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出版者:

作者:Gelling, Peter

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:19.95

装帧:

isbn号码:9781864691221

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铜管乐器演奏基础：长号入门与技巧提升 本书简介 《铜管乐器演奏基础：长号入门与技巧提升》是一本专为初学者和希望系统提升演奏技巧的中级学习者量身打造的全面指南。本书摒弃了市面上许多同类教材中常见的碎片化知识点，力求构建一个完整、连贯且实用的学习体系，帮助每一位对长号抱有热情的学习者，从零开始，稳健地迈向专业演奏的殿堂。 一、 乐器与发声的深度探索 本书伊始，我们并未急于吹奏音阶，而是将重心放在对长号这一复杂乐器的物理原理和人体发声机制的深刻理解上。 1. 长号的构造与维护： 我们将详细剖析长号的每一个部件——从精密的滑管机构到号嘴的几何形状，解析它们如何协同工作以产生声音。内容涵盖了黄铜、镍银等不同材质对音色产生的影响，以及日常的清洁、润滑和紧急故障排除技巧。学习者将了解到如何通过正确的维护，保持乐器的最佳状态，确保滑管的顺畅无阻，这是实现流畅演奏的硬件基础。 2. 核心发声原理——“气流的塑形”： 许多初学者的问题在于将演奏视为单纯的“吹气”。本书则从空气动力学和声学角度，深入讲解了唇部的震动机制——“气流塑形”（Embouchure Formation）。我们将提供一系列科学的练习，指导学习者如何找到最有效率的唇肌张力和气流速度组合，实现稳定、集中且丰满的音头（Attack）。这部分内容特别强调了腹式呼吸的深度训练，确保气流的稳定性和持久性，这是所有长号技巧（如长音、高音域控制）的基石。 二、 基础技法：从单音到音阶的精确控制 在建立了扎实的发声基础后，本书进入核心技巧的系统训练。我们坚信，精确性（Precision） 远比速度和音域更重要。 1. 准确的音准定位（Intonation Mastery）： 长号与多数管乐器不同，其音准主要依赖于演奏者对滑管位置的精细调整。本书通过图示和听觉训练相结合的方式，教授学习者如何“听见”并“找到”每个把位（Slide Position）的完美音高。我们引入了对比听觉练习，帮助学习者校准耳朵，识别和修正“跑调”现象，尤其针对滑管最容易出现偏差的“一、五、六把位”进行强化训练。 2. 节奏的骨架：时值与断奏（Staccato）： 节奏的准确性是音乐表达的骨架。本书提供了针对长号特点的断奏训练方法，强调通过舌尖与牙齿的轻微配合，实现“不僵硬、不拖沓”的清晰断奏。我们详细分解了吐音（Articulation）的三个要素：起始、保持和结束，确保每个音符都有明确的边界。 3. 连奏的艺术（Legato）： 连奏是检验长号控制力的试金石。本书提供了一套渐进式的连奏练习，重点训练“换把连贯性”和“气息的无缝过渡”。学习者将掌握如何在更换把位的同时，保持声音的统一性和连贯性，实现如同歌唱般的流畅旋律线条。 三、 进阶挑战：音域拓展与技巧的精炼 对于已经掌握基础技巧的学习者，本书的后半部分聚焦于拓展演奏的边界和深化音乐表现力。 1. 高低音区的稳定与控制： 拓展音域不是靠“蛮力”吹奏。本书提供了针对高音区（如小号F以上）和低音区（低音C及以下）的专门性练习。高音训练侧重于优化嘴唇的聚焦和气流的加速，而低音训练则强调气息的支撑和口腔的放松，避免声音的“空洞化”。我们特别强调了在整个音域内保持音色的统一性。 2. 颤音、滑音与装饰音（Ornamentation）： 熟练掌握颤音（Trills）和滑音（Glissando）是展现演奏者技术水平的关键。本书详细解析了不同把位颤音的指法与气流配合方式，并提供了系统化的练习来提高滑音的速度和均匀度。此外，对于巴洛克和古典时期音乐中常见的装饰音，我们也提供了如何用长号的特点进行合理演绎的指导。 3. 节奏的复杂性与合奏适应： 音乐不总是四平八稳的。本书引入了附点、切分和三连音等复杂节奏的练习，并着重培养学习者在乐队或合奏中的“听力适应性”——如何在不看指挥的情况下，精确对准其他声部的节奏和音高。 四、 音乐性与演奏实践 技术是工具，音乐性才是目的。本书的最后部分引导学习者思考如何将技术融入音乐表达。 1. 风格化的演绎： 我们精选了不同历史时期和风格的长号曲目片段（如古典时期的奏鸣曲、爵士乐的即兴片段），分析了不同风格对音色、吐音和节奏处理的要求。例如，如何处理柔和的浪漫主义旋律，以及如何构建有力的爵士蓝调乐句。 2. 自我评估与录音分析： 鼓励学习者定期使用录音设备记录自己的练习过程，并对照书中的标准进行自我诊断。本书提供了一套实用的评估清单，帮助学习者客观地识别自己的强项和需要改进的薄弱环节。 通过遵循本书科学、系统的编排，学习者将不仅掌握长号的演奏技巧，更重要的是，培养起严谨的音乐学习态度和独立解决演奏难题的能力。

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我花了整整一个下午，沉浸在随书附带的音频资源中，那配套的伴奏简直是教科书级别的范例。我特别留意了录音的制作水准，鼓组和节奏部分的清晰度无可挑剔，它们提供了一个极为稳定且令人信服的节奏基础，这对建立初学者的律动感至关重要。更让我惊喜的是，示范演奏者的吹奏技巧处理得非常细腻，比如长音的控制，气息的平稳过渡，以及高音区的爆发力，都拿捏得恰到好处，完全没有那种为迎合初级教材而故意简化的痕迹，保留了铜管乐器应有的质感和生命力。我尝试跟着其中一段简单的进行曲进行模仿练习，发现即便是慢速播放下的细节处理，也极其考究，这迫使我必须更加注意自己的口型和舌头的位置。听着那些高质量的伴奏，我感觉自己不再是孤军奋战地对着空气练习，而是在一个真实的合奏环境中进行排练，这种沉浸式的学习体验，极大地提升了我对准确性的要求，也让我对未来能够真正加入乐队充满了期待。

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这本书的结构逻辑简直是神来之笔，它并没有采用那种枯燥的“音阶——音阶——音阶”的堆砌模式，而是巧妙地将技巧的引入与音乐性的培养紧密结合起来。我注意到，作者似乎遵循了一种“螺旋上升”的教学法，每一个新的技术点都会在后续的曲目中以更复杂的形态再次出现，这确保了知识点的巩固，而不是学完就忘。比如，它在教授简单的长音练习后，很快就过渡到了一个带有切分音的短小旋律，这种“张弛有度”的编排，让我的肌肉记忆和听觉理解同步发展。最妙的是，它没有回避早期学习中的一些“难点”，比如如何优雅地跨越乐器上的“换把”位置，作者没有用复杂的乐理术语来解释，而是用了一些非常生活化的比喻来描述气流的调整，比如“想象你是在轻轻地吹灭一支蜡烛，而不是用力地去吹散它”，这种具象化的指导，立竿见影地改善了我的音色。

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在使用体验上，这本书的“便携性”和“耐用性”也体现了设计者的周全考虑。我经常需要带着我的乐器和教材在不同的排练场地之间奔波，这本书的装帧厚实但不笨重，即便是放在乐器包里颠簸，内页也没有出现散页或褶皱的现象。让我感到惊喜的是，书中的某些关键练习区域，作者似乎特意使用了略微粗糙的纸张，这可能是一个很小的细节，但它极大地减少了我在练习过程中，手指在纸面上快速滑动时产生的“粘滞感”，保证了翻页的流畅性。此外，这本书在内容组织上非常“自我完善”，它极少依赖外部工具来完成基础学习。它内置了大量的自测环节和“目标完成清单”，让我可以清晰地追踪自己的进步曲线，而不是像过去那样，学完一堆东西后，却不知道自己到底掌握了什么。这种清晰的自我评估机制，极大地提升了学习的内在驱动力。

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这本书的封面设计简直是音乐的邀请函，色彩鲜明又不失专业感，那种黄铜色的光泽仿佛能穿透纸张，让我立刻联想到音阶的清晰与嘹亮。我拿到手时，首先被它的排版吸引住了。那种字体选择，既保证了在演奏时眼睛能迅速定位到音符，又在视觉上不会给人带来压迫感，非常适合初学者在紧张的学习过程中保持放松的心态。内页的纸张质量也值得称赞，即便是长时间翻阅，也不会轻易留下指纹或者出现反光，这一点对于需要反复对照乐谱的读者来说太重要了。更别提那些精心设计的指法图示了，它们不仅仅是简单的线条勾勒，而是带着细微的阴影和立体感，让我仿佛能感受到活塞的机械运作，这比那些平面的、死板的图解要直观太多了。而且，作者在每组练习开始前加入的小段文字说明，语气非常亲切，像是一位经验丰富的老教师在耳边低语，讲解练习背后的原理，而不是冷冰冰的指令，这极大地增强了学习的代入感和趣味性。整体而言，从感官体验上来说，这本书已经成功了一半，它给人的感觉是专业、友好且充满学习的动力。

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坦白说，我是一个对乐理一窍不通的“纯小白”，我原本担心厚厚的乐谱会让我望而却步，充满各种晦涩的符号。然而，这本书在这方面做到了极致的“去符号化”和“可视化”。每一个新音符的出现，都会伴随着一个非常简洁的对照表，清晰地标明了它在指法图上的对应位置，以及它在键盘上的相对音高，这为我省去了大量来回翻阅乐理附录的麻烦。更让我感动的是，在一些节奏变化复杂的段落，作者特地加入了节拍器的推荐设置，并且用颜色区分了重音和弱音的记号，这种细致入微的排版处理，让原本抽象的节奏感变得具体可操作。我敢肯定，即便是对五线谱感到恐惧的人，也能通过这本书建立起对音符和节奏之间关系的直观认知，它真正做到了让“音乐的语言”变得易于解读，而不是高高在上的学术门槛。

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