The Annual Review of Jazz Studies (ARJS) is a journal providing a forum for the ever expanding range and depth of jazz scholarship, from technical analyses to oral history to cultural interpretation. Addressed to specialists and fans alike, all volumes include feature articles, book reviews, and unpublished photographs. This 14th issue contains four intriguing articles that to some degree contravene accepted precepts of jazz orthodoxy. John Howland traces the connection between Duke Ellington's extended works and the 'symphonic jazz' model of the 1920s as exemplified by Paul Whiteman and his chief arranger, Ferde GrofZ. Horace J. Maxile Jr. takes an unfashionably broad perspective of Charles Mingus's 'Ecclusiastics,' applying recent developments in cultural theory as well as the formal tools of traditional music theory. Brian Priestley's exploration of the ties between Charlie Parker and popular music challenges the canonical depiction of Parker as a lone revolutionary genius, instead underscoring the saxophonist's ties to the popular music of his time. Finally, John Wriggle presents an extensive examination of the life and work of arranger Chappie Willet, an unsung hero of the Swing Era. The book reviews cover a cross-section of the burgeoning jazz literature, and Vincent Pelote has again compiled a list of books received at the Institute of Jazz Studies.
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说实话,这本书在行文风格上展现出一种近乎傲慢的自信,这反而成了它的魅力所在。它几乎完全回避了那些大众媒体热衷的“谁是最好的”这类肤浅讨论,而是将笔墨集中在那些游离在主流视野边缘的“边缘实验者”身上。书中对五十年代末期,以芝加哥为中心的“非线性即兴”浪潮中,几位关键人物的理论贡献进行了极其细致的解构,那些复杂的图表和矩阵分析,让人感觉仿佛在阅读高等数学教材而非音乐评论。尽管如此,作者在阐述复杂概念时所展现出的清晰度,着实令人赞叹。他并没有为了炫耀学识而堆砌术语,而是用一种极其精准的语言,将那些晦涩的结构关系解剖得一清二楚。对于希望从实践层面理解“结构解构”在爵士乐中具体含义的演奏者来说,这本书提供的工具箱是无价的,它提供了一种看待即兴创作的全新视角——不再是简单的“情绪宣泄”,而是一种高度受控的、具有内在逻辑的“结构性游戏”。
评分我几乎要为这本书的编辑工作鼓掌喝彩。它成功地在保持学术严谨性的同时,避免了同类作品常见的僵硬和脱节感。书中有一个非常大胆的尝试,是将爵士乐的演变与同期世界电影语言的变革进行平行对照分析,比如将比莉·哈乐黛(Billie Holiday)晚期演唱的“破碎感”与意大利新现实主义电影的镜头语言进行对等比较,这种跨学科的参照系运用得非常巧妙,极大地拓宽了读者的认知边界。更难能可贵的是,它并非高高在上地指点江山,而是充满了对音乐家个体抉择的深刻同理心。例如,对一位被乐坛遗忘的钢琴家如何在八十年代坚持使用纯声学乐器的动机分析,充满了对艺术纯粹性的致敬。这本书读起来就像是在跟一位博学多识、见解独到的老友进行深夜长谈,话题涉及广泛,但核心始终围绕着音乐的内在生命力以及它如何抵抗时代洪流的侵蚀。
评分这部汇集了当代乐坛最新洞见的文集,简直是为所有热衷于挖掘音乐深层纹理的听众量身定做的指南。我得说,它并没有试图复述那些已经被嚼烂了的爵士乐史诗,而是大胆地将聚光灯投射到了那些鲜为人知、却又极具颠覆性的亚流派发展上。例如,其中一篇关于后殖民语境下拉丁爵士乐如何重塑其节奏基础的论述,其深度和广度远超一般学术期刊的水准。作者不仅仅是罗列了音乐家的名字和作品,更像是一位人类学家,细致地剖析了社会变迁如何内化到音符的排列和即兴的逻辑之中。特别是对“沉默”在现代爵士乐结构中功能性的探讨,那种近乎禅意的分析,让我对那些看似空旷的留白有了全新的理解。阅读体验是极度烧脑但又令人振奋的,它要求读者不仅要有扎实的音乐理论背景,更要有对文化人类学和哲学思辨的敏感度。这本书无疑是将爵士乐研究从纯粹的美学赞颂推向社会批判和理论建构前沿的里程碑式作品,读完后我感觉自己对“听”这件事的理解都被重塑了。
评分我原本以为这会是一本枯燥的理论汇编,但事实证明我错了,它更像是一场精心策划的、跨越时空的“对话”。书中对特定乐器流派演变的追踪尤为精彩,比如关于萨克斯风手在七十年代如何挣脱鲍勃·丁格利(Bob Dingerly)所创立的“调性束缚”的章节,简直是教科书级别的案例分析。作者采用了非常新颖的“声音考古学”方法,通过对老式录音母带的技术性回溯,揭示了早期录音技术限制如何反过来塑造了特定演奏风格的“必需性”。这种将技术史、演奏实践与美学选择编织在一起的叙事手法,让原本抽象的理论变得触手可及。我特别喜欢其中穿插的,那些经过严格筛选的、未曾发表的乐谱片段扫描件,它们如同历史的化石,为我们提供了第一手的证据。这本书不适合浅尝辄止的读者,它需要你准备好咖啡,戴上最好的耳机,全身心地沉浸其中,去体会那些被细微的颤音和微妙的和弦替代所承载的巨大信息量。
评分这本书的价值在于其对“未来性”的预判和构建,它不仅仅是回顾过去,更是试图为未来十年爵士乐的发展勾勒出理论框架。我尤其欣赏其中关于电子乐器与传统爵士乐融合的章节,作者没有简单地将电子合成器视为一种“新奇配料”,而是深入探讨了其在音色设计上如何挑战了传统爵士乐“人声化”的核心美学,并提出了一个大胆的假设:未来爵士乐的即兴核心可能会从“旋律性张力”转向“频率与时间域的动态关系”。这种前瞻性的研究视角,使这本书超越了同期出版的任何一本“回顾性质”的音乐史著作。阅读它,你仿佛被邀请进入了一个思维的实验室,每一个章节都在尝试一个大胆的实验。它要求读者不仅是知识的接收者,更是思维的参与者,去审视和挑战那些我们习以为常的音乐假设。看完之后,你不会觉得满足,而是会感到一种强烈的冲动,想要立刻去创作,去验证书中提出的那些尚未被证实的理论猜想。
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