Films of Stan Brakhage in the American Tradition of Ezra Pound, Gertrude Stein and Charles Olson, Th

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出版者:Wilfrid Laurier University Press
作者:R. Bruce Elder
出品人:
页数:583
译者:
出版时间:1999-01-07
价格:USD 85.00
装帧:Hardcover
isbn号码:9780889202757
丛书系列:
图书标签:
  • Stein
  • Gertrude
  • Stan Brakhage
  • 实验电影
  • 美国电影
  • 现代主义
  • 诗歌
  • 文学
  • Ezra Pound
  • Gertrude Stein
  • Charles Olson
  • 电影理论
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这本书的行文风格极其跳跃,时而是严谨的脚注体系下的学院派论证,时而又突然转向一种近乎散文诗的自由联想,仿佛作者在写作过程中,也在进行着某种意识流的实验。在某几个章节,作者对光线折射和胶片颗粒的描述,达到了令人眩晕的细致程度,每一个形容词都经过了千锤百炼,力求精准捕捉到短暂的视觉瞬间。然而,这种对细节的极致追求,却常常导致叙事的断裂。读者需要具备极强的耐心和对电影史的背景知识,才能跟上这种高频率的思维跳跃。我好几次不得不停下来,查阅那些被引用的、但未加解释的电影术语或艺术流派。这本书的阅读体验,与其说是在“阅读”,不如说是在“破译”一种高度加密的信息。它要求读者主动地去弥补作者留下的知识断层,这对于提升个人学识固然有益,但对于一本旨在普及或介绍某位大师的专著来说,未免显得有些苛刻了。

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这部作品的篇幅之宏大,简直让人望而生畏,光是标题就足以构成一篇微型的学术论文了。我花了整整一个下午,试图在目录中理清作者的思路,但发现它更像是一张迷宫般的思维导图,而非传统的文本结构。作者似乎对“美国传统”的定义有着一种近乎偏执的执着,试图用某种晦涩的、高度精英化的视角来重新梳理一众先锋电影人的创作脉络。阅读过程中,我不断地在卡尔·范·特尔的电影理论、旁白中那些对音韵的精妙分析,以及对某个特定镜头光影角度的冗长描述之间来回跳转。老实说,那些关于“物质性”和“时间切片”的讨论,虽然听起来充满了学术光环,但对我这样一个追求直接观影体验的观众来说,显得过于抽离和晦涩难懂。它更像是一本写给少数几个深谙此道的研究者看的“密码本”,而不是一本能引导大众走进布拉哈吉的影像世界的导览手册。每一次试图抓住一个核心论点,它都会像沙子一样从指缝间溜走,留下满手的理论碎片。我感觉作者花费了大量篇幅在建立他个人的哲学框架上,而非真正深入剖析电影本身带来的震撼。

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说实话,我本来是冲着“埃兹拉·庞德”这个名字来的,期待能看到一些关于意象派诗歌结构如何影响早期实验电影构图的直接对比。但失望的是,庞德和奥尔森的影子,更多地是以一种若有似无的哲学暗示存在于文本的肌理之中,而非清晰可见的论据支撑。作者似乎更倾向于用一种“精神继承”的概念来搭建桥梁,而不是去展示具体的文本对应关系。通篇读下来,我更像是参与了一场关于“何为美国声音的本质”的哲学辩论,而布拉哈吉的电影,更像是这场辩论中被用作例证的那个“不可被言说的主体”。这种处理方式,使得书中大量关于电影制作技术或幕后故事的实际信息变得稀薄。对于那些想要了解布拉哈吉是如何“做”电影的读者而言,这本书提供的帮助微乎其微,它更关注于电影“被如何思考”的层面。如果说庞德教会了我们如何“使之成新”(Make it New),这本书却似乎更热衷于告诉我们,这个“新”是如何在历史的尘埃中被精确定义的。

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我在尝试理解作者如何将斯坦·布拉哈吉置于查尔斯·奥尔森的“地方主义”(Projective Verse)的框架下去考察时,感受到了最大的认知冲突。奥尔森强调的“以事物为中心”和“呼吸的节奏”,似乎被作者在应用于影像时,转化成了一种近乎形而上学的探索。全书弥漫着一股对“美国精神”在影像中具象化的强烈渴望,但这种渴望的表达方式,却异常的抽象和迂回。它更像是一系列嵌套的理论盒子,你打开一个,里面又藏着另一个,永远无法触及到最核心的那个“盒子”——也就是电影本身带来的原始情感冲击。我希望读到的是关于布拉哈吉如何挑战观众的生理极限,如何用运动来重新定义银幕空间,而不是这样一篇近乎对“美国文化自洽性”进行辩护的宏大叙事。这本书无疑是学术界的一块硬骨头,但对于我这样一个渴望直接体验光影艺术的影迷来说,它提供的是一份厚重的理论地图,而非通往电影殿堂的钥匙。

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这本书的装帧设计倒是颇具巧思,那种粗粝的纸张和深沉的墨色,似乎在刻意模仿上世纪中叶那些独立出版物的质感,带有一种反商业的、知识分子的傲慢姿态。然而,这种表面的“复古”与内容上的“前卫”之间,形成了一种奇特的张力。我尤其关注到作者在论述中对声音和静默的处理,他似乎非常热衷于将电影视为一种纯粹的“视听事件”,并用近乎诗歌的语言去解构每一个闪现的画面。这让我想起了某个时代对艺术“纯粹性”的近乎苛刻的要求。但问题在于,当所有感官体验都被拆解成最基本的粒子进行分析时,作为读者的我,反而失去了那种沉浸于光影魔术中的原始冲动。我仿佛被架在显微镜下,而不是坐在黑暗的影院里。这种过度智性化的解读,像一层厚厚的玻璃,隔断了情感的直接交流。我期待的,是一场关于视觉革命的探讨,得到的确是一篇关于媒介本体论的冗长讲座。

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