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出版者:Rectapublishers

作者:Delvoye, Wim

出品人:

页数:288

译者:

出版时间:2008-8-1

价格:USD 65.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9789080721746

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 雕塑
• 当代艺术
• 文化
• 比利时
• 宗教
• 哥特式
• 建筑
• 装饰艺术
• 社会评论

《Wim Delvoye》是一本探索当代艺术界一位极具争议性与创新精神的艺术家——Wim Delvoye——其创作生涯与艺术思想的深度专著。本书并非对Delvoye作品的简单罗列，而是致力于深入剖析他作品背后蕴含的复杂逻辑、文化批判以及他如何巧妙地游走于艺术、商业与社会观念的边界。 Delvoye以其独特的视角，挑战并重塑着我们对艺术的认知。他的创作常常以一种看似寻常甚至粗俗的媒介，如纹身猪、陶瓷雕塑、手工制作的传送带等，来探讨诸如身份认同、宗教象征、劳动价值、殖民历史以及消费主义等宏大议题。本书将带领读者进入Delvoye那充满挑衅与幽默感的世界，理解他如何通过解构与重构，揭示隐藏在日常事物中的深层含义。 本书的叙事结构严谨而富有层次。在开篇，我们将首先接触到Delvoye早期的一些代表性作品，探讨他如何从一个相对传统的艺术背景出发，逐渐发展出其标志性的“后概念主义”风格。作者将详细分析Delvoye在不同创作阶段所采用的技法、材料以及他从中汲取的灵感来源，勾勒出他艺术发展的主线脉络。 接着，本书将重点聚焦于Delvoye最广为人知也最具争议的作品系列，如“纹身猪”和“Cloaca”系列。对于“纹身猪”，本书将深入探讨其创作的伦理困境、艺术市场对其的追捧以及公众对其的解读。作者将从哲学、社会学以及动物福利等多个角度，对这一备受争议的艺术实践进行审视，力图展现其复杂性与多义性。而“Cloaca”系列，这一能够模拟人类消化过程的复杂机械装置，则被视为Delvoye对生命、身体以及生产与消费循环的终极隐喻。本书将详细解析“Cloaca”的设计理念、技术实现以及它所引发的关于艺术作品“生产”与“消费”的哲学思考。 此外，本书还将探讨Delvoye作品中不可忽视的宗教与文化符号的运用。他经常从古典艺术、宗教仪式以及不同文化的传统元素中汲取灵感，并将这些元素以一种意想不到的方式呈现出来。通过对这些元素的解构与重塑，Delvoye不仅在挑战传统的审美观念，更在审视不同文化之间的碰撞与融合，以及现代社会中意义的消解与重塑。 本书并非仅仅停留在对作品的描述与分析，更重要的是，它试图深入Delvoye的艺术创作哲学。他如何看待艺术家的角色？艺术在当今社会应扮演怎样的功能？他如何理解艺术与市场的关系？作者将通过引用Delvoye本人的访谈、艺术评论家的观点以及相关的学术研究，来构建一个多维度的艺术理论框架，以帮助读者更全面地理解Delvoye的艺术实践。 特别值得一提的是，本书将深入探讨Delvoye作品中存在的二元对立：例如，粗俗与精致、神圣与世俗、传统与现代、原创与复制。他如何在这个充满矛盾的世界里找到创作的张力，并以此来激发观者的思考，是本书探讨的核心内容之一。 本书还将触及Delvoye与全球化、殖民主义遗产以及跨文化交流等当代议题的关联。他的作品常常带有对西方中心主义的质疑，以及对被边缘化文化的回应，这使得他的艺术具有了更加广阔的社会与政治意义。 最后，本书将对Delvoye的艺术遗产进行总结与展望，思考他在当代艺术史上的地位以及他对未来艺术发展可能产生的影响。通过阅读本书，读者将不仅能够欣赏到Wim Delvoye那些令人难忘的作品，更能深入理解一位真正具有原创性和批判精神的艺术家，是如何用其独特的语言，回应并塑造着我们所处的时代。这本书将是一次深入的艺术探索之旅，一次对边界的挑战，一次对观看方式的革新。

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从整体上看，这本书更像是一面被精心打磨过的棱镜，它不提供光源，而是折射出现代社会信息过载的混乱光谱。它所描绘的世界，是饱和的、过度曝光的，充满了符号的幽灵，但又在表象之下隐藏着一种令人心寒的空洞。我发现自己频繁地需要停下来，合上书本，去回味那些看似无意义的段落，试图从中挖掘出那隐藏的、属于作者本人的、或许是极度私人化的焦虑。这种焦虑感，并非来自具体的事件描写，而是源于作者对“意义生成”这一过程的彻底解构。这本书的价值，不在于它提供了任何答案，而在于它成功地将读者置于一个永恒的提问状态中，一个对所有既定答案都充满怀疑的状态。它迫使我们去思考：当我们面对一个如此精心构建、却又如此“空无一物”的文本时，我们自己的意义投射又将如何变形和失焦。这是一次对阅读者心智的极限测试，绝对不适合寻求慰藉的读者。

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这本书的排版和装帧，说实话，与其说是书籍，不如说是一件装置艺术品。纸张的选择带着一种粗粝的工业质感，而那些大量的留白，与其说是留给读者的喘息空间，不如说是在强调内容本身的“稀缺性”和“重量感”。我注意到书中多次使用了高分辨率的图像复制品，但重点并非在于复制的精美程度，而在于复制品本身所承载的文化符号意义的消解与重构。例如，在某几个章节中，作者对于某一类传统媒介的解构，简直是教科书级别的批判。他没有直接用尖锐的言辞去抨击，而是通过极其冷静、近乎冷酷的描述，将对象的荒谬性赤裸裸地呈现出来，那种“不言自明”的力量，比任何激烈的控诉都更具穿透力。我尤其欣赏作者在处理时间维度上的手法，过去、现在和被预设的未来，在书中的时间线上被揉成一团，使得所有的论述都具有一种永恒的、循环往复的宿命感。这种对结构和形式的执着，使得阅读过程变成了一场关于“观看”和“理解如何被建构”的元认知训练。

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我必须承认，阅读到中段时，我的耐心经受了前所未有的考验。这本书的论点推进得非常缓慢，与其说是在讲述一个故事或发展一个理论，不如说是在进行一场漫长的、重复的“仪式”。每隔几页，作者就会抛出一个看似微不足道的细节，然后用极其繁复的语言链条将其与一个宏大的社会学或艺术史命题联系起来。这种写作方式，让人感觉自己像是被困在一个无限循环的迷宫中，每一次的出口都似乎近在咫尺，但当你伸手去触碰时，它又化为虚无。这种折磨感，对于那些期待清晰逻辑导向的读者来说，无疑是灾难性的。然而，正是这种持续的挫败感，反而培养出了一种独特的阅读“韧性”。我开始不再去强求“下一步会发生什么”，而是专注于当下这个瞬间，专注于作者如何巧妙地使用某个动词，或者如何利用排版上的不对称性来暗示一种权力关系。这不再是信息的接收，而更像是一种与作者在精神层面上进行的长期、艰苦的“共谋”。

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这本书的封面设计简直是视觉上的挑战，那种充满争议性又带着一丝挑衅的艺术风格，着实让人在书店货架前犹豫了足足有五分钟。我最终还是被那种莫名的吸引力捕获了，想知道这背后到底隐藏着怎样一个思想内核。翻开第一页，那种扑面而来的疏离感和对既有美学观念的彻底颠覆，让人立刻意识到这绝不是一本轻松的读物。它更像是一份宣言，一份挑战所有既定规则的宣言书。作者的叙事手法极其碎片化，仿佛是一系列精心策划的蒙太奇镜头，将一些看似毫不相关的场景、概念和历史碎片并置在一起，强迫读者去自行填补那些巨大的逻辑空白。我花了很长时间才适应这种阅读节奏，它要求你不断地跳出舒适区，去审视那些被我们习以为常的事物，比如“原创性”、“价值”、“趣味性”这些概念，都被置于显微镜下被无情地解剖。这种阅读体验是极其耗费心神的，但同时又带着一种近乎成瘾的刺激感，仿佛在跟随一个高智商的疯子进行一场智力探险。那些引用的典故和对后现代主义哲学边缘的游走，如果你没有一定的知识储备，很容易迷失在文字的迷宫中，但这或许正是作者想要达到的效果——筛选出那些真正愿意深入挖掘的探索者。

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这本书最令人不安，也最引人入胜的特点，在于它对“边界”的彻底模糊化处理。它拒绝被任何单一的分类标签所定义——它不是纯粹的美学评论，也不是严肃的哲学专著，更像是一种高度自我指涉的文本现象。读完之后，我发现自己无法用几句话来概括“它究竟是关于什么的”，而只能描述“它让我产生了怎样的体验”。这种体验是多层次的：它既有学术上的刺激，也有生理上的不适感，因为它挑战了我们对“什么是好的阅读体验”的基本预设。那些关于文化挪用、身份建构以及大规模生产的批判，都是以一种极其内敛、反高潮的方式呈现的，这使得批判的力量没有直接爆发，而是像缓慢渗透的毒药一样，在读者的潜意识中持续作用。我甚至开始怀疑，作者是不是故意将这本书写得如此难以捉摸，其目的本身就是对“可理解性”这一艺术标准最深刻的嘲讽。

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