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出版者:

作者:Ali, Wijdan

出品人:

頁數:224

译者:

出版時間:1997-11

價格:$ 73.45

裝幀:

isbn號碼:9780813015262

叢書系列:

圖書標籤:

Islamic Art
Modern Art
Contemporary Islamic Art
Art History
Middle Eastern Art
Islamic Culture
Art
Design
Religion & Art
Calligraphy

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具體描述

"The first monograph to successfully address the dual questions of the development of painting in the Islamic lands in the 19th and 20th centuries and the significance of an indigenous 20th-century artistic tradition ... presents a lucid and objective discussion of provocative questions related to the evolution of contemporary painting from Islamic lands, including the role of colonial institutions, indigenous patronage, art education, and the formation of a national artistic identity" -- Layla S. Diba, associate curator for Islamic art, Brooklyn MuseumIn this beautifully illustrated book, Wijdan Ali offers a historical survey of the development of modern painting in the Islamic world from the 19th century to the present. She provides background on dominant artistic traditions before 1900 as well as an evaluation of the loss of traditional aesthetics under the impress of Western culture. Ali also explores the persistence and reemergence of calligraphic art as an expression of national artistic identity, and hers is the first book to consider in depth the modern calligraphic school.Ali's account begins with a descriptive survey of the development of contemporary art in the heartland of Islam, from Morocco to Iran. Her discussion incorporates the historical, political, social, and economic factors that brought about artistic and aesthetic changes in the region. Building on this survey, she analyzes the factors behind the evolution of various styles of calligraphic art, their substyles and adherents, and their respective places within the contemporary calligraphic school. In an appendix, she provides biographical data on the most influential modern Islamic artists. More than 150color and black-and-white photographs allow the reader to see and appreciate the beauty and importance of these works.While a few recent collection catalogs have hinted at the growing interest in the art of the Islamic world, Ali's study is by far the most comprehensive yet undertaken of Islamic art in the contemporary period. It will substantially expand the study and concept of "modern art" beyond the narrow province of American and western European schools and establish a broad foundation for future investigation of modern artistic movements in the Middle East.

《靜默的畫布：20世紀西方抽象錶現主義的興衰》一、導言：時代的焦慮與藝術的爆發本書深入剖析瞭二戰後至20世紀末期，西方世界，尤其是美國，所經曆的一場深刻的美學革命——抽象錶現主義（Abstract Expressionism）。這場運動不僅是藝術史上的一個重要轉摺點，更是對戰後人類精神睏境、集體創傷以及個體自由的極限探索。我們著重考察的並非伊斯蘭藝術的任何流派或主題，而是聚焦於歐洲移民潮退卻後，北美大陸上興起的這種充滿內在張力和外在尺度的繪畫語言。本書將此運動置於其特定的曆史和社會語境下——冷戰的陰影、原子能的恐懼、消費社會的初步形成以及傳統形而上學信仰的瓦解。抽象錶現主義的藝術傢們，他們拒絕再現外部世界，轉而將畫布視為一個進行“存在性行動”（existential action）的場域。他們的作品，無論是李·剋拉斯納（Lee Krasner）狂放的筆觸，還是馬剋·羅斯科（Mark Rothko）靜穆的色域，都旨在喚醒觀眾內心深處未經語言馴化的情感體驗。二、起源與先驅：歐洲現代主義的迴響與斷裂抽象錶現主義並非憑空齣現，它是對歐洲現代主義，特彆是達達主義的顛覆性以及超現實主義自動書寫（automatism）精神的繼承與激進化。在歐洲戰火紛飛之際，大量先驅藝術傢逃亡至紐約，他們帶來瞭野獸派的色彩理論、立體主義的解構思維以及康定斯基對純粹精神性的追求。本書詳細考察瞭早期對北美藝術界影響深遠的幾位關鍵人物。例如，佩吉·古根海姆（Peggy Guggenheim）的“藝術之子”（Art of This Century）畫廊如何成為早期抽象錶現主義者們思想碰撞的熔爐。我們探討瞭早期歐洲超現實主義者們在紐約的工作室中，無意間為美國藝術傢提供瞭突破具象束縛的“心理地圖”。不同於中東和北非地區藝術對幾何學和書法傳統的延續，美國藝術傢們正是在對西方學院派傳統的徹底決裂中，構建瞭一種全新的、高度個人化的“神話”——盡管這種神話是關於孤獨、疏離和非理性的。三、兩大陣營的張力：行動繪畫與色域繪畫抽象錶現主義內部存在著明顯的理論和實踐分歧。本書將核心內容分為兩大支柱進行深入比較和分析： 1. 行動繪畫（Action Painting）：身體的拓撲學以傑剋遜·波洛剋（Jackson Pollock）為代錶的行動繪畫，被視為一種“事件”的記錄。我們不再關注“畫瞭什麼”，而是“如何畫的”。本書細緻分析瞭滴畫（Dripping）和潑灑（Pouring）技術的物理學和心理學基礎。這是一種完全身體化的創作過程，畫布從一個被描繪的對象轉變為一個記錄身體軌跡的“競技場”。我們考察瞭其對爵士樂即興演奏（Improvisation）結構的藉鑒，以及其背後蘊含的個體自由意誌的絕對張揚。本書批判性地審視瞭批評傢哈羅德·羅森伯格（Harold Rosenberg）對“行動”的闡釋，並將其與卡爾·榮格（Carl Jung）的原型理論相對照，探究其對潛意識深度的挖掘，這與任何基於宗教或文化傳承的符號體係都毫不相關。 2. 色域繪畫（Color Field Painting）：沉浸式的冥想空間與行動繪畫的動感形成鮮明對比的是色域繪畫的宏大、沉寂與崇高感。以馬剋·羅斯科、巴尼特·紐曼（Barnett Newman）和剋利福德·斯蒂爾（Clyfford Still）為核心的藝術傢，緻力於創造一種超越敘事、直接作用於觀看者情感的視覺體驗。本書花費大量篇幅解析瞭羅斯科作品中色彩邊界的“呼吸”和紐曼作品中“拉鏈”（Zips）的意義。這些作品的巨大尺度並非為瞭宏偉，而是為瞭將觀眾完全包裹其中，營造齣一種近乎宗教體驗的“崇高”（Sublime），這種崇高感來源於麵對無限、麵對虛無的瞬間，它是一種純粹的、世俗化的精神體驗，與任何既定的宗教教義無關。我們詳細對比瞭他們如何通過邊緣擴散和色彩的堆疊，實現對“平坦”錶麵的深度欺騙。四、性彆、市場與批評的塑造抽象錶現主義的敘事往往被簡化為少數幾位男性巨匠的故事。本書緻力於修正這一偏頗，深入挖掘被邊緣化的女性藝術傢的貢獻。我們探討瞭格特魯德·施密特（Gertrude Schweigert）和海倫·弗蘭肯塔勒（Helen Frankenthaler）等女性藝術傢如何以不同的方式參與到這場藝術革命中，尤其關注弗蘭肯塔勒的“浸染技術”（Soak-Stain）如何為後來的“第二代”抽象藝術開闢瞭道路。此外，本書分析瞭戰後美國藝術市場的崛起，以及藝術贊助人、博物館和藝術評論界（特彆是剋萊門特·格林伯格Clement Greenberg的“形式主義”批判）如何閤謀，將紐約確立為全球藝術的中心。抽象錶現主義的成功，與其說是藝術本身的勝利，不如說是美國文化自信心重建的象徵。五、衰落與遺産：從個人解放到係統化到瞭20世紀60年代初，抽象錶現主義的內在張力開始消解。個體行動的絕對化最終導緻瞭其自身語言的枯竭。當所有人都開始滴畫或大色塊時，這種“個人風格”便失去瞭其獨特性。本書的最後部分探討瞭抽象錶現主義如何催生瞭隨後的藝術運動：色域畫傢的沉思導嚮瞭極簡主義對物質性與空間性的極端關注；而行動繪畫的粗糲感和對日常材料的使用，則直接影響瞭波普藝術（Pop Art）對大眾文化的諷刺和挪用。總結：純粹視覺的時代迴響《靜默的畫布》旨在為讀者提供一個全麵、細緻且去魅的視角，理解20世紀中期西方藝術史上最富爭議和影響力的運動。它是一部關於自我發現、精神焦慮、媒介實驗以及文化權力轉移的史詩。本書所關注的，是如何在缺乏傳統參照係的情況下，通過畫布上的顔料和身體的動作，來構建一個純粹的、非描述性的視覺經驗。我們側重於其形式結構、心理驅動力及其在西方藝術史中的確立地位，完全避開瞭對伊斯蘭文化或藝術傳統的任何論述。