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出版者:

作者:Fay, Garrett

出品人:

页数:160

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价格:0.00 元

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isbn号码:9781906733070

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• 印度电影
• 电影研究
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• 流行文化
• 媒介研究
• 亚洲电影
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书籍简介：《光影迷踪：解析全球电影产业的兴衰与变革》 作者： 艾伦·里德（Alan Reed） 出版社： 文汇学社 出版日期： 2023年10月 --- 核心主题： 本书全面审视了二十世纪至今，全球电影工业在技术迭代、市场重塑、文化冲突与商业模式创新等关键维度上所经历的深刻变革与动态平衡。它不聚焦于任何特定地域的电影制作，而是提供一个宏观的、跨文化的视角，探讨电影作为一种全球性媒介如何被生产、消费和解读。 --- 第一部分：工业的基石与时代的烙印（1900-1950） 第一章：默片时代的黎明与全球扩张的萌芽 本章深入探讨了电影艺术的早期发展，重点分析了从欧洲的卢米埃尔兄弟到美国的爱迪生公司如何确立了电影制作的初始范式。我们考察了电影技术（如胶片、摄影机）的早期专利争夺战，以及这种新兴艺术形式如何迅速跨越国界，在各个大陆引发了观众的狂热。特别关注了早期国际发行网络的构建，以及各国如何开始在好莱坞的强势崛起前夕，尝试建立本土的工业体系。 第二章：有声电影的革命与制片厂制度的固化 引入有声技术（“The Talkies”）对全球电影产业带来的冲击波。本章详述了技术转换如何迫使制片厂进行大规模的资本重组和设施升级。随后，我们将分析好莱坞“黄金时代”的制片厂制度（如米高梅、派拉蒙等）如何通过垂直整合，控制了从制片、发行到院线的完整产业链，并以此模式向欧洲和拉丁美洲输出其叙事风格和明星系统。我们对比了同时期，如法国的“诗意现实主义”和德国的表现主义，在面对好莱坞工业化冲击时所采取的文化抵抗与融合策略。 第三章：战争、审查与全球意识形态的投影 二战及其后冷战初期，电影作为宣传工具的重要性被推向顶峰。本章聚焦于各国政府如何利用电影进行内部动员和对外意识形态输出。我们分析了美国对欧洲市场的渗透，以及苏联、英国等国为维护国家叙事所采取的独特制片策略。同时，也探讨了国际审查制度的形成，它如何限制了题材的选择，并在全球市场上制造了“可接受”的电影范式。 --- 第二部分：新浪潮的冲击与大众文化的崛起（1950-1980） 第四章：电视的挑战与电影的视觉觉醒 五十年代，电视的普及对传统院线构成了生存危机。本章详细剖析了电影工业为应对“家庭娱乐”的挑战所采取的一系列技术和叙事上的反击措施，包括宽银幕技术（CinemaScope）、立体声的应用，以及对高概念（High Concept）题材的依赖。我们重点研究了欧洲大陆上，以法国新浪潮为代表的导演群体如何通过反对传统叙事结构，重新确立电影的作者性（Auteur Theory），并激励了全球范围内的独立电影人。 第五章：新好莱坞与全球资本的交错 六十年代末至七十年代初，美国电影界经历了一次“叛逆的文艺复兴”。本章剖析了新一代导演如何利用相对宽松的审查环境和对欧洲艺术电影的吸收，创作出深刻反映社会焦虑的作品。同时，本章也揭示了这些看似“反体制”的作品，是如何在国际市场上通过发行授权和联合制片等方式，被整合进全球商业运作体系的。 第六章：类型片工业化的成熟与国际合拍的早期实践 探讨了动作片、科幻片和恐怖片等大众化类型片如何通过标准化的制作流程，成为稳定的国际票房收入来源。本章对比了意大利的“类型片工厂”（如西部片、铅黄电影）与日本的特摄片（Tokusatsu）在工业化生产上的异同，并追溯了第一批真正意义上的跨大西洋、跨太平洋的合拍片是如何在税收优惠和市场准入方面进行复杂的国际谈判。 --- 第三部分：全球化、数字革命与媒介的融合（1980至今） 第七章：发行权力转移与好莱坞的全球制霸 八十年代起，随着新自由主义经济政策的推行，电影发行的权力中心进一步集中。本章分析了全球发行网络（包括录像带、后来的DVD市场）如何成为衡量一部电影国际潜力的关键指标。我们考察了“全球同步发行”战略的形成，以及它如何影响了前期剧本的选择——即如何创作出能最大程度避免本地文化障碍的“普世性”故事。 第八章：数字技术对制作流程的解构与重建 本章专注于CGI技术和非线性编辑系统对电影制作的颠覆性影响。我们探讨了数字工具如何降低了小型制片公司的门槛，催生了独立电影的蓬勃发展，但同时也加剧了大型制片厂对视觉特效技术的垄断。同时，详细分析了数字中间片（DCP）的普及如何标准化了全球放映流程，但也对传统胶片保存提出了新的挑战。 第九章：流媒体时代的权力重构与观众行为的变迁 探讨了二十一世纪初互联网和随后的流媒体平台（如Netflix、亚马逊）对传统院线模式的冲击。本章关注流媒体巨头如何绕过传统发行商，直接与内容创作者谈判，从而改变了“成功”的定义——从票房数字转向订阅用户和观看时长。我们分析了流媒体对非英语内容（如韩剧、欧洲剧集）的全球推广作用，并讨论了这种新模式下，电影叙事节奏、集数长度和叙事复杂性正在发生的微妙变化。 第十章：版权、分账与文化主权的未来 本书的结论部分，聚焦于当代电影产业最棘手的国际议题：知识产权保护、跨国税收优化以及文化内容的主权归属。我们审视了国际电影市场中复杂的分账机制，以及在超级英雄电影主导的时代，各国政府和电影机构如何努力平衡商业利益与本土文化表达的必要性。最终，本书提出一个反思：在技术高度融合的今天，电影工业的未来是走向更深的全球化同质化，还是在数字分发中找到新的文化“小众化”生存空间。 --- 目标读者： 本书适合电影研究学者、媒体经济分析师、影视制作专业学生，以及任何对全球娱乐产业运作逻辑和文化权力转移感兴趣的读者。本书以严谨的经济学和文化研究视角，为理解当代电影的复杂生态提供了一个必备的参照框架。

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Studying Bollywood 是一本极其宝贵的参考资料，它为我理解这个庞大的电影帝国提供了系统而全面的视角。作者在书中展现了深厚的学术功底，但同时又避免了过于晦涩的理论术语，使得内容既严谨又不失可读性。我尤其赞赏书中对宝莱坞“工业化生产”模式的深入剖析，从剧本创作、导演风格到后期制作，作者都进行了细致入微的描述，让我得以窥见电影是如何从一个创意变成一部成品。书中关于“视觉语言”的章节更是让我茅塞顿开，作者如何解读镜头运用、色彩搭配、场景设计等元素如何共同构建影片的情感氛围和叙事逻辑，让我对观影体验有了更深层次的理解。我发现自己开始不自觉地运用书中提到的分析方法，去审视正在观看的宝莱坞电影，这种“学以致用”的感觉让我觉得非常满足。此外，书中对宝莱坞电影中“情感表达”的处理方式的讨论也十分精彩，作者是如何将印度文化中特有的热情、浪漫和戏剧性融入到电影之中，这让我对宝莱坞电影的独特魅力有了更深的体会。

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Studying Bollywood 这本书的出现，对于任何想要深入了解宝莱坞这个电影巨头的读者来说，都无疑是一次巨大的福音。它提供了一种前所未有的、多角度的观察视角。作者的叙述风格非常独特，有时像一位循循善诱的老师，有时又像一位充满激情的影迷，这种混合的语调使得阅读过程充满乐趣。我尤其欣赏书中关于“融合性”的讨论，作者是如何探讨宝莱坞电影如何巧妙地融合了印度本土传统与西方电影元素，从而创造出一种独特的“印度式”的叙事风格。书中对“民族主义”和“全球化”在宝莱坞电影中相互作用的分析，也让我对电影的社会功能有了更深刻的认识。我发现自己通过阅读这本书，对宝莱坞电影的理解不再停留在表面的歌舞升平，而是能够看到其背后更为复杂的社会、文化和经济驱动力。这本书的价值在于，它不仅提供了知识，更激发了思考，让我对接下来的观影体验充满了期待，并希望能从中发现更多有趣的细节。

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我一直对宝莱坞电影抱有浓厚的兴趣，而 Studying Bollywood 这本书无疑是我迄今为止读过的最让我满意的一本。它不仅仅是一本关于电影的书，更像是一次深入印度文化腹地的旅行。作者以一种非常个人化和感性的方式，分享了她/他与宝莱坞电影的不解之缘，也带领读者一起探索了电影背后的故事。我特别喜欢书中关于“情感共鸣”的章节，作者是如何分析电影如何通过音乐、舞蹈和戏剧化的情节，触动观众内心深处的情感，引发强烈的共鸣。书中对“浪漫主义”和“英雄主义”在宝莱坞电影中的表现形式的探讨，也让我更加理解了这些元素为何能如此深入人心。我常常会在阅读这本书的时候，回想起自己曾经看过的那些宝莱坞经典影片，然后对照书中的分析，发现那些曾经让我感动或兴奋的片段，原来都有其深刻的艺术逻辑。这本书让我看到了电影作为一种文化输出的力量，以及宝莱坞是如何在全球范围内赢得了如此广泛的喜爱。

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这本书像是为我打开了一扇通往宝莱坞内心世界的奇妙之门，每一次翻阅都给我带来了新的惊喜和思考。作者并非一味地赞美宝莱坞的辉煌，而是以一种批判性的视角，冷静地剖析了其在商业化浪潮中的挑战与机遇。我对书中关于“明星工厂”运作模式的描述印象深刻，了解了那些闪耀在银幕上的巨星是如何被塑造、被包装，以及他们与电影公司之间复杂而微妙的关系。更让我着迷的是，作者巧妙地将宝莱坞电影置于印度社会的大背景下进行审视，探讨了电影在塑造民族认同、反映社会议题，甚至引发公众讨论中所扮演的角色。比如，书中对某些电影如何触及种姓制度、女性地位等敏感话题的分析，让我看到了电影不仅仅是娱乐，更是社会的一面镜子。我特别欣赏书中对“类型片”的解读，作者是如何将看似相似的影片，通过细微的叙事结构、人物塑造和主题表达区分开来，这使得我对宝莱坞电影的多样性有了全新的认识。这本书读起来并不枯燥，作者的笔触充满活力，行文流畅，即使是对电影理论不甚了解的读者，也能轻松愉快地吸收其中的知识。

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Studying Bollywood 是一本引人入胜的书，它以一种非常细腻且极具洞察力的方式，带领读者深入了解了印度宝莱坞电影产业的方方面面。作者不仅仅是罗列了电影的拍摄手法、剪辑技巧，更重要的是，他/她深入挖掘了宝莱坞电影背后所蕴含的文化、社会以及历史的根源。我尤其喜欢书中对电影中音乐和舞蹈元素的分析，作者是如何将这些看似只是娱乐性的表演，巧妙地解读成传达情感、推动剧情、甚至反映社会变迁的载体。读到书中关于“全景式叙事”的章节时，我仿佛置身于那个光影交错的时代，亲眼见证了宝莱坞是如何在有限的资源下，创造出如此丰富多元的视觉奇观。书中的案例分析也十分到位，从经典的黑白片时代到如今的商业大片，每一个例子都经过了作者精心的挑选和深入的剖析，让我对电影的演变过程有了更清晰的认识。这本书不仅适合电影专业的学生，也绝对是任何对印度文化、流行文化感兴趣的读者不容错过的佳作。它挑战了我对电影的固有认知，让我看到了电影作为一种艺术形式所能承载的深度和广度。

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