Sarah Bernhardt in the Theatre of Films and Sound Recordings pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Menefee, David W.

出品人:

页数:168

译者:

出版时间:2008-12

价格:$ 39.55

装帧:

isbn号码:9780786438822

丛书系列:

图书标签:

• Sarah Bernhardt
• Theatre
• Film
• Sound Recordings
• Performing Arts
• French Actress
• History of Theatre
• Early Cinema
• Celebrity Studies
• Biography
• Cultural History

好的，这是一份关于一本假定图书的详细简介，该书名为《舞台上的莎拉·伯恩哈特：电影与录音的回响》，但不包含您提到的那本关于莎拉·伯恩哈特在电影和录音中形象的书籍的任何内容。 --- 《银幕回响与无声的舞台：二十世纪初的表演艺术转型研究》 作者： 艾略特·范德比尔特 页数： 680 页（含索引与图版） 出版年份： 2023 年 导言：当剧院遇见技术——一个时代的剧变 本书深入探讨了二十世纪前三十年，欧洲和北美舞台表演艺术领域经历的深刻技术与美学革命。在这一时期，照相绘图技术、留声机、早期电影的出现，不仅为演员提供了新的展示平台，同时也从根本上挑战了传统剧场作为唯一艺术载体的地位。本书的焦点并非某一位特定的巨星，而是将目光投向那些在这一转型期中，其表演风格和公众形象受到录音技术和移动影像（非好莱坞黄金时代前期的实验性电影）双重影响的群像。我们考察的是“表演”本身如何从三维的、不可复制的现场体验，逐渐被二维的、可复制的介质所捕捉和重塑的过程。 范德比尔特教授的这部力作，旨在填补一个关键的历史空白：即在“电影明星”概念正式确立之前，舞台演员如何应对这些新技术对他们职业生涯和艺术完整性的冲击。本书细致梳理了档案记录、剧院管理者的备忘录、早期电影制作公司的商业信函，以及艺术评论中关于“声音的幻象”和“图像的永恒性”的辩论。 第一部分：现场的黄昏与录音的黎明（1900–1918） 第一章：留声机：舞台的幽灵声音 本章分析了留声机（Phonograph）如何首先侵入剧场领域。这并非关于录制一整部戏剧，而是关于那些专门为录制而生的“片段”和“独白”。我们关注了那些在录音室中，不得不学习如何使用和适应新的麦克风技术，却又拒绝完全放弃舞台的演员。讨论集中在“发音的尺度”——舞台上为了穿透千人剧场的洪亮声调，如何在微小的录音室中变得过于夸张或失真。通过对爱迪生公司和哥伦比亚唱片公司早期剧目目录的交叉分析，我们重建了早期录音对演员口音、节奏感和情感表达的微妙重塑。 第二章：早期的“活动图像”与舞台的移植 在电影技术尚未成熟的年代，许多剧团为了宣传或作为一种新奇的娱乐形式，开始与“活动图像”的先驱者合作。本章侧重于那些“舞台场景复现”（Stage Re-enactments）的现象。这些早期短片往往只记录了舞台布景中央的演员表演，镜头固定且缺乏现代电影的叙事技巧。范德比尔特认为，这恰恰暴露了传统舞台表演中对夸张手势和面部表情的过度依赖，因为这些在缺乏细微光影变化的早期胶片上显得尤为突出。我们考察了欧洲，特别是法、德两国在这一领域的实验，他们试图在录制“戏剧瞬间”时保持戏剧张力。 第三章：剧院老板的焦虑：知识产权与“第二次生命” 技术介质的出现引发了关于“表演权”的首次大规模法律和伦理辩论。本章通过分析当时主要的剧院联盟和演员工会的内部文件，揭示了剧院所有者对演员通过留声机和电影获得“第二次收入”的深切不安。我们探讨了关于“剧本的临时性”与“录音的永久性”之间的哲学冲突，以及对“扮演同一个角色过多次数”的职业倦怠问题。 第二部分：默片时代的表演法则与声音的缺失（1918–1927） 第四章：面孔的语言学：默片中的非口语表演 在默片时代，舞台演员的表演逻辑被彻底颠覆。本章细致对比了舞台演员在“声音缺失”的环境下，如何将其表演转化为一种基于视觉符号和身体几何学的语言。我们分析了当时表演训练手册中关于“眼睛表演”（Eye Acting）和“光影下的面部塑形”的章节。这不是关于谁是明星，而是关于那些被塑造成“视觉符号”的表演方式如何脱离了原有的戏剧语境，成为一种新的、更依赖于导演和剪辑的艺术。 第五章：录音棚外的“声音”：配乐与舞台情感的外部化 虽然电影本身是无声的，但电影院提供的现场配乐（Live Orchestration）和配音员（Choristers）构成了早期电影的“声音景观”。本章探讨了这些外部声音元素如何影响观众对演员表演的解读。例如，特定交响乐段或现场宣布的字幕旁白，如何塑造了对角色性格的理解，有时甚至与其舞台上的设定相悖。这部分包含了对1920年代初纽约和巴黎大型电影宫殿的声学环境重建。 第六章：跨界者的困境：从舞台回归的难度 随着电影工业的成熟，许多依赖于传统舞台技巧的演员发现，他们在默片时代建立的声誉难以转化为长期职业。本章研究了那些在技术转型中“失败”的案例——并非指他们不具天赋，而是他们的表演方法过于依赖现场的共鸣和声音的厚度，以至于无法适应镜头语言的内敛要求。这揭示了技术进步对职业寿命的无情筛选作用。 第三部分：声音重返——一个新纪元的序曲（1927年之后） 第七章：声音的回归与表演的“去戏剧化” 随着有声电影的出现，曾经的舞台表演者再次面临巨变。本章对比了舞台演员的“发声”与“电影演员的发声”。当声音重新被捕捉时，早期倾向于夸张的舞台发音反而被视为矫揉造作。本部分着重分析了那些成功转型的艺术家，他们是如何在保留舞台底蕴的同时，学会了“用麦克风说话”的艺术，即表演的“去戏剧化”（De-dramatization）。 第八章：档案的命运：技术与记忆的不可靠性 本书最后总结道，无论是早期的留声机录音，还是早期的电影胶片，都只是现场表演的“破碎的残片”。它们作为历史证据的可靠性，受到当时记录技术局限的严重制约。范德比尔特主张，我们对这些“介质中的表演”的理解，始终是一种对已逝现场的理性重构，而非直接的重现。 结论：表演的“空气”与介质的“重量” 《银幕回响与无声的舞台》最终提供了一个关于表演艺术“物质性”的深刻思考。舞台表演占据物理空间和时间，拥有即时性；而电影和录音则拥有可复制的重量和穿越时间的潜力。本书通过对技术变革中演员和艺术生态的细致考察，为理解二十世纪初艺术传播的复杂性提供了坚实的学术基础。本书对于研究表演史、媒介考古学以及声音文化史的学者而言，是一部不可或缺的参考著作。 --- 本书特色： 独家档案： 首次公布了十余份来自私人收藏的早期剧院合同和录音艺术家肖像。 理论框架： 引入了“可捕捉性阈限”（Capturability Threshold）概念，用于衡量不同表演风格对早期录制技术的适应性。 丰富的视觉材料： 包含五十余张早期舞台布景照片、录音棚内部草图，以及电影片段的剧照，用以辅助分析表演的物理环境。

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