La Peinture Française

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出版者:Parkstone International
作者:Collectif
出品人:
页数:255
译者:
出版时间:2006
价格:9.95€
装帧:hardcover
isbn号码:9781859951057
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术
  • 法国
  • F
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具体描述

《火焰的印记:文艺复兴晚期意大利雕塑的革新与张力》 一、绪论:时代的断裂与精神的觉醒 本书深入剖析了十六世纪,特别是自米开朗基罗晚期风格确立至巴洛克初期兴起的这段关键时期,意大利雕塑艺术所经历的剧烈变革。这不是一次平稳的演进,而是一场充满内在矛盾和外部压力的精神洗礼。在宏大叙事逐渐瓦解,宗教改革的阴影笼罩欧洲的背景下,雕塑家们不再满足于古典和谐的完美表述,而是转向探索人类内在的动荡、信仰的危机以及肉体与灵魂交织的复杂性。本书将聚焦于“样式主义”(Mannerism)的成熟阶段如何充当了古典主义的终结与巴洛克动态美学的序曲,详细梳理这一过渡期内,艺术家们如何在对“美”的传统理解上打下深刻的、甚至带有焦虑色彩的印记。 我们将追溯这一时期雕塑的地域性差异,从佛罗伦萨的宫廷精微,到罗马的教廷宏伟,再到威尼斯的松弛与感性,揭示不同文化中心如何塑造了雕塑形式的语言。 二、样式主义的“挣扎之美”:形式的拉伸与情感的内敛 样式主义雕塑的核心特征在于其对“自然”的超越和对“人工性”的极致追求。本章将详细解读这一流派如何颠覆了文艺复兴盛期的平衡原则。 1. “蛇形”的普及与动态的悖论: 我们将分析詹波隆那(Giambologna)的《劫持萨宾妇女》等代表作,研究其环绕式构图如何迫使观者不断移动,以完成对作品的完整感知。这种动态并非源于行动的爆发,而是源于形体的内在扭曲和拉伸,它体现了一种优雅的、却又难以言喻的紧张感——雕塑仿佛被困在了一个永恒的、尚未完成的瞬间。我们将探讨这种“悬而未决”的状态如何反映了人文主义理想破灭后的精神困境。 2. 比例的异化与人体的诗意: 雕塑家们开始故意拉长人物的躯干、纤细化四肢,以营造一种飘逸、非尘世的美感。这种对人体比例的系统性偏离,并非是技艺的欠缺,而是一种审美的选择,意在表达超越肉体限制的精神渴望。我们将对比早期文艺复兴的扎实结构与样式主义的轻盈骨架,论证这种形式上的“不自然”如何服务于一种更高层次的、哲学性的表达。 3. 材质的对话与表面的细腻: 样式主义时期,大理石的打磨达到了前所未有的细腻程度。皮肤、布料的质感被处理得如同丝绸或蜡烛,这种对表面细节的迷恋,反映了艺术家对技艺本身的骄傲,同时也为后来的巴洛克对光影的戏剧化运用埋下了伏笔。本书将对比不同雕塑家(如本维努托·切利尼)在处理材质上的个性化痕迹。 三、宗教的重塑与精神的渴求:反宗教改革背景下的雕塑使命 特伦特会议(Council of Trent)之后,天主教会对艺术的要求愈发明确:艺术必须清晰、感人、具有说服力,以对抗新教的禁欲主义。这为雕塑艺术带来了新的使命,即“情感的激化”。 1. 殉道与虔诚的具象化: 雕塑家们开始寻找新的方式来表现圣徒的狂喜、殉教者的痛苦以及神迹的震撼。不同于盛期文艺复兴的克制,这里的悲伤和狂喜是外露且具有煽动性的。我们将分析一些早期巴洛克倾向的作品如何开始运用更直接的眼神交流和更剧烈的肢体语言来俘获信徒的心灵。 2. 神圣叙事的剧场化: 雕塑开始走出传统壁龛的限制,融入建筑空间,创造沉浸式的“神圣剧场”。群体雕塑和带有复杂叙事场景的作品增多。这不仅是空间技术的挑战,更是对观者心理参与度的全新要求。 四、从青铜到大理石:技术的突破与材料的象征意义 本章专注于技术层面的探讨,这些技术进步直接推动了风格的演变。 1. 大型铸铜雕塑的复兴: 尽管青铜铸造技术在古罗马后有所衰退,但样式主义晚期和巴洛克初期,尤其在教皇的大力支持下,大型青铜雕塑再次成为权力与财富的象征。本书将详细探讨失蜡法在这一时期的改进,以及大型青铜雕塑在公共空间中取代传统大理石的意义。 2. 大理石的“软化”处理: 雕塑家们掌握了惊人的技巧,能够在大理石上表现出肉体的柔软、泪水的晶莹甚至头发的蓬松。这种对惰性材料的绝对控制,使得雕塑在视觉上达到了惊人的“生命感”。我们将分析这种技术上的胜利,如何反过来挑战了古典雕塑中强调材料本质的原则。 五、地理的辐散:罗马之外的雕塑中心 虽然罗马和佛罗伦萨是主要的风向标,但其他地区也发展出了独特的雕塑语言。 1. 帕多瓦与北方的影响: 北意大利地区,特别是威尼斯,其对色彩和光影的敏感性渗透到了雕塑之中,使得雕塑更具装饰性和叙事性,与中部的“纯粹”形式保持了距离。 2. 西班牙的“狂热”前奏: 简要提及西班牙雕塑在对情感表达上的极端倾向,这标志着意大利风格在向更具戏剧性和宗教狂热的巴洛克形态演变过程中的跨文化互动。 六、结论:通往巴洛克的大门 十六世纪的意大利雕塑是一段充满矛盾的时期:它在形式上追求人工的极致与优雅,在精神上却试图回归宗教的震撼与情感的真实。样式主义的“不安分”并非终点,而是为下一世纪巴洛克雕塑对宏大叙事、空间穿透和感官刺激的全面爆发,搭建了不可或缺的技术和概念平台。本书试图证明,理解这一时期的“挣扎之美”,是理解巴洛克艺术如何以一种近乎爆炸性的方式诞生的关键。

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