Hiroshige & Hokusui Japanese Woodblock Prints 2010 Calendar

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作者:Museum of Fine Arts, Boston (COR)
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页数:0
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价格:14.99
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isbn号码:9780764948213
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  • Japanese Woodblock Prints
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具体描述

浮世之美,穿越时空的回响:日本版画的永恒魅力 本书深入探究了日本江户时代最负盛名的两位艺术巨匠——歌川广重(Utagawa Hiroshige)与葛饰北斋(Katsushika Hokusai)的艺术成就及其对后世的深远影响。这不是一本简单的图鉴,而是一次穿越时空、沉浸式的视觉与文化之旅,旨在揭示他们如何通过木刻版画这一媒介,捕捉了那个时代日本的自然风光、人文气息与精神内核。 第一部:广重——行走在风景中的诗人 歌川广重,以其对自然光影的精妙把握和对季节变迁的细腻描绘而著称。他的作品洋溢着一种宁静的抒情性,仿佛能听到风声和水流声。本书首先聚焦于广重最著名的系列作品,例如《东海道五十三次》和《名所江户百景》。 《东海道五十三次》的叙事力量: 这一系列不仅仅是旅行记录,更是对日本心脏地带——连接江户与京都的官道上,沿途五十三处驿站风土人情的百科全书式呈现。我们细致分析了广重如何通过对天气、时间(清晨、正午、黄昏)以及特定情境(风雨、雪夜、晴日)的描绘,赋予每一张版画以鲜明的个性和情绪。例如,他如何利用留白和墨色的晕染来表现雨中的迷蒙感,或是通过低角度的透视来强调行人的渺小与旅途的艰辛。 书中将对比研究不同版本的《东海道五十三次》,包括早期的“保永堂版”与后期的“五十图中”系列,探讨其在构图、色彩运用和艺术理念上的演变。特别值得一提的是广重对“借景”手法的运用,如何将远山近景巧妙结合,创造出既具空间深度又富有诗意的画面。 《名所江户百景》中的都市田园: 当广重转向描绘他所居住的江户城时,他的视角变得更加个人化和亲密。这一系列展示了江户城内外的著名景点,但广重关注的焦点往往是那些不经意间流露出的生活场景:桥下的喧嚣、节日的盛况、日常的劳作。 我们深入剖析了广重对“氛围”的捕捉能力。他如何运用对比强烈的色彩(如艳丽的群青与柔和的粉色),在平面的木刻上营造出三维的错觉?书中将详细解读广重对水、雾和雪的独特处理方式——这些元素在他的笔下,不再是简单的背景,而是具有生命力的角色,参与到画面的叙事之中。他对月亮的描绘尤其独到,常常以一种近乎抽象的方式,让月光成为画面的焦点,引导观者的目光。 第二部:北斋——永无止境的探索者 葛饰北斋,这位被誉为“画狂人”的艺术大师,其创作生涯横跨近七十年,风格多变,题材广泛,体现出一种近乎狂热的求知欲和创新精神。本书将北斋视为一位永恒的革新者。 《富岳三十六景》的结构与象征: 北斋的《富岳三十六景》是木刻版画史上的里程碑,它将富士山——日本的圣山——从传统的宗教符号提升为一种现代的、动态的视觉主题。与广重描绘的旅途中的景色不同,北斋将富士山置于各种极端或日常的场景之中,使其成为一个多面的、可被观者解读的象征。 书中重点分析了《神奈川冲浪里》的结构力学和情感张力。我们将拆解这幅画中海浪的形态——那些如同爪子般卷曲的浪尖,以及它们与下方船只和远方富士山的比例关系。这种对自然力量的夸张和戏剧化处理,是北斋突破传统审美的重要标志。 此外,本书还会考察系列中其他杰作,如《凯风快晴》(红富士)中色彩的纯粹性,以及《山下白雨》中对瞬间闪电的捕捉,展现北斋如何运用构图的几何感和色彩的冲击力来表达对自然的敬畏。 北斋的百科全书式创作与“狂气”: 北斋的广度令人惊叹。我们将探讨他如何将西方透视法融入日本绘画(如在描绘城市景观时),以及他对动植物、人物服装、乃至神怪故事的迷恋。 《北斋漫画》的意义: 这一系列草图集是理解北斋创作哲学的关键。它展示了他对现实世界的细致观察和无穷的想象力。书中将分析这些速写如何在形式上影响了后来的日本艺术乃至世界范围内的漫画艺术。 对西方的影响: 北斋的作品如何激发了印象派和后印象派画家(如德彪西、梵高、莫奈)的灵感,引发了“日本主义”(Japonisme)的浪潮,这一点也将得到详尽的论述。 第三部:技艺的传承与时代的印记 这两位大师的成功离不开江户时代独特的艺术生态和精湛的制作工艺。本书最后部分将回归技术层面,探讨木刻版画的复杂流程: 雕刻师与绘师的协作: 版画的诞生是多方合作的结晶——从画师的初稿到雕刻师的细致刻版,再到刷师对色彩的精准套印。这种分工合作的模式如何保证了作品的质量和效率? “歌川派”的辉煌: 探讨广重和北斋在当时庞大的“歌川派”体系中的地位,以及他们如何通过创新来超越门户的既有限制。 通过对这两位巨匠作品的深入剖析,本书旨在让读者超越单纯的欣赏,理解木刻版画如何成为江户时代社会变迁、审美趣味和哲学思考的独特载体。广重以其温柔的笔触描绘了人与自然的和谐共存,而北斋则以其磅礴的气势展现了宇宙万物的无穷变化。他们的艺术共同构筑了日本美学中不可磨灭的“浮世”景象。

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读后感

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用户评价

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这本书的装帧设计简直是教科书级别的典范,它完美地平衡了对原作的尊重和现代读者的审美需求。我必须得说,那种纸张的选择,摸上去有一种微哑的光泽和恰到好处的厚重感,完全不是那种廉价的铜版纸能比拟的。装订处处理得极为服帖,即便是反复翻阅,也不会担心松脱。更值得称赞的是它的布局排版。每一幅作品都占据了足够的空间,四周留白得恰到好处,既突出了主体内容,又避免了画面之间的相互干扰。通常看画册最怕的就是为了塞进更多的图而压缩了单幅作品的展示效果,但这本书显然没有这个问题。它似乎在无声地告诉我:“请慢下来,仔细看,品味每一个细节。”特别是那些构图极其复杂的山水长卷局部放大后,那些微小的亭台楼阁、船只行人,在放大的比例下,其精细程度令人咋舌。这种对细节的执着,本身就是对浮世绘艺术精神的最高致敬。

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天哪,我刚刚翻完手头的这本画册,简直是美到让人窒息!虽然我手里拿的不是挂历那种形式,但光是看这些精选的浮世绘作品,我就能感受到一股穿越时空的宁静与震撼。首先,选图的眼光绝对是大师级的。那些关于富士山的视角,每一张都捕捉到了不同的光影和季节变化,有的雄伟,有的则带着一丝飘渺的仙气。比如,我特别喜欢其中一张描绘雨后初晴的场景,水汽未散,远处的山峦如同披上了一层轻纱,色彩的层次感处理得太精妙了,仿佛能听到竹林里传来的潺潺水声。再说说人物画,那些细腻的服饰纹理、生动的表情刻画,无不展现了江户时代生活气息的侧面。这些版画的线条本身就是一种艺术,它们既有力道,又充满了柔和的韵味,即使用最朴素的颜料,也能组合出如此丰富的视觉效果。这本印刷品在色彩还原度上做得非常出色,那种传统的矿物颜料特有的沉稳厚重感,通过现代的印刷技术得以很好的再现,让人在欣赏的同时,也能感受到匠人精神的伟大。这本书简直是艺术爱好者的心灵绿洲,每一次翻阅都是一次精神上的洗涤与沉淀。

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从整体的审美高度来看,这本印刷品在现代艺术图书市场中无疑是一股清流。它没有追逐当下的流行元素,而是沉静地聚焦于一个特定的、具有深厚文化积淀的主题。这使得它具有一种持久的收藏价值,而不是那种看完一季就束之高阁的快消品。每次翻开,总能发现之前忽略的小细节,比如某个人物衣服上的一个小小印记,或者背景中一棵树的独特造型。这种反复探索的乐趣,正是一个优秀艺术画册的标志。它不只是一个图片集,更像是一个精心策展的微型画廊,将那个时代的艺术精髓浓缩在了有限的篇幅内。对于任何渴望提升自身艺术品味的读者,或者只是想在忙碌的生活中寻找一处视觉庇护所的人来说,这本画册都是一个非常值得的投入,它的价值远远超过了它所占用的书架空间。

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这本书让我重新审视了“版画”这种媒介的无限可能性。我们常常把版画等同于某种粗粝或刻板的印象,但通过这些大师之作,我看到了木刻刀在纸上可以完成的精微雕琢。那一个个细小的木纹,那些渐变的墨色过渡,简直让人怀疑这不是手工制作的,而是神灵的笔触。尤其是涉及到水波纹和云雾的处理,那种重复性的图案是如何通过不同的刻法,变幻出无穷无尽的形态?这背后体现的是工匠对材料的深刻理解和近乎偏执的耐心。阅读它,就像是进行了一次关于耐心和精度的冥想练习。对于任何从事设计、插画或者手工艺术的朋友来说,这本画册绝对是激发灵感和提升技艺的宝贵资源,它展示了如何在有限的工具下,创造出无限的视觉深度和情感表达。

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说实话,我对日本的传统艺术一直抱有敬畏之心,但很多画册过于学术化,读起来枯燥乏味。然而,这本印刷品在展示艺术魅力的同时,却保持了一种令人愉悦的亲近感。它没有冗长晦涩的文字介绍,而是通过作品本身与读者进行对话。这种“少即是多”的处理方式,非常适合那些希望单纯沉浸在视觉享受中的人。我发现自己常常会停留在某几张特定的作品前,不去想它们背后的历史典故,只是单纯地感受色彩和线条在画面上构建出的动态平衡。例如,那些描绘季节更迭的版画,春天那种嫩绿的生命力,秋天那种饱和的红黄色调,通过这种高品质的复制品,依然能激发出强烈的感官体验。这让我体会到,好的艺术品是具有跨越媒介限制的生命力的,它不一定需要厚厚的解读才能被理解,它的直观冲击力就是最直接的语言。

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