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出版者:

作者:Stein Crease, Stephanie

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页数:0

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价格:25.95

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isbn号码:9781439586174

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• 爵士乐
• 音乐史
• 杜克·艾灵顿
• 美国音乐
• 传记
• 音乐家
• 20世纪音乐
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• 黑人音乐

爵士乐的辉煌篇章：一部关于美国音乐史的宏大叙事 导言：跨越世纪的旋律回响 本书并非专注于某一位特定的音乐家或某一个狭隘的流派，而是一部旨在全面梳理二十世纪美国音乐发展脉络的恢弘史诗。我们深入探究了音乐作为文化载体，如何在社会变迁、种族融合与技术革新的浪潮中，雕塑出美国身份认同的独特面貌。从新奥尔良的街头喧嚣到芝加哥的禁酒令年代，再到纽约的哈莱姆文艺复兴，音乐始终是时代情绪最真实的晴雨表。 本书的结构力求宏大而严谨，将音乐史置于更广阔的社会、政治和经济背景之下进行审视。我们认为，理解音乐的演变，必须理解创造这些音乐的民众的生活境遇、他们所处的阶级环境以及他们对自由和表达的渴望。 第一部分：根源与萌芽——美国音乐的熔炉（1900-1920年代初） 美国音乐的根基深植于多元文化土壤之中。本部分首先回顾了非洲奴隶的口头与节奏传统如何与欧洲的和声结构发生碰撞与融合。我们详细剖析了蓝调（Blues）的早期形态——那种源自田间、工厂和监狱的原始情感宣泄，如何逐渐发展出其标志性的十二小节结构和独特的音阶。 拉格泰姆的严谨与狂野： 尽管拉格泰姆（Ragtime）在形式上更加“文明”和受人尊敬，我们强调了其内在反叛性——那种对固定节拍的微妙“拖曳”（Ragging）。通过分析斯科特·乔普林（Scott Joplin）等人的作品，我们展示了这种风格如何为日后爵士乐的自由即兴铺平了道路，特别是钢琴演奏技巧上的飞跃。 新奥尔良的诞生之地： 新奥尔良，这座兼具法国、西班牙、非洲和加勒比传统的城市，被视为现代音乐的摇篮。本章细致描绘了“军乐团”（Brass Band）传统与克里奥尔文化的交汇点。我们探讨了早期布鲁斯音乐家如何将即兴的、装饰性的演奏方式融入既有曲目中，以及早期的“热曲”（Hot Music）风格如何体现出一种集体即兴的狂欢精神。这不是一种被书面记录的音乐，而是一种活生生的、在特定场合下自发产生的艺术形式。 第二部分：北迁与大都会的转型（1920年代中后期） 随着“大迁徙”的浪潮，音乐的中心开始向北方迁移，特别是伊利诺伊州的芝加哥和纽约州。本部分重点关注了技术革新——录音技术的发展——如何彻底改变了音乐的传播方式。音乐不再仅仅是现场体验，它被固化，被量贩，成为一种商品。 录音时代的启示： 我们分析了早期唱片公司如何通过“种族唱片”（Race Records）的市场策略，无意中为非裔美国音乐家提供了前所未有的曝光机会。这种商业化也带来了新的挑战：音乐家如何在迎合白人听众的刻板印象与坚持自身艺术完整性之间寻求平衡？ 芝加哥的“禁酒令爵士”： 芝加哥在这一时期成为音乐实验的温床。本章侧重于早期独奏技巧的发展，特别是当乐团的规模收缩，对个人表达的需求随之增加时，独奏者的地位如何迅速提升。我们审视了这种音乐的动感、能量以及它与地下社会活动的紧密联系。 纽约的哈莱姆与“管弦乐化”的先声： 纽约，特别是哈莱姆区，催生了更为复杂和精致的音乐形态。一些乐团开始尝试更大规模的编制，引入了更精细的编曲概念，这预示着一个管弦乐化的时代的到来。 第三部分：摇摆的黄金时代与编曲的成熟（1930年代） 1930年代是美国音乐史上一个无可争议的高峰期，它被“摇摆乐”（Swing）所主宰。本部分着重探讨了音乐如何从地下酒吧走向大型舞厅，成为全国性的文化现象。 从即兴到结构： 摇摆乐的核心在于它在保留即兴精髓的同时，发展出了高度复杂的、需要专业乐手严格执行的编曲结构。我们详细探讨了“对位法”（Call and Response）如何在大型乐团中得到系统化应用，以及如何通过复杂的和声进行来营造出令人心醉的“律动感”（Groove）。 乐团指挥的艺术： 本章将乐团指挥视为一种独特的艺术形式。指挥者不仅需要领导乐手，更需要成为编曲的架构师和听众情感的引导者。他们面对的是一个由十几位乐手组成的“超级乐器”，如何平衡个人声部、确保整体音色的统一性，是衡量一位大师的关键标准。 舞蹈文化与音乐的共生： 摇摆乐的流行与林迪舞（Lindy Hop）等新型舞蹈的兴起密不可分。音乐和舞蹈是相互依存的，舞蹈的律动要求音乐具有明确且富有弹性的节拍，而音乐的激情也反过来推动了舞蹈动作的创新和大胆。 第四部分：从摇摆到现代——战后音乐的裂变与探索（1940年代末至1950年代） 二战结束后，音乐界的格局发生了剧变。经济环境的变化、录音技术的进一步完善以及乐手对既有风格的超越渴望，共同催生了战后音乐的多元化发展。 波普的革命： 波普乐（Bebop）的出现被视为一次激进的艺术宣言。本部分将波普乐的诞生置于社会语境中进行解读：它不再是为大众跳舞而创作的音乐，而是乐手们为同侪而进行的、更具智识挑战性的艺术探索。我们分析了其高速的节奏、复杂的和声替换和对传统旋律的解构，这标志着音乐家从表演者向纯粹艺术家的身份转变。 冷爵士与西海岸的沉静： 作为对波普乐激烈和躁动的回应，冷爵士（Cool Jazz）在西海岸兴起。我们探讨了这种风格如何借鉴了欧洲的室内乐传统，倾向于更柔和的音色、更内敛的情绪表达和更松散的节奏感，体现了一种战后对秩序和沉静的向往。 硬波普的回归： 相对的，硬波普（Hard Bop）则强调回归蓝调和福音音乐的根源，注入了更强烈的节奏驱动力和更直接的情感力量，它代表了对音乐“根性”的坚持和对主流文化审美的部分抵抗。 结论：持续的对话与未来的回响 本书的最后部分总结了二十世纪中叶美国音乐留下的深远遗产。这种音乐的演变过程，本质上就是一部关于美国经验的缩影：关于身份的构建、关于创新与传统的拉锯、关于在商业压力下对艺术纯粹性的坚守。 我们强调，这些音乐形式从未真正“消亡”，而是不断地被后来的音乐家吸收、重构和致敬。每一次对速度的提升、对和弦的拓展、对音色的偏离，都是对前人成就的肯定，也是对未来无限可能性的探索。 本书旨在邀请读者，不仅仅是将这些音乐视为背景声，而是将其视为理解美国文化历史和社会心理变迁的关键钥匙。通过对这些复杂而充满生命力的声音的深入挖掘，我们得以窥见一个伟大时代艺术创造力的全貌。

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我一直对爵士乐的“贵族”气质感到好奇，而这本书似乎就是解开这个谜团的钥匙。它的叙事风格非常流畅，带着一种老派的、绅士般的优雅，与艾灵顿本人的公众形象高度契合。最让我印象深刻的是关于他如何处理与乐队成员之间复杂关系的章节。这些乐手——巴勃·马斯，约翰尼·哈奇斯，以及后来的“糖果”——他们不仅仅是演奏者，更是公爵音乐思想的延伸和贡献者。作者没有把他们写成简单的工具人，而是展现了他们各自的个性和才华如何像不同颜色的颜料一样，最终调和出艾灵顿独一无二的音色。书中对乐团内部关于编曲版权、演出报酬以及个人恩怨的描述，坦诚得有些残酷，这打破了我之前对音乐家光环下生活的浪漫想象。这部分内容，远比任何关于和弦进行的分析都要来得生动和真实，它揭示了伟大艺术的诞生，往往伴随着巨大的人际张力和妥协。我甚至感觉自己坐在后台的昏暗房间里，听着他们争吵、大笑，然后共同酝酿出下一段令人心碎的旋律。

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坦白说，我原本以为这会是一本枯燥的音乐理论解析，但出乎意料的是，作者使用了大量生动的轶事和引人入胜的场景描绘，让阅读体验充满了戏剧张力。比如，书中对艾灵顿初登纽约舞台时的那种忐忑不安的心理描写，以及他如何巧妙地在不同种族隔离的场所间切换表演风格以迎合听众，这些细节处理得极其到位。我尤其喜欢他将艾灵顿的创作过程比喻成“在午夜的餐桌上精心布置一场晚宴”，每一种乐器都是一道精心烹制的菜肴，等待食客（听众）品鉴。这种比喻不仅形象，而且深刻地揭示了艾灵顿作为“声音的建筑师”的本质。全书结构严谨，从华盛顿的童年到曼哈顿的鼎盛时期，再到环球巡演的晚年，时间线清晰，但叙述方式却充满了文学性，绝无流水账之嫌。它成功地将一个音乐家的生平，提升到了一个文化现象的高度来审视。

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这本书的价值在于其对“文化政治”的深刻洞察。艾灵顿不仅仅是爵士乐手，他更是美国文化外交的一面旗帜，尤其是在冷战时期，他带着他的乐队周游世界，扮演了超越音乐本身的象征性角色。作者详细记录了他在中东、南美洲的巡演细节，以及这些行程对他的音乐创作产生的潜移默化的影响。我从中读到了一种微妙的张力：一方面是作为黑人艺术家必须背负的社会期待和政治使命，另一方面是他对纯粹音乐美学的执着追求。书中有一段对艾灵顿晚期作品中那种带有异域情调的和声语言的分析，作者将其归因于这些跨文化交流的经历，而非仅仅是音乐上的故作新奇，这一点论证得非常有说服力。这本书让我意识到，理解艾灵顿，就必须将他置于20世纪全球政治和种族议题的宏大背景之下。这种深层次的关联性挖掘，使得这本书远超一般人物传记的范畴。

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这本关于“公爵”的传记简直是一次穿越时空的旅程，我仿佛能亲耳听到哈莱姆区那个黄金时代的爵士乐声。作者的笔触极其细腻，他没有仅仅停留在列举艾灵顿辉煌的演出记录和获奖名单上，而是深入挖掘了这位音乐巨人内心世界的复杂性。阅读过程中，我尤其被他描绘的，艾灵顿如何在二战前后，面对音乐潮流的巨大冲击，依然坚守着他对“管弦乐团”这一概念近乎偏执的追求所深深打动。书中详细解析了他是如何将小团体的即兴天赋与宏大交响的结构美学完美融合，这绝非易事，需要极高的音乐洞察力和领导力。我能感受到作者对艾灵顿音乐的深刻理解，他对那些晦涩的、只在资深乐迷中流传的早期作品都有独到的见解和考据，这使得整本书的学术价值和可读性达到了一个非常高的平衡点。它不仅仅是一本音乐史的注脚，更是一部关于艺术创新与坚持的史诗。读完后，我立刻找出了他四十年代中期在维克剧院（The Victrola Years）的一些现场录音来重温，那种久违的共鸣感，让我明白，好的传记能让你重新发现艺术的魅力。

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作为一名业余钢琴爱好者，我最期待的是能从这本书中找到一些关于艾灵顿演奏技巧和编曲思路的“内幕消息”。虽然这本书的侧重点不在于手把手的教学，但它通过对多次录音会议的详尽复盘，成功地将“如何思考音乐”的过程展示了出来。特别是对“布兰卡·布兰卡”时期的一些录音，作者引用了大量当时乐手在空白处进行的对话记录，还原了那种在录音室里即时碰撞、拍板定夺的火花。我发现，公爵的伟大之处，不仅在于他写了什么，更在于他“不写”什么——他留给乐手的即兴空间，才是他音乐生命力的源泉。这种“留白”的美学，是无法通过简单的乐谱传达的。这本书以一种近乎解剖学的方式，将艾灵顿的音乐思维层层剥开，虽然我可能无法复制他的天赋，但至少能理解他思考问题的角度。总而言之，这是一本能让你对爵士乐产生全新敬畏感的作品。

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