們還將考察舒伯特（Franz Schubert）晚期藝術歌麯中那種微妙的、帶有宿命感的調性處理，分析“不和諧音的慰藉”在錶達個體孤獨感時的獨特效力。 2. 民族主義的萌芽與民間音樂的融入： 探討在德語文化圈之外，如波蘭的肖邦（Frédéric Chopin）和俄羅斯的格林卡（Mikhail Glinka）如何將本土的民間節奏、鏇律特徵（如馬祖卡或恰空舞麯的影子）內化於高度復雜的古典結構之中。這並非簡單的引用，而是一種身份的音樂學構建，挑戰瞭以德奧為中心的音樂“普世性”敘事。我們深入剖析這種“地方性”如何為後來的民族樂派奠定瞭基礎，即音樂如何承載政治與文化的自我確認。 3. 樂隊的擴張與聲音的飽和： 瓦格納（Richard Wagner）是理解浪漫主義晚期樂隊規模與音響密度演變的關鍵人物。本章將詳細剖析其“導機動機”（Leitmotif）係統在和聲層麵如何演變成一種不斷纍積的張力構造，而非簡單的記憶符號。重點在於探究和聲語言的極端擴展——如何通過持續的半音進行和不斷推遲解決的半終止，使得音樂的“當下”被無限期地拉伸，從而達到一種近乎永恒的聽覺狀態。 第二部分：後浪漫主義的危機與瓦解的預兆（1880s – 1910s） 隨著德奧古典傳統的成熟與飽和，作麯傢們開始感受到既有體係的“重量”與“窮盡感”。本部分關注結構鬆動、色彩至上以及對傳統美學規範的反叛。 1. 色彩的勝利與印象派的去中心化： 德彪西（Claude Debussy）和拉威爾（Maurice Ravel）的工作標誌著音樂焦點從“結構邏輯”轉嚮“瞬間的感知”。我們將詳細分析德彪西如何運用全音階、五聲音階以及復雜的九和弦、十一和弦，其目的在於削弱調性中心的引力，使和聲“漂浮”起來。這不是對傳統和聲的簡單拒絕，而是通過“色彩的飽和”來取代“功能的驅動”。我們還將考察他作品中對日本、印尼甘美蘭音樂的非民族主義式吸收，探討文化挪用的微妙邊界。 2. 調性的瓦解與第二維也納樂派的孕育： 勛伯格（Arnold Schoenberg）在創作初期對調性的“過度使用”與“過度錶達”是理解其後續激進變革的起點。本章細緻梳理瞭從《彆有天地》（Verklärte Nacht）到《期望》（Erwartung）期間，和聲語言如何一步步脫離瞭功能基礎，轉而依賴於音響的“情感密度”。我們關注的不是十二音體係的最終建立，而是促使他邁嚮無調性的那段痛苦而必然的掙紮——即浪漫主義的錶達需求如何最終要求結構上的徹底解放。 3. 新興技術與聲音的異化： 探討這一時期新興的錄音技術（如留聲機雛形）對音樂創作心態的影響。聲音不再是現場演奏的瞬時事件，而是可以被固定、編輯的物質。這為斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）在《春之祭》中對節奏的暴力化處理提供瞭潛在的聽覺參照：一種對“不完美”與“機械重復”的審美接納。 第三部分：現代主義的斷裂與聲音的幾何化（1910s – 1950s） 本部分聚焦於“理性化”與“技術規範”對音樂的重塑，音樂傢試圖在舊世界的廢墟上建立全新的、基於數學和邏輯的秩序。 1. 序列主義的結構純粹性： 我們將深入分析韋伯恩（Anton Webern）的作品如何將勛伯格的十二音技法推嚮瞭極緻的“點描主義”（Pointillism）。這不僅是十二音的綫性應用，更是將節奏、力度、音高、音色完全並置和序列化，使得音樂的結構被置於聽眾感知的前沿，取代瞭情感敘事。我們探討這如何成為一種“反浪漫主義”的審美宣言。 2. 節奏的異化與多層次結構的復雜性： 巴爾托剋（Béla Bartók）在民族音樂學田野調查中的成果，如何被轉化為對節奏“非對稱性”的精確計算。本章將考察他在弦樂四重奏中如何使用復雜的復節奏和漸進的節拍變化，創造齣一種既有有機生命力、又具嚴密幾何規劃的聲音體。這與同一時期的西歐序列主義形成瞭有趣的技術對話。 3. 戰後先鋒派的初始嘗試與聲響的拓寬： 簡要介紹二戰後歐洲先鋒派（如達姆施塔特夏季課程）的早期探索，關注那些試圖將“不可演奏性”視為一種挑戰的作麯傢。這包括對傳統記譜法的質疑，以及對噪音與環境聲音的初步關注，預示著音樂在技術維度上即將邁嚮電子化。 結論：曆史的迴聲與未竟的實驗 本書最終指嚮一個核心論點：19世紀末至20世紀中葉的音樂史，是一部關於“限製的解除”與“新的限製的建立”的曆史。從對調性的無限拉伸到對結構本身的徹底解構，作麯傢們通過對聽覺經驗的係統性乾預，迫使聽眾重新審視“美”與“意義”的定義。他們留下的遺産，是關於聲音可能性邊界的無盡問號，而非固定的答案。本書旨在提供理解這些“問號”背後的復雜技術與哲學語境的工具。

評分☆☆☆☆☆

評分☆☆☆☆☆

評分☆☆☆☆☆

評分☆☆☆☆☆

評分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆