画话

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出版者:生活·读书·新知三联书店
作者:何君华
出品人:
页数:124
译者:
出版时间:2010-10
价格:29.00元
装帧:平装
isbn号码:9787108035301
丛书系列:
图书标签:
  • 绘本
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具体描述

有的人用语言来表达自己的想法,有的人用歌声来吟唱自己的心情,有的人用文字描摹内心的感情,而作者,则用拿了五十年的画笔画出自己想说的话。当他用画笔说话时,将他八十多年的人生精华,浓缩到一幅幅充满童心、幽默和睿智的画里面——一个笑得前仰后合的乐队,名曰“失控”;本是“红消香断有谁怜”的葬花黛玉,却捧着一本《笑林》忍俊不禁;一盘螃蟹,两只酒盅,题曰:螃蟹最恨的是第一个吃它的人;一只熊猫对镜施粉黛,结果“俨然楚霸王”;海燕为“眉”的高尔基,以《假如有来生》为发的三毛,髯藏蝌蚪的齐白石……何先生将这些画话分成“找乐子”、“有想法”和琢磨人三部分,或幽默、或讽刺,或琢磨人,或琢磨己。

《古籍寻踪录》 作者: 陈墨 出版社: 文源阁 装帧: 精装,仿宋版式,配有手工绘制插图 --- 卷首语:纸页间的呼吸与尘封的低语 在光线稀疏的古籍书库深处,空气中弥漫着檀香与陈年纸张特有的干燥气息。它们是时间凝固的琥珀,是先贤智慧流淌的河床。《古籍寻踪录》并非一部单纯的目录汇编,而是一次深入中国古代典籍的考古之旅。本书旨在带领读者穿越时空的迷雾,探寻那些在历史长河中几经沉浮、幸存至今的珍贵文献的命运轨迹,以及它们背后所蕴含的文化密码。 本书聚焦于宋、元、明三代善本的流传与版本流变,尤其关注那些因战乱、焚毁或私人珍藏而一度失踪,后又奇迹般重现于世的孤本。我们不谈空泛的理论,而是通过详实的考证,还原每一部重要典籍从抄写、雕版、印刷到收藏、损毁与重见的完整链条。 --- 第一章:雕版时代的微观世界——宋版书的生命力 宋代是中国雕版印刷技术臻于成熟的黄金时期。然而,许多人对宋版书的认知仅停留在“稀少”与“珍贵”。本书将深入探究宋代刻书坊的组织结构、墨色的细微差异、纸张的地域性选择,甚至每一块雕版在印刷过程中留下的“笔触”——那些细微的错位与墨迹的晕染,都是那个时代工匠精神的物证。 我们将详细剖析几部标志性的宋版书的“身世之谜”。例如,某部被认为已毁于靖康之变的《史记集注》的残卷,如何在一个江南望族的地下密室中沉睡了近八百年。我们通过比对现存不同残卷的刻工风格、避讳字的使用习惯,最终锁定了它出自北宋末年汴京的某一家小型书坊,而非主流的官方刻印机构。 此外,本章还会详细分析“宋坑本”与“元坑本”在纸张纤维结构上的差异,这需要借助现代纤维分析技术,辅以传统的拓本比对,方能得出确凿的结论。我们还将探讨宋代对书籍装帧“包背装”的改良,以及这种装帧方式如何影响了后世书籍的保存寿命。 --- 第二章:元代蒙元统治下的汉文典籍——文化的韧性与变异 元朝的建立,对汉文化典籍的保护与传承构成了一次严峻的考验。在多民族统治的背景下,汉文典籍的刻印活动呈现出独特的区域性和目的性。本书将细致梳理元代官修图书机构(如翰林院)的刻书目录,并对比民间私家、士绅阶层为延续文脉而进行的“抢救式”刻印。 重点研究对象之一是元代佛教与道教典籍的大规模刊刻现象。这些刻本往往采用了更为坚韧耐用的“皮纸”,以适应长途运输和频繁翻阅的需求。我们收集了散布于西藏、甘肃及福建沿海寺庙中的元代大藏经的零散部分,通过比对其“版框”的规范性,揭示了不同宗教团体在刻印标准上的差异。 一个有趣的发现是元代对宋版书“讹误”的订正。元朝的学者在校勘宋版书时,并非一味遵循前人,而是结合当时的学术进展进行修正。这些修订之处,如细微的注释增删、错字的改正,成为我们判断一部元代刻本是否为“重视学术”的产物的重要依据。 --- 第三章:明代的复兴与流派——文人品位与藏书世家的角力 明代是古代藏书文化最为鼎盛的时期。从官方的“四库”官刻,到民间以“金陵书坊”为代表的商业化印刷,再到文人自刻的“尺牍小品”,书籍的生产呈现出百花齐放的态势。 本章将围绕明代中后期出现的几大“藏书流派”展开叙述。例如,嘉兴华氏的“华氏辑校本”以其严谨的校对和精美的版式闻名,其特点在于对元以前典籍的全面收集与再整理。我们通过分析华氏所刻的几部地方志,发现其刻工的细腻程度甚至超越了部分官刻本。 另一重要主题是“明代禁毁书”的流传轨迹。一些涉及政治敏感或被定性为“淫秽”的书籍,是如何在地方官员的默许下,通过特殊的“夹页”或“暗记”方式得以保存的。书中收录了一批罕见的明代刻本的“影印手稿”,清晰展示了这些书籍如何“伪装”成其他普通读物以逃避查抄。 此外,明代晚期开始出现的“套色印刷”技术,虽然不如清代成熟,但已在一些小说和戏曲插图中有所应用。我们通过对《西厢记》插图的微观分析,还原了当时套色的套位难度与墨色的过渡效果。 --- 第四章:从书架到秘匣——文献的流转与命运的岔路口 古典文献的价值,不仅在于其内容,更在于其流转的历史。一部善本的价值,往往被历代藏书家的题跋、批注和印章所层层累积。本书的第四部分,专门研究这些“人证”。 我们追踪了数件重要文献在清代中期的“漂泊史”。例如,一部乾隆年间被内府收藏的孤本,如何在晚清的战乱中流落至上海的古董商手中,再辗转被一位海外学者购得。这个过程涉及了海关的记录、私人信件的往来以及拍卖行的早期目录。 本章引入了“文献考古学”的概念,即通过分析纸张的湿度变化、虫蛀的路径、墨色的氧化程度来反推其在不同环境下的保存条件。一位藏书家在某页书眉留下的特定笔迹(例如“某年某月,于沪上得之”),成为了连接历史与当代的关键线索。 最后,我们将讨论现代文献保护的挑战。面对日益老化的纸张与复杂的化学侵蚀,我们必须在“忠实于原貌”与“确保其可读性”之间做出抉择。本书收录了多张珍稀古籍修复前后的对比图,展现了现代技术如何小心翼翼地介入到历史的肌理之中。 --- 结语:未尽的探寻 《古籍寻踪录》是一部开放式的研究。每一份我们找到的答案,都可能引出十个新的谜团。书中的每一次“寻踪”,都提醒着我们,在冰冷的文字记录背后,是无数文人墨客、刻工匠人,以及守护着这些脆弱生命的寻常百姓的努力与虔诚。这些尘封的纸页,仍在等待着下一位有心人,去倾听它们未完待续的故事。 --- (本书附录包含:宋元明三代刻书机构名录、常见纸张纤维对比图谱、重要题跋家印鉴摹本等珍贵资料。)

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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阅读《画话》的过程,更像是一场精神上的“远足”。我并没有被书中那些具体的绘画技巧或者流派信息所吸引,反而是被作者那种独特的观察世界的视角所深深打动。他似乎总能发现那些隐藏在平凡事物中的非凡之处,然后用一种极富感染力的文字将它们呈现出来。我记得书中有一段关于“阴影”的描绘,让我茅塞顿开。我一直以为阴影只是光线的缺失,但作者却赋予了它生命,让它成为画面中不可或缺的“角色”,甚至可以比光线本身更能诉说情感。这种颠覆性的视角,让我开始重新审视生活中那些被我们忽略的“负面”元素,也许它们同样拥有着独特的美学价值。这本书没有明确的章节划分,没有跌宕起伏的情节,它更像是一幅徐徐展开的画卷,让你在其中自由地游走,感受文字与艺术的交融。它让我明白,艺术的解读并非只有一种标准答案,而是充满了个人化的体验和感受。

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《画话》这本书,与其说是一本书,不如说是一次心灵的洗礼。我尝试着去描述它带给我的感受,却发现语言在此显得如此苍白无力。它不是那种有清晰情节、人物性格饱满的读物,它更像是在为你打开一扇窗,让你窥见一个你从未真正了解过的世界。书里关于色彩的论述,让我醍醐灌顶。以前,我只是觉得红色就是红色,蓝色就是蓝色,但读了《画话》之后,我开始明白,红色可以炽热如火,也可以忧郁如血;蓝色可以宁静如海,也可以冰冷如霜。作者用一种非常诗意的方式,将抽象的色彩具象化,让它们在我的脑海中跳跃、融合,构成一幅幅鲜活的画面。更让我着迷的是,书中对“静止”的描绘。我们生活在一个快节奏的时代,似乎永远都在奔波,而《画话》却教会我如何去欣赏那些“静止”的美。一张画,一个瞬间,在作者的笔下,被赋予了无限的生命力。它让我反思,我们是不是在追逐所谓的“动态”时,反而错失了许多宁静的风景?这本书,真的像一个温柔的向导,牵引着我,在一个充满想象力的空间里漫步,让我重新认识了“看”这件事。

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读完《画话》之后,我脑子里像被注入了一股奇妙的色彩,原本单调的世界突然变得生动起来。这本书不是那种能让你一口气读完的叙事性小说,它更像是一场精心策划的视觉盛宴,或者说是一次与艺术对话的邀请。作者以一种极其克制却又充满力量的方式,引导读者去观察,去感受,去思考。那些看似简单的线条和色块,在作者的解读下,仿佛有了生命,讲述着古老的故事,或是现代的困惑。我特别喜欢书中对某些经典画作的拆解,它不是简单地告诉你“这幅画是什么”,而是让你看到“这幅画是如何成为它的”。那种对细节的捕捉,对光影的运用,对构图的考量,被剥离出来,呈现在眼前,让人惊叹于艺术家们精妙绝伦的技艺。读《画话》的过程,就像是在参加一场低语的盛会,每一个字句都像一颗饱满的种子,落在心田,然后生根发芽,长出我对艺术全新的理解。它让我意识到,艺术并非高高在上,而是触手可及,只要你愿意停下脚步,用一种全新的视角去审视。书中的一些段落,我反复阅读,每次都有新的体会。它让我明白,原来我们日常生活中忽略的那些瞬间,那些被遗忘的色彩,都可能蕴含着艺术的密码。

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这本书的名字《画话》本身就带着一种诗意,而读完之后,我发现书中的内容更是将这种诗意发挥到了极致。它不是一本技术性的艺术解析,也不是一本枯燥的艺术史,它更像是一场与艺术灵魂的深度对话。我曾以为自己对艺术的理解仅限于“好看”与“不好看”,但《画话》彻底颠覆了我的认知。作者的文字,就像一把精巧的手术刀,将那些复杂的艺术理论,那些晦涩的绘画技巧,一点点剥离开来,用最朴素、最动人的语言呈现在读者面前。我记得书中有几段关于线条的描述,让我印象深刻。线条,在我看来,只是构成画面的基础,但作者却赋予了它们生命,让它们时而奔放,时而内敛,时而诉说着孤寂,时而又传递着喜悦。这种对细节的极致关注,让我开始审视自己日常生活中的那些“线条”,也许它们也在无声地诉说着什么。读《画话》的过程,更像是一种沉淀,让我放慢了脚步,去感受文字的力量,去品味艺术的芬芳。它不强求你瞬间理解,而是邀请你慢慢体会,慢慢沉浸。

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《画话》这本书,给我带来了非常独特的阅读体验。我一直认为自己对艺术有一定程度的了解,但读完之后,我才意识到之前的认知是多么的肤浅。这本书的独特之处在于,它不直接告诉你“这幅画值多少钱”或者“这个画家有多出名”,而是从一种更根本、更感性的层面去解读艺术。作者就像一位资深的导游,带领你走进一个奇妙的艺术世界,但他并不用大段大段的解释来填鸭,而是通过一些精妙的观察和独到的见解,激发你自己的思考。我尤其喜欢书中对于“空白”的探讨。在我们习惯了充实和丰满的世界里,作者却教会我如何去欣赏那些留白之处的美,那些看似“空无”的地方,其实蕴含着无限的可能。这种哲学式的艺术解读,让我对“意境”有了更深的理解。每一次翻开《画话》,都像是在进行一次小型的心灵旅行,它不提供现成的答案,而是鼓励我去寻找属于自己的答案。

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在三联匆匆翻完的,一些插画还不错,有点儿意思。

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人生老来有此境界,才算是没白活。

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大爱《失控》

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有些画很有意思。

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八十多年的人生精华,浓缩在一幅幅童心、幽默和睿智的画里面,有真诚更有感动

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