具体描述
Jazz is conducted almost wordlessly: John Coltrane rarely told his quartet what to do, and Miles Davis famously gave his group only the barest instructions before recording his masterpiece "Kind of Blue". Musicians are often loath to discuss their craft for fear of destroying its improvisational essence, rendering jazz among the most ephemeral and least transparent of the performing arts. In "The Jazz Ear", the acclaimed music critic Ben Ratliff sits down with jazz greats to discuss recordings by the musicians who most influenced them. In the process, he skillfully coaxes out a profound understanding of the men and women themselves, the context of their work, and how jazz from horn blare to drum riffs created conceptually. Expanding on his popular interviews for "The New York Times", Ratliff speaks with Sonny Rollins, Ornette Coleman, Branford Marsalis, Dianne Reeves, Wayne Shorter, Joshua Redman, and others about the subtle variations in generation, training, and attitude that define their music. Playful and keenly insightful, "The Jazz Ear" is a revelatory exploration of a unique way of making and hearing music.
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读后感
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用户评价
这本书的后记部分，处理得极其精妙，它并没有急于下一个总结陈词，而是将笔触转向了当代电子音乐和采样文化与传统爵士乐的对话。作者巧妙地论证了现代数字音乐制作中的许多“故障艺术”（Glitch Art）和即兴切片技术，其精神内核与上世纪三十年代的摇摆乐（Bebop）中的复杂对位和断裂式节奏有着惊人的同源性。他提醒我们，爵士乐的“精神”从未消亡，它只是换了一种更适应新时代媒介的方式存在着。这种对“传统”的现代性解读，避免了作品陷入怀旧的泥潭，而是展示了一种向前看的活力。读完最后一行字，我感受到的是一种强烈的，对未来声音的期许，而不是对逝去黄金时代的缅怀。这本书成功地架起了一座桥梁，连接了黑胶唱片的温暖颗粒感与云端流媒体的瞬时性，这在音乐评论界是相当罕见的洞察力。
评分这本书的视角极其大胆，它没有固守美国本土的叙事，而是深入探讨了爵士乐如何跨越大西洋，在欧洲和亚洲文化中引发的复杂反响和本土化改造。作者对二战后巴黎的“存在主义爵士”场景着墨颇多，细致描绘了战后一代知识分子如何将爵士乐视为反抗僵化体系的精神武器，以及这种舶来音乐如何被赋予了全新的哲学内涵。更让我眼前一亮的是对日本战后爵士复兴的分析，那里融合了西方现代主义和本土传统美学的独特张力，提供了一个审视文化移植与再创造的绝佳案例。这种全球化的视野，使得全书不再局限于一个地域或一个时代，而展现了爵士乐作为一种普世语言的强大生命力。它不再仅仅是“美国的”音乐，而是一个不断吸收、转化和重塑的动态文化实体。读完这部分，我深感音乐的边界远比我们想象的要模糊和开放得多，它像水一样，总能找到新的容器来承载自身。
评分坦率地说，这本书的篇幅令人望而生畏，但一旦翻开，那种引人入胜的细节就会将你牢牢锁住。作者对特定乐手——特别是那些常被主流叙事忽略的女性演奏家和非裔移民音乐家——的挖掘工作，值得所有人致敬。他没有将她们简单地塑造成“跟班”或“遗珠”，而是深入剖析了她们在父权和种族双重压迫下，如何通过音乐表达难以言说的内在冲突与坚韧。例如，书中对某位二战时期女乐团中低音提琴手的详尽描述，从她如何争取到使用男性乐器到她对音色的独特处理，都充满了人性光辉和对历史偏见的无声反抗。这种对边缘声音的尊重和细致呈现，使得整本书的文化意义得到了极大的提升，它不再仅仅是关于“听什么”，而是关于“谁被允许发声”的历史。我感觉自己仿佛进行了一次深入的社会田野调查，而不是在读一本音乐史。
评分这本书简直是音乐爱好者的一场盛宴，尤其是对于那些对二十世纪上半叶的城市声景抱有浓厚兴趣的人来说。作者以一种近乎考古学的细致，挖掘了爵士乐如何在特定的社会、经济和技术背景下萌芽、生长并最终扎根于美国文化土壤。他没有仅仅停留在对著名乐手生平和作品的罗列上，而是将焦点投向了那些声音背后的“空气”——录音技术的发展如何改变了乐手对即兴演奏的理解，以及唱片工业的商业运作如何塑造了不同流派的命运。我特别欣赏他对“失落的”早期录音的分析，那些带着嘶嘶声和失真的片段，在作者的笔下重新焕发出历史的温度和原始的生命力。他用生动的语言描绘了新奥尔良的街头景象，那种泥土味和汗水味混杂的场景，让人仿佛能亲耳听到早期布鲁斯和拉格泰姆的交融。这本书的价值在于它提供了一个宏大的叙事框架，让那些碎片化的音乐记忆得以串联，成为一部有血有肉的社会史。阅读过程中，我频繁地暂停下来，去寻找那些被提及的早期唱片，那种沉浸式的体验是纯粹的阅读无法比拟的。
评分我得说，这本书的叙事节奏处理得相当高明，它不像传统音乐传记那样线性平铺直叙，而是采用了多声部、交织并进的结构，这本身就带着一种爵士乐即兴的韵味。作者在描述某个关键历史节点时，会突然插入一段关于乐器制造工艺的侧写，比如萨克斯风的按键设计如何影响了某个特定演奏家的音色表现，这种跳跃和回归，反而增强了阅读的张力。最令人称道的是他对音乐理论的“非学术化”处理。很多音乐书籍往往堆砌艰涩的术语，让人望而却步，但在这里，复杂的和声进行和节奏变化被转化为日常的、可感知的体验。他解释“摇摆感”（Swing）时，用的不是复杂的数学公式，而是将其比喻为城市交通中那些微妙的错位和重新对齐，这种类比非常精准且富有画面感，让即使是初次接触爵士乐的读者也能抓住其核心的律动精髓。这本书读起来就像是在一个光线昏暗、烟雾缭绕的俱乐部里，听一位经验丰富的老乐手娓娓道来他的“秘诀”。
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