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出版者:广陵书社

作者:钱永兴

出品人:

页数:200

译者:

出版时间:2010-10

价格:48.00元

装帧:16K

isbn号码:9787806946329

丛书系列:

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《中华传统工艺美术史》 第一卷：陶器的演变与地域风格 引言：大地之歌的千年回响 人类文明的开端，往往与泥土的塑造紧密相连。陶器，作为最古老、最具生命力的物质载体之一，不仅是实用器皿的雏形，更是早期社会审美意识与技术水平的直观体现。本书的第一卷，将聚焦于中国广袤土地上陶器艺术从新石器时代至秦汉时期波澜壮阔的演变历程。我们摒弃单纯的年代罗列，而是深入探讨地域环境、文化交流对陶器风格形成的内在驱动力，力求还原那些沉睡于地下，却依然鲜活的“大地之歌”。 第一章：新石器时代的母题与图腾 本章详细考察仰韶文化、马家窑文化、龙山文化等核心区域的陶器特征。重点分析彩陶图案中符号的语义学意义——那些几何纹、水波纹、人面纹，并非随意的装饰，而是早期宗教信仰、氏族图腾与宇宙观的视觉编码。例如，马家窑彩陶的旋涡纹，其复杂性与流动感，暗示着对自然力量的敬畏与模仿。我们将对比黄河流域与长江流域陶器在胎土成分、烧制温度上的差异，揭示地理环境如何塑造了初民的艺术倾向。陶器的形制，如尖底罐、钵、圈足盘，其功能性背后的社会结构逻辑也被纳入考量。 第二章：从二里头到商周的礼器转型 夏商周三代，陶器艺术迎来了第一次结构性转型：它开始让位于青铜器在礼仪中的主导地位，但其自身并未衰落，而是转向了世俗生活与丧葬习俗的补充角色。本章重点研究二里头文化晚期与商代早期的灰陶、黑陶技术进步，特别是印纹陶的普及。商代晚期，刻划纹、绳纹的规整化，反映了周密化的社会管理体系。周代的陶器则呈现出一种质朴、内敛的趋势，尤其是在周公制礼作乐的背景下，礼器形制趋于稳定，装饰趋于简化，为后世的“中和之美”埋下了伏笔。 第三章：春秋战国的百家争鸣与技术革新 春秋战国时期，社会剧烈变动，手工业技术也进入了高速发展期。本章细致剖析“印纹陶”技艺的成熟，尤其是模制技术的应用，极大地提高了生产效率和纹饰的精确性。六国之间，风格呈现出鲜明的地域差异：吴越地区的几何图案与楚国大胆、浪漫的动物纹饰形成鲜明对比。更为重要的是，陶瓦、陶楼模型等建筑明器的出现，为研究当时的建筑形制提供了宝贵的一手资料。 第四章：秦汉的规整与制度化 秦汉大一统的格局，使得陶器生产也趋于高度的标准化和规范化。本章聚焦于汉代陶俑的群像艺术。陶俑不再是简单的陪葬品，它们是劳动场景、军事编制乃至宫廷生活的微缩再现。我们不仅分析其造型艺术的写实主义倾向，更深入探讨了不同地区（如陕西、四川、湖南）陶俑服饰、面部特征的细微差别，这些差异直接映射出汉帝国对边疆治理与文化融合的策略。本卷总结了陶器在中华工艺美术史中的基石地位，为后续探讨瓷器奠定了物质基础。 《中国古代书法美学史论：从甲骨到晋唐》 第二卷：线条的哲学与书体的嬗变 导言：笔墨的内在精神与时代精神的耦合 书法，作为世界艺术史中独一无二的“线条的舞蹈”，是中国文化精神的最高载体之一。它超越了记录文字的工具属性，升华为一种关乎个人修养、哲学思考与宇宙秩序的视觉艺术。本书的第二卷，旨在梳理从商代甲骨文的原始生命力，直至唐代楷书的规范成熟这一关键阶段，探讨线条美学是如何在技术革新与时代思潮的交互作用下，完成其艺术本体的确立。 第一章：契文与金文：原初的刻痕与铸就的庄重 本章从甲骨文的书写形态入手，分析其“契刻”这一特殊载体对线条的影响——笔画的尖锐、转折处的方硬，是刀法对文字线条的物理约束。继而转向青铜器铭文（金文），重点考察西周“钟鼎文”的庄重与雄浑。我们通过对“曡文”、“长篇铭文”的结构分析，探讨早期书家如何处理篇章的气势连贯性。商周时期，文字的形体尚未完全定型，其不规则的美感，正是其最具生命力的来源。 第二章：战国文字的多元化与审美趣味的分野 春秋战国，诸侯割据，文字的地域性特征空前突出。本章细致比较了齐国、燕国、秦国、楚国文字在笔画粗细、结构布局上的显著差异。特别是楚简（帛书）的出现，标志着书写载体从硬性材料向柔性材料的重大转移，这直接解放了线条的弹性与韵律感。本章还将涉及战国时期以“大篆”为代表的风格探索，展现百家争鸣背景下，文字美学上的激进与保守。 第三章：秦系文字的统一与隶书的革命 秦朝的“书同文”政策，是书法史上一次里程碑式的事件。本章深入分析了小篆在规范化过程中，如何吸取了战国文字的优点，实现了高度的结构对称与匀称之美。然而，小篆的复杂性不适应日常政务的需求，由此催生了隶书——书写工具（笔）与书写载体（简牍）冲突下的必然产物。我们将重点剖析隶变的核心：将圆转的笔画变为方折的笔法，以及“蚕头燕尾”这一标志性美学的诞生，这标志着中国书法的“古文字”阶段正式结束。 第四章：两汉碑刻的勃兴与魏晋风度的酝酿 汉代是隶书的鼎盛期，也是楷书萌芽的关键期。本章将集中探讨汉碑的艺术价值：无论是《乙瑛碑》的端庄沉稳，还是《张迁碑》的拙朴雄强，都展现了成熟的书法家对“力度”和“体势”的精妙把握。同时，本卷将辅以简牍、瓦当文字的研究，展现民间书风对官方书体的渗透。最后，本章将过渡到魏晋时期，通过对蔡邕、钟繇等人的追溯，阐释从隶书到楷书、草书的过渡时期，文人阶层对笔墨“性情”的初步追求，为下一卷中王羲之的“晋韵”铺设了坚实的工艺与思想基础。 《中国古代织绣工艺与服饰文化研究》 第三卷：丝线上的帝国图景：织物的纹样、技法与制度 绪论：华美的制度与隐秘的技艺 丝绸，这一中国人最早贡献于世界的物质文明符号，不仅仅是一种纺织品，它承载着等级制度、外交策略、经济命脉与审美哲学的复杂体系。本书第三卷，将完全聚焦于织物本身——从蚕茧的缫丝、原料的染整，到最终的织造与绣制，详尽解析中国古代（重点为汉唐宋明）纺织工艺的辉煌成就及其背后所反映的社会文化结构。本书避免讨论已有的服饰形制变迁（如深衣、袍衫的款式），而是专注于构成这些服饰的“皮肤”——织物质料与纹饰的内在逻辑。 第一章：丝绸的诞生与原材料的社会分层 本章追溯丝绸的起源，并重点分析汉代“丝绸之路”开通前后，丝织品原料结构的变化。我们区分麻、丝、葛等不同纤维在古代社会中的价值定位。重点研究汉代提花织物的技术突破，如“锦”的出现，如何从早期的平纹到后来的重锦、经锦的复杂结构演变。丝线本身的捻度、光泽度如何成为衡量织物品级的重要标准。 第二章：织造技术的巅峰：锦、绫、罗的工学探秘 这是本卷的核心技术章节。我们将以宋代技术文献（如《天工开物》相关章节）为参照，详细阐述提花织物的技术原理。 锦（Brocade）： 重点分析纬线起花与经线起花的区别，以及宋代“宋锦”在色彩饱和度和图案精细度上如何超越前代。 绫（Twill）： 探讨绫罗织物中斜纹组织的应用，以及这种组织结构如何赋予织物独特的垂坠感和光影变化。 罗（Gauze）： 分析罗织物独特的孔眼结构，这种结构既轻盈透气，又通过经线交织形成几何图案，是古代纺织工程的杰作。 第三章：色彩的密码：天然染料的科学与禁忌 古代织物的审美，很大程度上取决于其色彩。本章探讨了古代主要天然染料的来源、提取工艺及其固定技术（媒染剂的应用）。我们将重点分析不同时代对“正色”的偏好，例如汉代的朱红、唐代的绛紫与宋代的雅致青素。更重要的是，本章将梳理历代皇家与民间对特定颜色（如明黄色、玄色）的使用禁忌与制度约束，揭示色彩在社会权力结构中的象征意义。 第四章：针尖上的艺术：刺绣的地域风格与功能分化 刺绣，作为后期对织物进行二次创作的技艺，在本卷中将作为与织造并列的艺术形式出现。我们将侧重于三大地域派系的对比分析： 苏绣（精巧写实）： 专注于针法（如套针、齐针）对光影、体积感的表现力，侧重于山水花鸟的摹写。 湘绣（雄健厚重）： 分析其以垫底技术增强绣体厚度，以及对猛兽、虎头等题材的表现。 蜀绣（生活写意）： 探讨其图案的饱满度与色彩的浓烈感，以及其在民间生活用品中的广泛应用。 本书最后总结，织绣工艺是中国古代物质文化中最能体现“天人合一”思想的领域，其复杂性与严谨性，是古代手工业科学与艺术的完美结合。

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说实话，在当今这个充斥着批量生产和虚拟影像的时代，能够看到这样一本用心制作的实体书，简直是一种享受。这本书的每一张图片都仿佛被施了魔法，它们不仅仅是黑白的线条，而是充满了生命力的叙事载体。通过这些古老的印记，我们得以窥见民间社会结构、节日庆典、乃至婚丧嫁娶中的仪式感。我尤其喜欢那些充满生活哲理的吉祥图案，它们用最朴素的形象传达着最普世的价值观，比如对丰收的期盼、对子孙绵延的美好祝愿。它提醒着我们，真正的“日用之美”往往就潜藏在最寻常、最不起眼的生活物件之中，等待着我们去发现和珍视。

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对于一个热衷于图案研究和传统工艺的爱好者来说，这本书的价值简直是无可估量的。它提供了一个极为扎实和系统的视觉数据库。我特别留意了其中对于不同地域、不同时期雕版风格的区分，那种微妙的地域差异和时代变迁，在对比观察中变得异常清晰。比如，某些图案在南方可能更趋向于流畅的线条和饱满的构图，而在北方则可能展现出更为硬朗和写意的笔触。这种细致的比较分析，对于进行现代设计再创作或者学术研究的人来说，无疑是一笔宝贵的财富。它提供的不仅是“看什么”，更是“如何看”的深度解析框架。

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初翻阅这本书时，我最深的感受是那种扑面而来的生活气息与深厚的文化底蕴的完美融合。它不仅仅是一本简单的图录，更像是一部活态的民俗史诗。那些雕版上的人物场景、祥禽瑞兽、乃至日常器物上的纹饰，无一不承载着古人对美好生活的向往与朴素的哲学思考。作者的选材极为广泛，似乎涵盖了从乡村集市到寻常百姓家的每一个角落，那种深入骨髓的民间情趣，通过高清的图版得到了极佳的复刻。我甚至能想象到雕刻者在枣木或梨木上小心翼翼地凿刻时的情景，那份专注于技艺、不为世俗所动的精神力量，似乎已经渗透进了这些墨香犹存的图像之中，让人在翻阅的每一刻都心生敬畏。

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这本书的学术严谨性与大众可读性达到了一个令人惊叹的平衡点。虽然内容深度足以支撑专业研究，但它的呈现方式却非常亲民。很少有图志能够做到在保持高度专业性的同时，还能让一个门外汉看得津津有味。我欣赏它没有过多使用晦涩的术语，而是用一种娓娓道来的叙事方式，将复杂的雕版制作工艺和背后的文化符号，以一种极为直观的方式展现在读者面前。它成功地架起了一座桥梁，连接了过去精致的手工世界与我们当下快节奏的数字生活，让人在忙碌之余，能够驻足片刻，感受那份慢工出细活的魅力。

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这部作品的装帧设计着实让人眼前一亮，精美的封面图案仿佛瞬间将人拉回了那个细腻、质朴的年代。纸张的质感也相当考究，厚实而不失柔韧，阅读起来触感极佳，这对于一本图志类书籍来说至关重要。更值得称赞的是，内页的排版布局清晰流畅，字体选择典雅大气，使得原本就内容丰富的图版得以更好地呈现。我尤其欣赏编者在图版旁配注的那些细致入微的说明文字，它们如同一个个耐心的向导，引领读者穿梭于那些繁复的花纹和古朴的图案之中，让人在欣赏艺术性的同时，也能体会到其中蕴含的匠心与历史温度。整体而言，从外在到内在，它都展现出一种对传统的敬意与专业的态度，让人爱不释手，迫不及待地想要深入探索每一个角落。

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可惜图太小。。。。

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文章和图片联系不明确，一般的论文写成这样还不被导师抽死，但它不是论文。说是《图志》但图较小，图中好多字太小、看不清楚，不足以二次引用，作为参考书价值很低。书里看不明白的术语缺乏注释。不知道这本书是针对什么读者群的，反正不是我。书前面两篇序，封底五位人物推荐，真的想不通。可以预见过不了多久就会在我最爱去的那种打折书店看到大量的它。

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