具体描述
《供用电常识》内容简介：《国家电网公司生产技能人员职业能力培训教材》是按照国家电网公司生产技能人员标准化培训课程体系的要求，依据《国家电网公司生产技能人员职业能力培训规范》(简称(培训规范》)，结合生产实际编写而成。
本套教材作为《培训规范》的配套教材，共72册。本册为通用教材的《供用电常识》，全书共五章、24个模块，主要内容包括供电系统，用电负荷，客户供电系统，安全用电常识，节约用电常识等。
《供用电常识》是供电企业生产技能人员的培训教学用书，也可以作为电力职业院校教学参考书。
《光影流转：经典电影艺术鉴赏》 内容概要： 本书旨在为电影爱好者提供一套系统且深入的经典电影鉴赏指南。它并非简单的影片名录或技术参数堆砌，而是侧重于剖析电影艺术的内在肌理，从叙事结构、视觉语言、音画设计乃至时代背景等多个维度，解读那些经受住时间考验的伟大作品。全书分为五个核心部分，循序渐进地引导读者从“看电影”跨越到“读懂电影”。 --- 第一章：银幕的诞生与视觉的语法——默片时代的奠基与早期电影的语言探索 本章追溯了电影艺术的源头，重点考察了从卢米埃尔兄弟的纪实性捕捉到格里菲斯对蒙太奇手法的系统化运用这一关键转型期。我们深入分析了默片时期，在缺乏同步声音的情况下，导演如何仅凭画面调度、景别变化和表演张力来构建复杂的情感叙事。 重点解析影片范例： 《一个国家的诞生》（The Birth of a Nation）： 探讨其在剪辑技法上的突破性贡献（如平行剪辑、特写镜头的使用），同时也批判性地审视其伴随的社会争议。 卓别林与基顿的作品： 聚焦于“肢体喜剧”与“悲剧内核”的完美融合。分析卓别林如何通过“流浪汉”这一符号性角色，在夸张的肢体动作中传达小人物的尊严与无奈。基顿的特技和对机械场景的运用，则揭示了早期电影对物理空间掌控的极致追求。 核心概念阐述： 景别（Shot Scale）的心理暗示作用、初级叙事结构（线性叙事）、场面调度（Mise-en-scène）的舞台化倾向。 --- 第二章：有声时代的降临与类型片的成熟——好莱坞黄金时代的叙事范式 随着有声电影的出现，电影的创作重心从纯粹的视觉冲击转向了对白、音乐与叙事节奏的精妙平衡。本章集中探讨了二十世纪三、四十年代好莱坞的“工作室制度”如何催生出高度成熟且深受大众喜爱的电影类型。 类型片深度剖析： 1. 黑色电影（Film Noir）： 详细考察了其视觉风格（低调照明、阴影运用）、人物原型（蛇蝎美人、宿命论的男主角）以及对战后社会焦虑的反映。例如，对《马耳他之鹰》中模糊的道德边界的分析。 2. 西部片（Western）： 分析西部片如何构建了一个关于文明与蛮荒、秩序与自由的美国神话。重点解析约翰·福特的构图如何将人物融入广阔的自然景观，赋予其史诗感。 3. 歌舞片（Musical）： 探讨歌舞场面如何从纯粹的娱乐元素升华为推动情节或表达人物潜意识情感的叙事工具，特别是对巴士比·伯克利（Busby Berkeley）几何学式编排的视觉分析。 技术焦点： 景深镜头（Deep Focus）的运用（如奥逊·威尔斯在《公民凯恩》中对空间纵深的强调），以及声音设计如何开始在营造氛围上发挥主导作用。 --- 第三章：超越边界与反叛传统——欧洲现代主义电影的先声 本章转向欧洲大陆，聚焦于二战前后至六十年代，一批电影人如何挑战好莱坞的经典叙事规范，探索电影的主观性、作者性以及对社会现实更尖锐的表达。 主要流派研习： 意大利新现实主义（Italian Neorealism）： 强调使用非专业演员、实景拍摄以及对社会底层生活毫不掩饰的记录。分析罗西里尼和德·西卡的镜头如何将道德困境置于社会结构冲突的背景之下。 法国新浪潮（Nouvelle Vague）： 深入探讨“作者论”（Auteur Theory）的形成，以及导演如何通过跳切（Jump Cuts）、手持摄影和即兴表演，将个人的主观情绪和创作意图最大化地注入作品。对戈达尔打破第四面墙的实验性叙事手法进行详细解读。 瑞典电影大师的沉思： 探讨伯格曼如何通过极简的布景、极端的特写，直面信仰的缺失、人性的隔阂和死亡的必然性，将电影提升至哲学思辨的高度。 核心议题： 电影的主体性表达、对时间连续性的打乱、以及对“意义”的开放式处理。 --- 第四章：感官的解放与叙事的重构——新好莱坞与世界电影的实验浪潮 六十年代末至七十年代，电影界迎来了一场深刻的变革。本章关注成熟的导演群体如何运用更自由的镜头语言，解构既有的道德体系，并以更具个人色彩的方式重塑叙事。 关键转变与案例： 作者性回归： 探讨科波拉、斯科塞斯、斯皮尔伯格等“电影学校一代”如何吸收欧洲现代主义技巧，并将其融入到高成本的商业制作中。分析《教父》系列中对权力腐蚀的史诗性描绘，及其对经典好莱坞家庭剧母题的颠覆。 反类型片的兴起： 考察如何通过颠覆传统类型片的核心要素，来表达对既有社会秩序的反思，例如对西部片神话的彻底解构。 非线性叙事与心理深度： 聚焦于那些故意模糊时间顺序和现实界限的影片，如安东尼奥尼的疏离感表达或塔可夫斯基对记忆与精神空间的诗意探索。着重分析镜头运动（如“旋转镜头”或“固定长镜头”）如何成为表达角色内在体验的直接工具。 技术视角： 摄影材料的革新（更具颗粒感的胶片）对影片整体氛围的影响。 --- 第五章：数字时代的重塑与跨媒介的未来——当代电影的趋势与挑战 进入九十年代至今，数字技术和全球化浪潮深刻地改变了电影的制作、发行和观看方式。本章讨论当代电影艺术在面对媒介融合时的挑战与机遇。 当代现象分析： 1. 视觉特效的主导与局限： 审视CGI技术如何解放了想象力的边界，但同时也可能导致对原创叙事和扎实表演的削弱。 2. 国际电影的崛起与文化对话： 探讨以亚洲（如韩国、伊朗）为代表的非西方电影，如何在保留自身文化独特性的同时，在全球舞台上展现出强劲的艺术生命力。分析其叙事节奏和主题对西方观众的冲击。 3. 后现代的戏仿与元叙事： 研究当代电影如何频繁地引用、戏仿甚至解构自身的历史，探讨电影对“真实”这一概念的持续质疑。 总结与展望： 本章最后将对未来电影艺术可能的发展方向进行探讨，强调无论技术如何演进，优秀的电影始终根植于对人类经验的深刻洞察和创作者独特的表达意愿。 --- 本书特点： 理论与实例紧密结合： 每一章的理论探讨均配有十余部经典影片的详尽案例分析，确保读者能将抽象概念落实到具体的银幕影像中。 注重“为什么”而非“是什么”： 避免了对剧情的流水账式复述，而是聚焦于导演的创作动机、技术选择背后的艺术逻辑。 覆盖时间跨度广： 从电影的萌芽期到数字时代的多元发展，为读者建立起一部完整的电影艺术史脉络。 批判性思维培养： 鼓励读者不仅要欣赏电影的技巧，更要学会审视影片所承载的意识形态和时代局限。 适合读者： 电影专业学生、资深影迷、以及所有渴望深入了解电影这门综合艺术的普通观众。
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