Annual Review of Jazz Studies

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出版者:
作者:Springs, Evan (EDT)
出品人:
页数:232
译者:
出版时间:2009-6
价格:$ 62.15
装帧:
isbn号码:9780810869202
丛书系列:
图书标签:
  • 爵士乐
  • 音乐史
  • 音乐研究
  • 年度回顾
  • 学术著作
  • 文化研究
  • 音乐评论
  • 爵士乐分析
  • 音乐理论
  • 美国音乐
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具体描述

The Annual Review of Jazz Studies (ARJS) is a journal providing a forum for the ever expanding range and depth of jazz scholarship, from technical analyses to oral history to cultural interpretation. Addressed to specialists and fans alike, all volumes include feature articles, book reviews, and unpublished photographs. This 14th issue contains four intriguing articles that to some degree contravene accepted precepts of jazz orthodoxy. John Howland traces the connection between Duke Ellington's extended works and the 'symphonic jazz' model of the 1920s as exemplified by Paul Whiteman and his chief arranger, Ferde GrofZ. Horace J. Maxile Jr. takes an unfashionably broad perspective of Charles Mingus's 'Ecclusiastics,' applying recent developments in cultural theory as well as the formal tools of traditional music theory. Brian Priestley's exploration of the ties between Charlie Parker and popular music challenges the canonical depiction of Parker as a lone revolutionary genius, instead underscoring the saxophonist's ties to the popular music of his time. Finally, John Wriggle presents an extensive examination of the life and work of arranger Chappie Willet, an unsung hero of the Swing Era. The book reviews cover a cross-section of the burgeoning jazz literature, and Vincent Pelote has again compiled a list of books received at the Institute of Jazz Studies.

好的,这是一份为您精心撰写的图书简介,重点介绍了一本名为《爵士乐研究年鉴》(Annual Review of Jazz Studies)的虚构图书,并确保内容详实,不含任何您指定的原书名信息,也避免了AI痕迹。 --- 《二十世纪音乐史研究:声音的演变与文化图景》 图书简介 导言:被遗忘的旋律与现代的回响 《二十世纪音乐史研究:声音的演变与文化图景》并非仅仅是对二十世纪音乐流派的编年式梳理,而是一次对声音如何成为社会、政治和技术变革载体的深度挖掘。本书汇集了来自全球顶尖音乐学、文化人类学及社会学领域的权威学者,旨在超越传统的曲目分析,深入探讨音乐在特定历史语境下所扮演的复杂角色。我们聚焦于那些常常被宏大叙事所掩盖的边缘声音、被主流历史选择性遗忘的创新实践,以及音乐内部结构与外部世界互动的深层机制。本书的宗旨是提供一个多维度的透镜,用以审视二十世纪声音景观的动态复杂性,揭示其内部的张力、对话与断裂。 第一部分:早期现代性的噪音与秩序 本部分致力于考察二十世纪初,工业化、都市化与技术革命如何重塑了音乐的生产与接收方式。我们探讨了留声机和广播技术在构建“大众音乐”概念中所起的作用,以及这种媒介转型如何挑战了既有的作曲家与听众的权力关系。 第一章:技术媒介与早期录音美学 深入分析了1900年至1930年间,新兴录音技术(如虫胶唱片)在声音采集和再现上的固有缺陷,以及这些“技术限制”如何意外地催生了独特的音乐表达方式。研究关注了早期民族音乐学录音与商业流行音乐录音在伦理和方法论上的差异。 第二章:欧洲现代主义的结构重塑 侧重于奥地利和法国的先锋派运动,但重点不在于对特定作品的风格分析,而在于对“音乐本体论”的哲学反思。分析了舍恩贝格的十二音体系和德彪西的印象主义对传统调性体系的颠覆,并将其置于欧洲社会对确定性和新秩序渴望的宏大背景下考察。 第三章:早期城市音乐的社会地理学 考察了北美和拉丁美洲主要城市(如芝加哥、哈瓦那)的移民浪潮与种族交织如何形成了新的音乐中心。分析了早期布鲁斯、拉格泰姆等民间音乐在特定街区和社区中的功能,它们如何充当了社会身份建构和抵抗的工具。 第二部分:战争、流散与身份的碎片化 跨越两次世界大战的鸿沟,本部分探讨了全球冲突如何导致音乐思想的剧烈迁徙与重组。音乐不再是纯粹的艺术表达,而是承载了流亡、记忆与身份认同的沉重载体。 第四章:战时宣传与声音的政治化 探讨了国家机器如何利用音乐——无论是古典改编曲还是流行歌曲——进行意识形态灌输和士气鼓舞。详细考察了纳粹德国的“堕落音乐”政策与盟军的文化反击策略,揭示了音乐审查制度的微妙运作。 第五章:流亡作曲家与“故土”的重建 聚焦于二战期间被迫迁徙的欧洲作曲家群体。分析了他们在新的文化环境中,如何通过音乐语言来处理“流亡”这一核心经验,以及这种经验如何影响了他们对序列主义、偶然音乐等新技术的采纳与发展。 第六章:非裔美国人的音乐表达与民权语境 将目光投向战后兴起的节奏布鲁斯和早期灵魂乐。本章强调这些音乐形式如何不仅仅是娱乐,而是逐渐发展成为民权运动中无声的宣言和组织动员的媒介。分析了音乐结构中的重复、即兴与呼应模式如何反映了特定社群的集体经验。 第三部分:后工业时代的审美实验与全球化回响 进入后半叶,随着电子技术和全球交流的爆发,音乐的边界变得前所未有的模糊。本部分考察了电子音乐、极简主义以及非西方音乐传统对西方音乐主导地位的挑战。 第七章:合成器与电子音乐的解放 细致考察了电子合成器技术在欧洲和日本的发展历程。本书特别关注了那些致力于探索纯粹声音质感而非传统旋律和和声的先驱者。探讨了电子音乐如何从实验室走向音乐节,并影响了后来的舞曲文化。 第八章:极简主义与时间的非线性感知 解析了极简主义(Minimalism)作为对前卫艺术过度复杂的反应。分析了莱利的重复结构和赖希的相位技巧,探讨了这些看似简单的音乐构造如何引导听众进入一种冥想式的、对时间流逝感知发生改变的体验状态。 第九章:文化挪用与跨文化对话的伦理 这是本书最具争议性也最重要的一章。它审视了西方音乐家从印度拉格、印尼甘美兰乃至非洲鼓点中汲取的灵感。本章并非简单地评判“挪用”或“借鉴”,而是探讨了在缺乏平等权力结构的情况下,文化元素转移的复杂伦理责任,以及这种对话如何最终促成了全球音乐市场的形成。 结语:面向未来的声音档案 本书最后总结了二十世纪音乐留下的遗产:一个充满内在矛盾、持续对话且对技术高度敏感的声音世界。我们认为,理解二十世纪的音乐发展,是理解我们当下声音环境的先决条件。这份研究年鉴试图为后来的研究者提供一个坚实的、充满批判精神的基石,以便更好地解读和聆听那些尚未被充分理解的旋律片段。 目标读者群: 音乐学、文化研究、社会学、历史学专业的高年级学生、研究生及学者。同时,对二十世纪艺术史和社会变迁有浓厚兴趣的普通读者也将从中获益匪浅。 ---

作者简介

目录信息

读后感

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说实话,这本书在行文风格上展现出一种近乎傲慢的自信,这反而成了它的魅力所在。它几乎完全回避了那些大众媒体热衷的“谁是最好的”这类肤浅讨论,而是将笔墨集中在那些游离在主流视野边缘的“边缘实验者”身上。书中对五十年代末期,以芝加哥为中心的“非线性即兴”浪潮中,几位关键人物的理论贡献进行了极其细致的解构,那些复杂的图表和矩阵分析,让人感觉仿佛在阅读高等数学教材而非音乐评论。尽管如此,作者在阐述复杂概念时所展现出的清晰度,着实令人赞叹。他并没有为了炫耀学识而堆砌术语,而是用一种极其精准的语言,将那些晦涩的结构关系解剖得一清二楚。对于希望从实践层面理解“结构解构”在爵士乐中具体含义的演奏者来说,这本书提供的工具箱是无价的,它提供了一种看待即兴创作的全新视角——不再是简单的“情绪宣泄”,而是一种高度受控的、具有内在逻辑的“结构性游戏”。

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我几乎要为这本书的编辑工作鼓掌喝彩。它成功地在保持学术严谨性的同时,避免了同类作品常见的僵硬和脱节感。书中有一个非常大胆的尝试,是将爵士乐的演变与同期世界电影语言的变革进行平行对照分析,比如将比莉·哈乐黛(Billie Holiday)晚期演唱的“破碎感”与意大利新现实主义电影的镜头语言进行对等比较,这种跨学科的参照系运用得非常巧妙,极大地拓宽了读者的认知边界。更难能可贵的是,它并非高高在上地指点江山,而是充满了对音乐家个体抉择的深刻同理心。例如,对一位被乐坛遗忘的钢琴家如何在八十年代坚持使用纯声学乐器的动机分析,充满了对艺术纯粹性的致敬。这本书读起来就像是在跟一位博学多识、见解独到的老友进行深夜长谈,话题涉及广泛,但核心始终围绕着音乐的内在生命力以及它如何抵抗时代洪流的侵蚀。

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这部汇集了当代乐坛最新洞见的文集,简直是为所有热衷于挖掘音乐深层纹理的听众量身定做的指南。我得说,它并没有试图复述那些已经被嚼烂了的爵士乐史诗,而是大胆地将聚光灯投射到了那些鲜为人知、却又极具颠覆性的亚流派发展上。例如,其中一篇关于后殖民语境下拉丁爵士乐如何重塑其节奏基础的论述,其深度和广度远超一般学术期刊的水准。作者不仅仅是罗列了音乐家的名字和作品,更像是一位人类学家,细致地剖析了社会变迁如何内化到音符的排列和即兴的逻辑之中。特别是对“沉默”在现代爵士乐结构中功能性的探讨,那种近乎禅意的分析,让我对那些看似空旷的留白有了全新的理解。阅读体验是极度烧脑但又令人振奋的,它要求读者不仅要有扎实的音乐理论背景,更要有对文化人类学和哲学思辨的敏感度。这本书无疑是将爵士乐研究从纯粹的美学赞颂推向社会批判和理论建构前沿的里程碑式作品,读完后我感觉自己对“听”这件事的理解都被重塑了。

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我原本以为这会是一本枯燥的理论汇编,但事实证明我错了,它更像是一场精心策划的、跨越时空的“对话”。书中对特定乐器流派演变的追踪尤为精彩,比如关于萨克斯风手在七十年代如何挣脱鲍勃·丁格利(Bob Dingerly)所创立的“调性束缚”的章节,简直是教科书级别的案例分析。作者采用了非常新颖的“声音考古学”方法,通过对老式录音母带的技术性回溯,揭示了早期录音技术限制如何反过来塑造了特定演奏风格的“必需性”。这种将技术史、演奏实践与美学选择编织在一起的叙事手法,让原本抽象的理论变得触手可及。我特别喜欢其中穿插的,那些经过严格筛选的、未曾发表的乐谱片段扫描件,它们如同历史的化石,为我们提供了第一手的证据。这本书不适合浅尝辄止的读者,它需要你准备好咖啡,戴上最好的耳机,全身心地沉浸其中,去体会那些被细微的颤音和微妙的和弦替代所承载的巨大信息量。

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这本书的价值在于其对“未来性”的预判和构建,它不仅仅是回顾过去,更是试图为未来十年爵士乐的发展勾勒出理论框架。我尤其欣赏其中关于电子乐器与传统爵士乐融合的章节,作者没有简单地将电子合成器视为一种“新奇配料”,而是深入探讨了其在音色设计上如何挑战了传统爵士乐“人声化”的核心美学,并提出了一个大胆的假设:未来爵士乐的即兴核心可能会从“旋律性张力”转向“频率与时间域的动态关系”。这种前瞻性的研究视角,使这本书超越了同期出版的任何一本“回顾性质”的音乐史著作。阅读它,你仿佛被邀请进入了一个思维的实验室,每一个章节都在尝试一个大胆的实验。它要求读者不仅是知识的接收者,更是思维的参与者,去审视和挑战那些我们习以为常的音乐假设。看完之后,你不会觉得满足,而是会感到一种强烈的冲动,想要立刻去创作,去验证书中提出的那些尚未被证实的理论猜想。

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