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☆☆☆☆☆

出版者:Plume

作者:Richard Walter

出品人:

页数:400

译者:

出版时间:2010-6-29

价格:USD 17.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780452296275

丛书系列:

图书标签:

• 编剧
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《剧本创作要义》 一、 故事的灵魂：从何而来，如何着床 故事，是剧本的核心驱动力，是吸引观众、让他们沉浸其中的第一块砖。一本好的剧本，离不开一个引人入胜的故事。那么，故事的种子究竟从何而来？它并非凭空而出，而是根植于我们对生活的观察、对人性的洞察，以及那些常常被忽略的细微之处。 灵感的捕获与培育： 灵感常常如转瞬即逝的流星，需要我们具备敏锐的捕捉能力。它可以是一段对话，一个眼神，一次偶然的事件，甚至是一则新闻。关键在于，如何将这些零散的碎片，通过想象力进行连接、放大，并赋予它们生命。这需要我们保持开放的心态，对世界保持好奇，不断积累素材，并在心中进行反复的“发酵”和“沉淀”。 核心概念的提炼： 每一个强大的故事，都围绕着一个清晰的核心概念。这个概念，是故事的骨架，它回答了“故事是关于什么的”这个最基本的问题。它可以是一个鲜明的冲突，一个深刻的主题，一个独特的设想。提炼核心概念的过程，是将杂乱的思绪梳理成清晰的主线，是为故事设定一个坚实的基石。 人物塑造的基石： 故事的生命在于人物。鲜活、立体、可信的人物，是让观众产生共鸣、跟随故事发展的重要载体。人物不仅仅是情节的推动者，他们本身就承载着故事的冲突和主题。 动机与目标： 任何人物的行为，都源于其内在的动机和外在的目标。清晰的人物动机，能够解释角色的行为逻辑，使其行为具有说服力。而明确的目标，则为角色在故事中设定了前进的方向和挑战。 背景与弧光： 人物的过去，塑造了他们的现在。挖掘角色的背景故事，可以为他们添加深度和复杂性。而人物弧光，则是角色在故事发展过程中所经历的成长、转变或堕落。一个有弧光的人物，能够让故事更具感染力和价值。 二、 结构的艺术：秩序的构建与节奏的掌控 一个精彩的故事，需要一个坚实的结构来承载。结构，如同建筑的骨架，决定了故事的走向、节奏的快慢，以及观众的情感体验。 经典的三幕式结构： 这是剧本创作中最常见也最有效的结构之一。 第一幕：铺陈与启动（Setup & Inciting Incident）： 介绍故事的世界观、主要人物，并引入一个“激励事件”（Inciting Incident），这个事件打破了主角平静的生活，迫使他/她踏上征程，开启故事的冲突。 第二幕：发展与对抗（Rising Action & Confrontation）： 主角在追求目标的过程中，遭遇一系列的挑战、障碍和冲突。剧情在此过程中不断升级，张力逐渐增强，主角可能经历成功，也可能遭遇失败，但始终在努力前进。 第三幕：高潮与结局（Climax & Resolution）： 故事进入最高潮，主角面临最严峻的考验，并最终做出决定，解决核心冲突。随后，故事进入结局，展现冲突解决后的状态，以及人物的最终命运。 其他叙事结构的可能性： 除了经典的三幕式，还可以探索非线性叙事、多线叙事等，但无论选择何种结构，核心都在于如何巧妙地组织情节，让故事既有条理又不失新意。 节奏的把握： 节奏是故事的生命线，它决定了观众的情感曲线。合理的节奏能够让观众保持兴趣，适时的喘息和紧张的铺垫，共同构建引人入胜的观影体验。 情节推进的张力： 如何在关键节点设置转折，制造悬念，推动情节向前发展，是节奏掌控的关键。 情绪的起伏： 戏剧性的冲突、幽默的桥段、情感的爆发，这些元素的穿插运用，能够有效地引导观众的情绪变化。 三、 对话的魔力：传递信息，塑造人物，推动情节 对话，是剧本中最直接、最生动的元素之一。它不仅是人物之间的信息交流，更是塑造人物性格、展现人物关系、推动情节发展的重要手段。 自然与真实： 好的对话，听起来应该像真人说话一样自然、流畅，符合角色的身份、背景和性格。避免生硬的解释性对话，或者过于文学化的表达。 潜台词的力量： 人物说出口的话，往往只是冰山一角。真正的交流，很多时候隐藏在“言外之意”之中，即潜台词。善于运用潜台词，能够让对话更具深度和张力，展现人物的内心世界。 推动情节的机制： 对话不能仅仅是闲聊，它需要为故事服务。通过对话，人物可以揭示信息、传递情感、制造冲突，或者做出决定，从而直接推动情节的发展。 展现人物性格： 同一个意思，不同性格的人物，可能会用截然不同的方式表达。对话的语气、用词、节奏，都能鲜明地刻画出人物的独特性格。 四、 视觉化的语言：将文字转化为画面 剧本不仅仅是文字，它更是电影或电视剧的蓝图，最终要通过视觉影像来呈现。因此，剧本创作需要具备强大的视觉化思维。 “看见”剧本： 优秀的编剧，在写作时，脑海中已经能“看见”画面。他们能够通过文字，将场景、动作、表情生动地描绘出来，让读者（包括导演、演员）能够清晰地想象出电影的影像。 动作与表情的描绘： 动作场景的编排，人物微小的表情变化，这些细节都能极大地丰富故事的层次。学会用简洁、有力的文字，来描绘这些视觉元素。 场景设置的意义： 场景不仅仅是故事发生的地点，它本身也能传达信息，烘托气氛，甚至反映人物的心境。精心设计的场景，能够为故事增添额外的维度。 五、 主题的升华：让故事拥有思想 一个伟大的剧本，不仅仅是一个有趣的故事，它还应该能够引发观众的思考，传达更深层的主题。 主题的自然流露： 主题不应该显得刻意或说教，而是应该自然地渗透在故事的情节、人物的命运和对话之中。 探索人性的多面性： 优秀的作品，往往能够深入挖掘人性的复杂与矛盾，展现不同的人物在特定环境下的选择与挣扎。 引发思考与共鸣： 当观众在故事中看到了自己的影子，或者对某些议题产生了新的认识，那么这个故事便拥有了超越娱乐的价值。 六、 修改与精进：打磨出卓越的作品 剧本创作是一个反复打磨的过程。初稿只是起点，精修才能出精品。 客观的审视： 完成初稿后，需要给自己留出一定的距离，然后以客观的眼光来审视自己的作品。 寻求反馈： 获得来自其他创作者或读者的反馈，能够帮助你发现自己忽略的问题，找到改进的方向。 反复推敲： 对情节的逻辑、人物的动机、对话的精炼、节奏的调整，都需要反复推敲、不断优化，直到故事达到最佳状态。 《剧本创作要义》 旨在提供一个框架，引导你深入理解剧本创作的各个环节，从故事的起源到结构的构建，从对话的艺术到视觉的语言，再到主题的升华。它鼓励你去观察生活，去探索人性，去思考表达，去挑战自我，最终创作出真正能够触动人心的优秀剧本。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我大概明白了所谓好书到底好在哪里。 有的书名字很诱人，大概是类似“30天写一本畅销小说”、“一周打造从0到10w+的爆款文章”这种吧，然后从标题到结构到金句，所有套路一板一眼都给你写好了。每一页都透露着一个重大秘密：复制我的经验，你就能快速成为爆文作家...  

评分☆☆☆☆☆

在Richard Walter的《剧本》一书中，为影视写作（即剧本写作）提供了许多堪称圭臬的忠告。他的第一条基本准则是这样的：所有的作家都憎恶写作。这道出了很多写作者的真实想法：写作有时候让人感到厌恶、恶心、无聊甚至是绝望。当然这是以写作为生的作家的感觉。或者作者应该排...  

评分☆☆☆☆☆

◆ Chapter 7 故事：情节装配 >> 大低潮发生在结尾的开始处，大约是电影放映到第八十分钟左右的时候，这时候，主人公距离他的目标最为遥远。 >> 开端和结尾的原则是：晚开始，早结束。 ◆ Chapter 8 角色 >> 第一、不能刻板定型。 第二、要让每个角色，即使...  

评分☆☆☆☆☆

不要错过这本书的任何内容，即使有很多读友会认为后半截关于推销剧本等几章不符合中国国情，但也千万别一带而过。认真读过启发良多，例如该部分提到许多处理人际关系的细节：要善待制片人，甚至制片人的秘书等等。另外，这是一本职业编剧写的作品，语言幽默／简练，很好读。最...  

评分☆☆☆☆☆

这本书是从学校图书馆借的，逾期好久了，可也总舍不得还，因为书中涉及的点太多，虽然已经看完了，可是随手一翻还是会“卧槽我看过这个概念了吗？怎么没印象了” 只用心寻了怎么才是好剧本的答案，书中其他关于剧本的格式，编剧怎么为人处世的描述一带而过。 说说自己记忆最...  

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊讶的是，它对“类型片边界的模糊化”处理得相当老道。我原以为一本关于剧本写作的书会严格划分喜剧、悲剧、惊悚片的写作范式，但它却花了大量的篇幅讨论如何在一个看似传统的类型故事中，植入完全意想不到的哲学思辨或社会批判的内核。作者的论述逻辑是：类型是给观众的“舒适区”或“期待”，而真正的创新来自于打破这个期待的边界。书中分析了好几部跨越题材界限的作品，探讨了当一个严肃的家庭剧突然引入超现实元素时，它如何反而增强了现实的残酷性。这种对“预期管理”的深刻理解，使得这本书不仅仅是一本技术手册，更像是一部关于“叙事心理学”的著作。它教会我，剧本写作的终极目标不是取悦观众，而是引发思考，甚至是制造一种适度的“认知失调”。我不再仅仅满足于写出一个“合乎逻辑”的故事，而是开始思考如何通过结构和主题的错位，给观众留下更持久的余味。

评分☆☆☆☆☆

这本书的讲述方式真是让人耳目一新，它没有像市面上其他剧本写作指南那样，一上来就堆砌那些陈词滥调的“黄金三幕结构”或者“英雄之旅”的理论框架。相反，它仿佛是一位经验丰富的老朋友，坐在你身边，用一种近乎聊天的方式，深入浅出地剖析了剧本创作的本质。我特别欣赏作者对“冲突的源头”和“角色动机的深度挖掘”所下的功夫。书中大量使用了具体的电影片段作为案例，但它们不是简单地复述剧情，而是抽丝剥茧地展示了为什么那个特定的场景能够牵动人心，背后的潜台词是什么，以及镜头语言是如何为文本服务的。例如，在探讨对话设计时，作者没有给出僵硬的“少说多做”的口诀，而是提供了一套观察日常交流的工具，让你明白真正有力的对话往往是角色在试图掩盖或争取某些东西时产生的“噪音”与“张力”。这种从实践中提炼出的智慧，远比空泛的教条来得实在。读完后，我感觉自己对“如何写出有呼吸感的角色”这件事，有了一个全新的、更具操作性的认知。它强调的不是技巧的堆砌，而是观察世界和理解人性的训练，这对于任何想要创作出具有持久生命力的故事的人来说，都是至关重要的指引。

评分☆☆☆☆☆

我不得不说，这本书在处理叙事节奏和场面调度方面，展现出一种近乎外科手术般的精确性。很多写作指导书往往停留在“场景应该有高潮”这种模糊的建议上，但这本书却非常坦率地讨论了如何在高强度的动作场景中，依旧能让观众清晰地追踪到情感线的变化。它详细拆解了一些经典动作片或惊悚片的场景，分析了剪辑点、音效设计（虽然是写剧本，但作者强调了对这些视听元素的预判能力）是如何与文字描述完美契合，共同推动故事前进的。更让我印象深刻的是，作者对“场景的有效性”有着近乎苛刻的要求。书中反复提醒读者，每一个场景都必须完成至少一个明确的任务，否则就应该无情地删掉。这种对冗余信息的剔除，体现了一种高度的职业素养。它不是教你如何“凑够页数”，而是教你如何用最少的笔墨，撬动最大的情感共鸣。对于初稿写得过于冗长、缺乏重点的新手来说，这本书简直是一剂猛药，能迅速将你的焦点拉回到“故事的核心驱动力”上来。它让你明白，好的剧本是“被删减的艺术”，而不是“被堆砌的文字集合”。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验上，这本书的排版和语言风格都透露出一种冷静而略带讽刺的幽默感，这与我之前读过的那些过于“励志”或“说教”的教材形成了鲜明对比。作者的语气非常务实，他从不承诺你会一蹴而就写出一部奥斯卡级别的作品，而是着重强调过程中的“自我修正”和“对自我幼稚的认识”。例如，在探讨人物弧光时，他引入了一个概念——“伪弧光”与“真转变”。他犀利地指出，很多作者写的人物看似改变了，实则只是换了一种方式固执己见，这在现实中非常常见，却往往是剧本失败的原因。他鼓励读者去直面自己笔下人物的“可憎之处”，而不是急于美化他们。这种直面人性的复杂性，而非简单地设计“好人变坏/坏人变好”的机械流程，是这本书中最具价值的洞察之一。它让人认识到，剧本的深度，往往源于作者敢于在纸面上探索那些不舒服的真相。

评分☆☆☆☆☆

这本书在剧本格式和行业规范的讨论上，也做得非常扎实，但它处理得十分巧妙，没有让这些技术细节成为阅读的负担。它不是简单地贴出一个标准的剧本模板，而是解释了“为什么”要这样做。比如，为什么要用大写字母强调音效，为什么要精确控制场景标题的格式，这些规范背后的逻辑是高效沟通——是让制片人、导演和演员能在最短时间内理解你的意图。它把格式当成了一种“跨部门的通用语言”，而不是一套束缚你创意的教条。其中关于“场景描述的视觉化程度”的论述尤其精辟，它提醒我，剧本首先是拍给眼睛看的，而不是写给耳朵听的。作者用对比的方式展示了平庸的描述（“他很伤心地站着”）和富有画面感的描述（“他靠着门框，肩膀比任何时候都塌陷，影子拉得很长，仿佛在努力地把自己藏起来”）之间的天壤之别。这种对“看”的敏感度，是这本书为我打开的一扇重要的窗户，它将我的注意力从单纯的“写故事”提升到了“构建世界”的高度。

评分☆☆☆☆☆

假装去UCLA听课系列。教授的用词就是广，与同类型比起来这本算比较难啃的。读之前对教授印象最深的是批评科恩兄弟和PTA，书里倒还挺平和的，感觉的到都是肺腑之言。写戏最重要不能无聊，好编剧一定得对得起观众的时间

评分☆☆☆☆☆

细致又有经验的handbook，文科生应该人手一本

评分☆☆☆☆☆

Would have to gather some clothesline and hang myself from an imaginary tree hadn't I applied and picked by UCLA for an interview. WRITE ON! Finished on 03/03/2015

评分☆☆☆☆☆

Would have to gather some clothesline and hang myself from an imaginary tree hadn't I applied and picked by UCLA for an interview. WRITE ON! Finished on 03/03/2015

评分☆☆☆☆☆

假装去UCLA听课系列。教授的用词就是广，与同类型比起来这本算比较难啃的。读之前对教授印象最深的是批评科恩兄弟和PTA，书里倒还挺平和的，感觉的到都是肺腑之言。写戏最重要不能无聊，好编剧一定得对得起观众的时间