詹忠效线描画选

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出版者:江苏人民出版社
作者:詹忠效
出品人:
页数:108页
译者:
出版时间:1983年8月
价格:1.40元
装帧:平装
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丛书系列:
图书标签:
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具体描述

《詹忠效线描画选》序

顾炳鑫

詹忠效同志的《线描画选》出版了,这可以说是解放后第一本个人的线描画选。我向他祝贺。

中国传统绘画是以线描为基础的,用线描加上级擦渲染或再施以颜色的成为一宗;用纯粹线描的也自成为一宗。线描而不加渲染或略施渲染的,也可名之为白描。线描在历代画家

的实践中,在不断发展中出现很多优秀的不朽名作。如吴道子的《释迎降生图卷》、李公麟的《维摩像》、武宗元的《八十七神仙卷》等。在我国木板印刷术问世和元、明两代戏曲小说勃起后,为刊印画册、画集和插图提供了广阔的园地;从而也促进了线描画更大发展。各种形式、风格、流派的线描作品大量涌现,出现了象《顾氏画谱》、《唐诗画谱》、《诗余画谱》、《水游叶子》、《凌烟阁功臣图》等一批优秀的线描画集、画册。还出现了如《西厢》、《琵琶》、《三国》、《水浒》等一系列篇幅多、质量高、风格通异的线描文学作品插图。这些作品不仅是我国民族美术宝库的瑰宝,也是我们今天在发展社会主义美术事业中继承民族传统、吸取传统营养的宝贵遗产。

解放后,社会主义文学艺术事业的新发展,推动了美术插图艺十和新连环画的发展。插图和连环画的兴旺,又促进了线描画的新繁荣。而今天在插图、连环画中的线描艺术,正是在吸收了前人的传统,又为了要描绘更丰富、更广阔富有时代感的社会生活的要求下有了新的明显的突破和创造,出现了一大批优秀新颖的线描作品,涌现了一批成熟的、擅长于线描功夫的、作出成绩的青年美术家。詹忠效同志就是其中的一个。

从忠效同志近十年来的线描作品可以看出,他在学习掌握线描和线描创作中所走的路

子,是始终沿着正确的道路前进的。所以说,路子正,是他在线描上取得成功的一个重要因素。我在这里突出这一点,是线描画本身就要求学习者或创作者具有严格谨慎的正确态度。因为看似简单的线描其实并不简单,用线来写生一个人像或一朵花卉,决不能也不会是自然主义的描绘,而只能是在经过仔细观察、理解,然后经过提炼、概括、取舍,才能把对象艺术地再现出来,这种再现不仅要求形似,还要求1由似。因此,不仅要求画家具有精到的线描勾勒功夫,还要求注意掌握运线时轻重、缓急、转折中的细小变化。

忠效同志没有进过美术院校专门学习,是自学成家的。他一开始学绘画,就爱上了线

描画,并且能够抱着老老实实的态度,认真地研究和揣摹我国古代的优秀线描技法,又留心

于一些用严谨线描画成功地描绘现实生活的现代作品,作为他自学中无言的老师。他在实践

中重视线和线的组合,线对于客观事物的表现功能,线描在表达事物结构中的微妙关系,因此他在一个较长时期里,能采取那种一笔不苟、认真勾勒、率心研究的态度。在不断熟练掌握线描技巧的同时,也不断提高了他的造型能力;而造型能力的提高,又反过来加深对线的理解和在创作实践中的创造性探索。在这样的不断反复中,忠效同志的线描基础充实了,作品的表现能力也不断得到提高。从这本选集可以明显地看出,不论是插图、连环画或者绣像、小品,用笔是一笔不苟的,结构是严谨的,这一张张的线描画,正是他在学习和创作中走的正确路子留下的一步一步踏踏实实的脚印。

忠效同志在线描画中取得今天的成绩,又是与他严肃认真的创作态度分不开的。不论是

对于创作一组长篇小说的插图,一本篇幅很长的连环画,或者是报纸刊物上一篇短篇小说或

报告文学的几幅插图,他都要经过细心分析研究、检阅资料,以至深入生活,反复精心构思,然后才下笔组织的。这里说的组织,是因为要把线构成形象、体积、层次;甚至有色彩感。如果不经过苦心的经营组织,是不可能达到这些效果的。而忘效同志是善于线的组织的,所以他的每一线描作品,都能给读者以形象生动、鲜明。充实,画面丰满、完整、和谐的效果。

忠效同志一贯严肃认真的创作态度,还表现在始终不满足于已经取得的成绩,而要求自

己能在不断的探索中有新的创新和提高。几年前,当他的作品正在得到广大读者喜爱和好评

的时候,而他自己却处在创作的苦闷之中。他在这样思考着:对线描,他是取得了一定经验,

但他要求自己进一步运用线描来描绘好人物外形的同时;更深地发掘、勾划出人物的内心世

界,使线描的人物更赋予生命力,而如果停留在原有的线描手法上不能突破,那么他的创作就会停滞不前。正因为忠效同志能根据自己的创作不断的进行总结,及时的为自己设计新的课目和难题,并经过艰苦的努力实践,他的线描作品又前进了。忠效同志不是单纯的从线描自身下功夫,他的方法是更深入地走到生活当中去,用丰富多彩的火热生活来充实他的线描。

于是,他跨山越岭,走向广阔的天地,到粤北山区,到山西农村,到西藏高原。正是从生活

中得到了新的感受,拔动了他笔下线条的弦,使他的线描更赋于动人的感情色彩。如果说在书法艺术中,颜真卿的《祭轾稿》行书,传达了作者激动的感情而成为一件颜体书法中的珍品;那么拿选集中《春》这幅画来看,也正是忠效同志在西藏草原生活中感受的激情的抒发。奔放直泻的线条,决不是矫揉造作,而是表达了他来自生活的奔放热情和诗一样的意境。又如长篇小说《晋阳秋》插图;正是他深入到山西山区后创作的,生活注入他线描以感情的生命,使作品中的人物更有血有肉,成为他这段时期中有代表性的作品,在一九七九年的“全国书籍装帧艺术展览”中。荣获了一等奖。

忠效同志的线描,主要是从传统的铁线描演化而来的。他的线条既舒畅宁静。流动活泼,

又刚劲屈铁、明快有力;这是和他善于摄取抒情的情节、擅长于表现诗样意境的创作构思分不开的,所以读他的作品。总是给人以诗一样的美感,成为一种美的享受。从他的作品中,我们可以看到这样一些特点;在线的描绘中,他注意人物的动态造型美,注意人物衣诏中的韵律和节奏感。与描绘古代人物宽袍大袖疏朗的长线条相反,为了表现现代人的时代特点,他喜欢运用节奏强的较密集的短线,用来表现人体和衣纹在运动中的关系,从而造成人物活跃在画面上灵动的效果。忠效同志还特别注意每一幅画的整个画面上对线的总体设计和安排,他从规定的故事情景和构思构图的要求出发,把人物、环境、道具组织得层次分明、和谐统一,象音乐乐章那样,他把表现一个人物、一簇草丛、一片云彩中的每根线条当做一个音符,把每组线条联成一个旋律,把这些旋律有机的串合起来,互为呼应、互相衬托而又突出主体,组成一首优美的交响乐,去感染读者,引起感情上的共鸣。上面这些特点,也正好成为詹忠效同志线描画上自己的面貌和风格。

一九八一年六月于上海

笔墨丹青:中国传统山水画的意境与技法探索 本书导言: 中国山水画,作为中华文明宝库中一颗璀璨的明珠,不仅是视觉艺术的呈现,更是哲思、人文与自然万物和谐共生的深刻表达。它以“可游、可居、可观”的境界,承载着中国传统士大夫阶层对宇宙本源的理解和对理想人格的追求。本书《笔墨丹青:中国传统山水画的意境与技法探索》,旨在带领读者穿越历史的长河,深入领略中国山水画从萌芽到成熟,再到流派纷呈的完整脉络,并细致剖析其背后深厚的文化内涵与精湛的绘画技法。 第一章:山水之源——哲学思想与绘画初萌 本章追溯山水画的哲学根基,重点探讨道家“道法自然”和儒家“温良恭俭”思想对山水画精神内核的影响。山水画的出现并非偶然,而是中国传统文化中“天人合一”观念在艺术领域的必然投射。我们将考察魏晋时期,玄学盛行下,士人如何从山水寄情中寻求精神自由,并分析顾恺之、陆探微等早期画家对山水“写意”的初步尝试。这一时期的作品,多以人物为主,山水为背景,但已孕育出“气韵生动”的雏形。 第二章:唐代的辉煌——青绿与水墨的分野 唐代是中国封建社会的鼎盛时期,艺术创作也呈现出恢弘大气的面貌。本章将详述李思训、李昭道父子的“金碧山水”,分析其色彩的运用和构图的严谨,体现出盛唐的富丽堂皇与皇家气派。随后,笔锋转向王维,探究其“水墨为上”的理念,如何突破色彩的桎梏,以墨的浓淡干湿表现山川的体积与精神。王维的贡献在于将禅宗的空寂感引入山水画,标志着写意山水画的真正崛起。本章还将涉及荆浩、关仝等早期山水画大师对北方山势雄伟特征的捕捉与表现。 第三章:五代十国——范式确立与地域风格的成熟 五代十国是山水画发展史上的一个关键转折点,山水画正式脱离人物画的附属地位,成为独立的画科。本章集中分析“荆关派”(荆浩、关仝、李成、董源)的艺术成就。重点解析董源的“江南平远”,如何以披麻皴和点苔技法描绘出湿润、温婉的江南丘陵地貌,以及李成的“寒林平远”,对北方萧瑟气象的精准刻画。这一时期,画家们开始系统地总结和规范皴法、点法,形成了各自独特的“面目”,为后世的风格演变奠定了基础。 第四章:宋元之际——院体与文人画的对垒与融合 宋代山水画达到了写实主义的高峰。本章将细致探讨北宋“全景式山水”的巨匠们。以范宽的《溪山行旅图》为例,分析其“雨点皴”如何营造出山体的厚重与崇高感,体现了对自然伟力的敬畏。同时,也将关注南宋李唐、刘松年的“院体”画风,以及马远、夏圭开创的“边角之景”,如何通过大幅度的取舍,增强了画面的诗意和情绪的聚焦性。 元代,士人阶层与官场的疏离,促使“文人画”理论的全面确立。本章深入剖析“元四家”(黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙)的艺术主张。重点阐述黄公望的“平淡天真”与倪瓒的“旷远萧疏”,他们不再执着于对自然形体的精确描摹,转而追求“逸笔草草,不求形似”,通过笔墨的运动,抒发胸中的丘壑,实现“以书入画”的艺术高峰。 第五章:明清的转型——南北宗与地域流派的再发展 明代山水画坛呈现出“折中”与“复古”并存的局面。本章首先梳理以“浙派”为代表的院体画家,如何继承和发展南宋的“院体”风格。随后,将重点介绍“吴门画派”的代表人物沈周和文徵明,他们以对元四家特别是黄、王二家的推崇,将文人画推向了新的高峰,强调笔墨趣味而非技法炫耀。 明代中后期,董其昌提出的“南北宗论”对后世影响深远。本章将分析他如何将山水画分为“北宗”(以技法为重)和“南宗”(以意境为重),尽管这一划分存在争议,但它为梳理明清山水画的流派提供了清晰的框架。 清代则进入了探索与反思的阶段。本章将聚焦“四王”(王时敏、王鉴、王翚、王原祁)的摹古主义,分析他们如何通过“集古”的方式,融汇前人笔墨精髓,形成程式化、规范化的山水画体系。同时,也要关注“石涛”(八大山人)的叛逆精神,解析他如何以“一画论”反抗僵化的格律,以强烈的个性和独特的笔墨语言,预示着中国山水画向现代转型的可能性。 第六章:笔墨的语言——皴、染、点苔的技法解析 本章是本书的技术核心部分,聚焦于中国山水画独有的表现语言。我们将系统地介绍并配以图例解析中国山水画中的核心技法: 皴法(Texture Strokes): 详细剖析披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、解索皴等主要皴法的形态、应用场景及其所表达的物质感。 点法与苔法(Dotting and Moss Technique): 分析点法在表现树叶、云雾和水汽中的作用,以及苔点如何赋予山石生命力,体现江南山水的湿润感。 墨分五色与渲染(Tonal Gradations): 阐述如何通过墨的浓、淡、干、湿变化,表现山峦的层次感和空间的深度。 留白与构图(Leaving Blank Space and Composition): 探讨中国画中“计白当黑”的原理,以及散点透视、高远、深远、平远等构图方式在引导观者视线中的重要性。 结语:面向未来的传承 本书最后将展望近现代中国山水画的发展趋势,探讨如何在继承传统笔墨精神的基础上,应对现代社会带来的新的审美挑战,使古老的山水艺术在新时代焕发新的生命力。 本书内容丰富,图例详实,不仅是美术学习者的参考书,更是所有热爱中国传统文化人士的案头佳作。它提供了一个深入理解“以景写心,以墨寓理”的艺术世界的窗口。

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