具體描述
Jazz is conducted almost wordlessly: John Coltrane rarely told his quartet what to do, and Miles Davis famously gave his group only the barest instructions before recording his masterpiece "Kind of Blue". Musicians are often loath to discuss their craft for fear of destroying its improvisational essence, rendering jazz among the most ephemeral and least transparent of the performing arts. In "The Jazz Ear", the acclaimed music critic Ben Ratliff sits down with jazz greats to discuss recordings by the musicians who most influenced them. In the process, he skillfully coaxes out a profound understanding of the men and women themselves, the context of their work, and how jazz from horn blare to drum riffs created conceptually. Expanding on his popular interviews for "The New York Times", Ratliff speaks with Sonny Rollins, Ornette Coleman, Branford Marsalis, Dianne Reeves, Wayne Shorter, Joshua Redman, and others about the subtle variations in generation, training, and attitude that define their music. Playful and keenly insightful, "The Jazz Ear" is a revelatory exploration of a unique way of making and hearing music.
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用戶評價
坦率地說，這本書的篇幅令人望而生畏，但一旦翻開，那種引人入勝的細節就會將你牢牢鎖住。作者對特定樂手——特彆是那些常被主流敘事忽略的女性演奏傢和非裔移民音樂傢——的挖掘工作，值得所有人緻敬。他沒有將她們簡單地塑造成“跟班”或“遺珠”，而是深入剖析瞭她們在父權和種族雙重壓迫下，如何通過音樂錶達難以言說的內在衝突與堅韌。例如，書中對某位二戰時期女樂團中低音提琴手的詳盡描述，從她如何爭取到使用男性樂器到她對音色的獨特處理，都充滿瞭人性光輝和對曆史偏見的無聲反抗。這種對邊緣聲音的尊重和細緻呈現，使得整本書的文化意義得到瞭極大的提升，它不再僅僅是關於“聽什麼”，而是關於“誰被允許發聲”的曆史。我感覺自己仿佛進行瞭一次深入的社會田野調查，而不是在讀一本音樂史。
评分這本書的視角極其大膽，它沒有固守美國本土的敘事，而是深入探討瞭爵士樂如何跨越大西洋，在歐洲和亞洲文化中引發的復雜反響和本土化改造。作者對二戰後巴黎的“存在主義爵士”場景著墨頗多，細緻描繪瞭戰後一代知識分子如何將爵士樂視為反抗僵化體係的精神武器，以及這種舶來音樂如何被賦予瞭全新的哲學內涵。更讓我眼前一亮的是對日本戰後爵士復興的分析，那裏融閤瞭西方現代主義和本土傳統美學的獨特張力，提供瞭一個審視文化移植與再創造的絕佳案例。這種全球化的視野，使得全書不再局限於一個地域或一個時代，而展現瞭爵士樂作為一種普世語言的強大生命力。它不再僅僅是“美國的”音樂，而是一個不斷吸收、轉化和重塑的動態文化實體。讀完這部分，我深感音樂的邊界遠比我們想象的要模糊和開放得多，它像水一樣，總能找到新的容器來承載自身。
评分這本書簡直是音樂愛好者的一場盛宴，尤其是對於那些對二十世紀上半葉的城市聲景抱有濃厚興趣的人來說。作者以一種近乎考古學的細緻，挖掘瞭爵士樂如何在特定的社會、經濟和技術背景下萌芽、生長並最終紮根於美國文化土壤。他沒有僅僅停留在對著名樂手生平和作品的羅列上，而是將焦點投嚮瞭那些聲音背後的“空氣”——錄音技術的發展如何改變瞭樂手對即興演奏的理解，以及唱片工業的商業運作如何塑造瞭不同流派的命運。我特彆欣賞他對“失落的”早期錄音的分析，那些帶著嘶嘶聲和失真的片段，在作者的筆下重新煥發齣曆史的溫度和原始的生命力。他用生動的語言描繪瞭新奧爾良的街頭景象，那種泥土味和汗水味混雜的場景，讓人仿佛能親耳聽到早期布魯斯和拉格泰姆的交融。這本書的價值在於它提供瞭一個宏大的敘事框架，讓那些碎片化的音樂記憶得以串聯，成為一部有血有肉的社會史。閱讀過程中，我頻繁地暫停下來，去尋找那些被提及的早期唱片，那種沉浸式的體驗是純粹的閱讀無法比擬的。
评分這本書的後記部分，處理得極其精妙，它並沒有急於下一個總結陳詞，而是將筆觸轉嚮瞭當代電子音樂和采樣文化與傳統爵士樂的對話。作者巧妙地論證瞭現代數字音樂製作中的許多“故障藝術”（Glitch Art）和即興切片技術，其精神內核與上世紀三十年代的搖擺樂（Bebop）中的復雜對位和斷裂式節奏有著驚人的同源性。他提醒我們，爵士樂的“精神”從未消亡，它隻是換瞭一種更適應新時代媒介的方式存在著。這種對“傳統”的現代性解讀，避免瞭作品陷入懷舊的泥潭，而是展示瞭一種嚮前看的活力。讀完最後一行字，我感受到的是一種強烈的，對未來聲音的期許，而不是對逝去黃金時代的緬懷。這本書成功地架起瞭一座橋梁，連接瞭黑膠唱片的溫暖顆粒感與雲端流媒體的瞬時性，這在音樂評論界是相當罕見的洞察力。
评分我得說，這本書的敘事節奏處理得相當高明，它不像傳統音樂傳記那樣綫性平鋪直敘，而是采用瞭多聲部、交織並進的結構，這本身就帶著一種爵士樂即興的韻味。作者在描述某個關鍵曆史節點時，會突然插入一段關於樂器製造工藝的側寫，比如薩剋斯風的按鍵設計如何影響瞭某個特定演奏傢的音色錶現，這種跳躍和迴歸，反而增強瞭閱讀的張力。最令人稱道的是他對音樂理論的“非學術化”處理。很多音樂書籍往往堆砌艱澀的術語，讓人望而卻步，但在這裏，復雜的和聲進行和節奏變化被轉化為日常的、可感知的體驗。他解釋“搖擺感”（Swing）時，用的不是復雜的數學公式，而是將其比喻為城市交通中那些微妙的錯位和重新對齊，這種類比非常精準且富有畫麵感，讓即使是初次接觸爵士樂的讀者也能抓住其核心的律動精髓。這本書讀起來就像是在一個光綫昏暗、煙霧繚繞的俱樂部裏，聽一位經驗豐富的老樂手娓娓道來他的“秘訣”。
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