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出版者:武汉大学

作者:汤晓颖 吴羚翎 编著

出品人:

页数:153

译者:

出版时间:2010-2

价格:45.00元

装帧:

isbn号码:9787307073869

丛书系列:

图书标签:

• 动漫
• 教材
• 动画创作
• 思维训练
• 艺术表达
• 视觉叙事
• 剧本设计
• 角色塑造
• 动画技法
• 创意构思
• 叙事结构
• 表现形式

《光影的魔法：探索视觉叙事的无限可能》 本书并非一本关于动画创作流程、技术技巧或特定软件使用的指南。它不深入剖析分镜脚本的绘制要领，也不会详细讲解三维建模的步骤，更不会涉及后期合成的复杂技术。你找不到关于如何绘制表情、设计角色骨骼、或者实现流畅动作的具体教程。 相反，《光影的魔法》是一次深入人心的视觉语言探索之旅。它旨在揭示那些潜藏在每一个引人入胜的故事背后，那些不言自明却能触动灵魂的表达方式。本书关注的，是那些能够超越具体媒介限制，直击观众内心的情感共鸣与意义传达。 我们将一同审视那些经典影像作品，并非从技术角度拆解其精妙之处，而是去感受它们如何运用光影的明暗对比来塑造氛围，如何通过构图的疏密和节奏来引导观众的视线，如何依靠色彩的冷暖和饱和度来烘托情绪。你不会学到如何用某个软件调出某种光效，但你会理解为什么某种光效能够营造出压抑、希望、神秘或温馨的感觉。 我们会探讨空间与景别的力量。例如，广角镜头如何将人物置于宏大的环境中，凸显其渺小或孤寂；特写镜头又如何放大细微的表情，传递人物内心的波澜。本书不会教授你“如何拍摄一个广角镜头”，而是会引领你思考“在什么情境下，使用广角镜头能够更有效地传达故事的意境”。 节奏感，这个抽象的概念，将是本书的核心关注点之一。我们不讨论剪辑点的选择，而是去感受画面切换的速度、长短镜头之间的对比所产生的张力。一个快速剪辑的蒙太奇可能传递的是信息的洪流和高涨的情绪；而一个长镜头则可能允许观众沉浸在某个时刻，体验人物的内心独白。你不会获得剪辑技巧的指导，但你会学会辨别和欣赏不同节奏所带来的叙事效果。 色彩的运用，同样不是技术层面的调色板，而是情感的语言。为何某些电影使用冷色调来表现疏离和悲伤，而另一些则用暖色调来渲染亲密和幸福？本书将引导你理解色彩背后的心理学意义和文化象征，思考色彩如何潜移默化地影响观众的情感体验，如何构成画面的情绪基调。 此外，本书还会探讨“留白”和“暗示”的艺术。很多时候，一个故事的强大之处不在于将所有信息和盘托出，而在于留给观众想象的空间。一个不经意间的眼神，一个前景模糊的处理，一个略显夸张的姿态，都可能成为叙事的催化剂，引发观众的主动思考和情感代入。我们将一起学习如何欣赏那些“未完成”的表达，以及它们如何构建出更深刻的意义。 “表情”在这里，不是指面部肌肉的运动，而是指整个画面所传达出的情绪状态。一个被阴影笼罩的场景，可能“表情”是沉重和不安；一个明亮的房间，可能“表情”是轻松和喜悦。我们将学习如何解读这些“画面的表情”，并理解它们如何与故事的主题相辅相成。 《光影的魔法》更像是一次邀请，邀请你放慢脚步，用心去“看”，用情去“感受”。它鼓励你打破对媒介的固有认知，去发现那些跨越形式的、共通的视觉表达力量。无论你是一名对视觉叙事感兴趣的初学者，还是希望深化理解的创作者，本书都将为你提供一个全新的视角，去审视那些触动你心灵的影像作品，并从中汲取启发，提升你对视觉语言的感知能力和理解深度。这是一场关于“如何让画面说话”的哲学思考，一场关于“如何用视觉构建情感与意义”的深度对话。

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我是一个有点完美主义倾向的创作者，常常卡在“如何让我的点子更吸引人”这个环节。《XXX》在这一点上给予了非常清晰的指引。它没有试图灌输一种固定的“成功公式”，而是提供了一套灵活的评估体系。这本书的价值在于，它教你如何批判性地审视自己的作品，找出那些“无声的漏洞”。比如，在讨论剧本节奏时，它提供了一个关于信息释放与角色行动之间的张力模型，这个模型非常精妙，它帮助我识别出自己作品中那些“拖沓”或“过于仓促”的部分。更重要的是，它强调了“表达”的有效性，即你脑海中那个惊艳的画面，如何才能不打折扣地、清晰有力地传递给观众。那种对“沟通效率”的关注，远超我预期的范围，让我意识到，一个好的创作者，首先必须是一个出色的沟通者。

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说实话，我买这本书的时候，心里是抱着怀疑态度的，毕竟市面上关于“创意”的书籍太多了，很多都只是空泛的口号和华丽的辞藻堆砌。但《XXX》的叙述风格，如同一个经验丰富的老匠人，拿着他的工具箱在你面前，不炫技，只是慢条斯理地演示每一种工具的用法和适用场景。我特别欣赏它在“视觉语言”和“情绪传达”上所下的功夫。作者没有停留在简单的“颜色代表心情”这种浅薄的层面，而是深入探讨了构图、光影、视角切换是如何协同作用，一起烘托特定情感的。我记得有一章专门讲了如何利用前景、中景、背景的空间层次来制造压迫感或开阔感，那简直是醍醐灌顶。它不是告诉你“要这么画”，而是告诉你“当你想要达到这个效果时，视觉上应该如何布局”。这种深度和实用性的结合，让我感觉自己仿佛有了一份随时可以查阅的“创作工具手册”，而不是一本读完就扔一边的“心灵鸡汤”。

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读完这本书，我最大的感受是它极大地拓宽了我对“媒介”的理解。我原本的关注点主要集中在特定的二维平面创作上，但《XXX》却以一种非常宏大的视角，探讨了叙事在不同载体中如何进行转译和优化。它并没有将动画创作局限在单一的流程中，而是将其视为一个跨学科的综合体，涉及了心理学、舞台设计乃至电影剪辑的原理。书中对“动态捕捉”和“非线性叙事”的讨论，虽然晦涩但极富启发性，它引导我去思考，如果将传统叙事的手法应用到全新的技术媒介中，会产生什么样的化学反应。这本书的视野之广，让我开始跳出自己熟悉的舒适区，去探索那些尚未被充分发掘的表达可能性。它不仅是关于“怎么做”，更是关于“可以做什么”的哲学探讨。

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这本书的排版和案例选择非常考究，这使得阅读过程本身也成为一种享受。我发现它在解释复杂的概念时，总能找到一个恰到好处的、来自不同时代或不同文化背景的优秀范例进行佐证，这使得理论不再是空中楼阁。尤其是一些关于“意境塑造”的章节，作者引用了大量非西方艺术的元素来阐述东方美学在现代动画中的应用，这一点对我这种喜欢融合多元文化背景的创作者来说，简直是宝藏。它没有那种高高在上的说教感，反而像是一位博闻强识的导师，通过分享他自己大量的阅读和实践经验，潜移默化地提升读者的审美阈值。每次读完一个章节，我都会忍不住去翻阅过去看过的那些经典作品，用这本书里学到的新视角重新审视它们，总能发现新的惊喜。

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这本厚重的《XXX》简直是打开了我对这个艺术领域认识的一扇全新的窗户。我一直以为所谓的“创作”就是凭空想象，然后把脑子里的东西画出来，但这本书让我意识到，在这背后其实有着一套系统化的、可以被拆解和学习的思维框架。它不像那种枯燥的理论教材，而是用一种非常直观的方式，把那些看似玄妙的“灵感”落地成可操作的步骤。比如，它详细分析了如何从一个非常微小的生活细节中提炼出核心冲突，然后如何构建一个能够支撑起一个完整故事的世界观。书中那些关于角色动机和情感深度的剖析，尤其让我受益匪浅，我以前总觉得角色“应该”这样做，但这本书告诉我为什么他们“必须”这样做。它不是在教你画什么，而是在教你如何“思考”一个故事应该如何生长，那种从混沌到有序的构建过程，真是令人着迷。那种对细节的执着和对逻辑的严谨，让原本松散的构思变得坚实有力，读完之后感觉自己看任何作品都会下意识地去分析它的内在骨架，非常过瘾。

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动画思维=设计思维。探索，学习，积累，隐喻，模仿，记忆

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9.25周日借 10.25还

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