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出版者:人民音乐电子音像出版社

作者:于润洋 编

出品人:

页数:18

译者:

出版时间:2011-6

价格:360.00元

装帧:精装

isbn号码:9787899935378

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聆听与感知：一部关于音乐世界多维探索的入门指南 这本书并非一本孤立的音乐理论手册，也不是一份枯燥的作曲技法清单。相反，它是一扇通往音乐无限可能性的窗口，旨在引导读者，特别是初次接触系统性音乐鉴赏学习的学生，建立起一套完整、立体且富有感知的音乐认知体系。我们尝试用一种更贴近生活、更富趣味性的方式，唤醒你内心深处对音乐的渴望与理解力，让你在感受音乐的魅力的同时，掌握分析和欣赏音乐的基本工具。 第一章：音乐的起点——声音的魔法 我们从最基础的层面开始，探寻声音本身所蕴含的奥秘。你有没有想过，为什么有些声音让我们感到愉悦，有些却引起不适？本章将带你认识声音的物理属性——音高、音量、音色和时长，并理解它们如何组合成不同的音乐元素。我们将通过生动的例子，让你体会到： 音高： 从空灵的鸟鸣到低沉的大提琴，音高的变化如何勾勒出旋律的起伏，营造出不同的情绪氛围。我们将探讨不同音区（高音、中音、低音）在音乐中的作用，以及它们如何影响听者的感受。 音量（力度）： 悄声细语的呢喃与雷鸣般的呐喊，音量的强弱变化（如渐强、渐弱、断奏、连奏）如何赋予音乐以表情和戏剧性。我们将分析力度变化在表现音乐情感张力中的重要性。 音色： 小提琴的柔情、长笛的清澈、钢琴的圆润、鼓的铿锵……每一种乐器都拥有独特的“嗓音”。本章将引导你辨别不同乐器的音色特点，并理解它们如何为音乐增添色彩与个性。我们将一起探索管弦乐队的音色组合，以及电子音乐中独特的合成器音色。 时长： 音符的长短组合，构成了音乐的节奏。从舒缓的慢板到激昂的快板，时值的变化如何构建起音乐的脉络，牵引着我们的情绪。我们将学习区分不同的节奏型，并感受它们如何影响音乐的动感和风格。 通过对这些基本元素的深入理解，你将不再是那个只能被动接受音乐的听众，而是能够开始主动感知声音的细微差别，为后续更深入的音乐欣赏打下坚实的基础。 第二章：音乐的脉络——旋律、节奏与和声的对话 当基本的声音元素被组织起来，便形成了音乐的骨架——旋律、节奏与和声。本章将聚焦于这些核心要素，揭示它们是如何相互作用，共同构建起一首首动人的乐曲。 旋律： 音乐的歌唱性，是旋律赋予音乐生命力的关键。我们将学习如何识别乐句、乐段，理解旋律的走向（上行、下行、波动）如何表达不同的情感，并探讨旋律的重复、变奏以及模进等发展手法。我们将分析不同风格音乐中标志性的旋律特点，例如古典音乐的优雅流畅，爵士音乐的即兴与变化。 节奏： 音乐的生命之律，是节奏赋予音乐动感的源泉。本章将深入探讨拍子、小节、速度等概念，以及不同的节奏型（如附点节奏、切分节奏）如何创造出多样的律动感。我们将分析不同时代、不同文化背景下音乐节奏的特点，从庄重的进行曲到活泼的摇摆乐。 和声： 音乐的色彩与厚度，是和声赋予音乐丰富表情的秘诀。我们将初步了解和弦的概念，理解音与音之间组合所产生的和谐与冲突，以及它们如何引导和声的进行。你将学会区分不同的调式（如大调、小调）所带来的不同色彩，并感受和弦的转调如何营造出音乐的戏剧性。 我们将通过分析耳熟能详的乐曲片段，让你直观地感受到旋律、节奏与和声是如何巧妙地编织在一起，共同塑造出音乐的整体面貌。 第三章：音乐的结构——乐章、乐段与主题的发展 一首完整的音乐作品，如同一个精心搭建的建筑，拥有其内在的结构逻辑。本章将引导你探索音乐的组织方式，学会辨识音乐的段落划分，理解乐曲是如何在时间和空间上展开的。 乐章与乐段： 我们将学习区分不同规模的音乐结构单位，如大型作品的乐章（如奏鸣曲的快板、慢板、谐谑曲等），以及篇幅较小作品的乐段（如呈示部、发展部、再现部等）。 主题与动机： 音乐的核心思想，通常以一个简洁、有辨识度的旋律片段——主题或动机——来呈现。本章将教你如何捕捉音乐中的重要主题，并理解作曲家是如何通过重复、变奏、模进、对比等手法，对这些主题进行发展和展开，从而构建出整首作品的宏伟蓝图。 曲式： 我们将简要介绍几种常见的音乐曲式，例如简单的二部曲式、三部曲式，以及更复杂的奏鸣曲式、回旋曲式等。通过实例分析，让你对音乐的结构有更清晰的认识。 理解音乐的结构，能帮助你更好地把握音乐的整体脉络，避免在复杂的音乐织体中迷失方向，从而更深入地欣赏作曲家的匠心独运。 第四章：音乐的色彩——配器与音响的艺术 音乐的魅力，离不开各种乐器与人声的和谐共鸣。本章将带你走进配器的世界，感受不同音色组合所带来的丰富听觉体验。 乐器家族： 我们将系统介绍管弦乐队中主要的乐器家族（弦乐、木管、铜管、打击乐）以及键盘乐器、民族乐器、电子乐器等，了解它们的发声原理、音域特点和表现力。 配器技巧： 作曲家如何巧妙地为不同的乐器分配声部，创造出层次丰富、色彩斑斓的音响效果？本章将通过实例，让你体会到配器的艺术性，理解如何通过乐器的组合来表现不同的音乐情绪和意境。 人声： 作为最古老、最直接的音乐表现形式，人声的魅力同样不可忽视。我们将探讨不同声部（女高音、女中音、男高音、男低音）的特点，以及合唱、独唱等形式在音乐中的作用。 通过对配器与音响的理解，你将更能体会到音乐的“画面感”与“质感”，欣赏到作曲家在声音运用上的精妙构思。 第五章：音乐的情感——情绪、风格与文化的交织 音乐最动人的力量，在于它能够直接触动我们的情感。本章将探索音乐与情感之间的深刻联系，并初步了解不同音乐风格与文化背景的关联。 音乐与情感： 为什么有些音乐让我们感到悲伤，有些却激昂振奋？我们将分析音乐如何通过旋律、节奏、和声、力度等变化来表达和引发不同的情绪，如喜悦、忧愁、愤怒、宁静等。 音乐风格： 从巴洛克时期的严谨华丽，到古典主义时期的均衡典雅，再到浪漫主义时期的热情奔放，以及近现代音乐的多元探索，我们将简要介绍不同音乐风格的时代特征与代表性作曲家。 音乐与文化： 音乐是文化的载体。我们将看到，不同民族、不同地域的音乐，如何反映当地的风土人情、历史传统与社会生活。你将有机会接触到中国传统音乐、世界各地的民歌、不同宗教音乐等，体会音乐跨越文化界限的魅力。 本章旨在培养你对音乐情感的敏锐感知力，以及初步辨别不同音乐风格和理解音乐文化背景的能力，让你在欣赏音乐时，能感受到更深层次的精神内涵。 第六章：音乐的实践——聆听、分析与表达 理论的学习最终要回归到实践。本章将为你提供一些基本的音乐鉴赏方法和技巧，鼓励你积极主动地参与到音乐的聆听与分析中来。 积极聆听： 我们将强调“用心去听”的重要性，引导你如何在聆听过程中集中注意力，捕捉音乐的关键元素，并尝试用自己的语言描述听到的感受。 初步分析： 你将学会运用前面章节中学到的知识，尝试分析一首简单乐曲的旋律走向、节奏特点、情绪变化等。我们鼓励你做简单的笔记，记录下自己的发现。 多元化的表达： 音乐鉴赏并非只有“听”。本章将鼓励你通过绘画、舞蹈、写作等多种形式，来表达你对音乐的理解和感受。你也可以尝试哼唱、模仿，甚至简单的乐器演奏，来加深对音乐的体验。 这本书不仅仅是一本教材，更是一份邀请，邀请你走进一个充满奇迹与色彩的音乐世界。我们希望通过循序渐进的引导，让你能够逐渐培养起对音乐的兴趣，掌握鉴赏音乐的基本方法，并最终在音乐中找到属于自己的快乐与共鸣。请跟随我们，开启这段精彩的音乐探索之旅吧！

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这本书在教学工具的整合上做得极其到位，它真正实现了“多媒体”的价值，而不是仅仅把文字搬到了屏幕上。我观察到，在讲解到特定演奏技巧或音色特点时，课件总能即时地提供最权威、最清晰的音频或视频示例，而且这些示例的选择范围非常广，涵盖了不同流派和不同乐器的最佳演绎版本。这种“所听即所得，所看即所解”的学习模式，极大地弥补了传统课堂中，教师口头描述与学生实际听觉体验之间的巨大鸿沟。对于我们这些没有专业音乐背景的学生来说，这种即时反馈的学习机制，是理解复杂音乐术语和抽象概念的“救命稻草”。它真正做到了用技术赋能艺术教育，让音乐鉴赏课不再是“听老师说”，而是“自己去体验和判断”。

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我个人最欣赏这本书对“鉴赏力”培养的细致入微。它深知，音乐鉴赏的核心在于建立个人化的情感连接。因此，教材中设计了许多开放性的讨论题和实践环节，鼓励我们用自己的语言去描述那些难以言喻的听觉感受。例如，在分析某一首浪漫主义作品时，课件提供的不仅仅是乐谱分析，还有那个时代背景下的社会思潮和艺术家内心世界的描摹。这使得我对音乐的理解不再停留在音高、节奏的层面，而是上升到了人文关怀和时代精神的层面。这种全方位的浸润式学习体验，让原本感觉高不可攀的艺术殿堂变得亲切可感。我开始明白，好的音乐欣赏，需要的不是一套固定的“标准答案”，而是敏锐的感受力和恰当的表达工具，而这本书，正是提供这些工具的绝佳手册。

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坦白讲，对于长期接触应试教育体系的学生来说，这本书的风格是相当令人耳目一新的，它有一种打破常规、鼓励个性的力量。它的排版设计非常现代，色彩运用大胆却不失格调，大量的图文并茂处理，使得翻阅过程本身就是一种享受，完全没有传统教科书那种沉闷感。更重要的是，它在处理音乐史脉络时，做到了清晰而不僵化。它并非简单地按照时间顺序罗列，而是注重音乐风格之间的相互影响和演变逻辑，这对于建立宏观的音乐文化图景至关重要。比如，它会清晰地勾勒出巴洛克晚期对古典主义的奠基作用，以及后来的浪漫主义如何对古典形式进行解构与重建。这种结构化的知识呈现，让知识点之间不再是孤立的碎片，而是形成了一个完整的、可以被理解和预测的系统。

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说实话，我拿到这本“实验教科书”之初，是抱着一丝怀疑的态度的，毕竟“实验”二字往往意味着不成熟或者过于前卫。然而，深入阅读后，我发现它的“实验”恰恰体现在其突破了传统音乐教育的藩篱。它大胆地引入了大量非古典音乐的元素，从爵士乐的即兴魅力到世界民族音乐的丰富多彩，都得到了充分的展示和分析。这种广阔的视野，让我的音乐品味得到了前所未有的拓展。特别是关于音乐鉴赏的引导部分，它着重培养的是一种“提问式”的聆听习惯，引导我们思考“作曲家为什么要用这个和弦？”而不是简单地记住“这是什么曲子”。这种方法论的转变，让每一次听音乐都变成了一场深度对话，我不再是单纯的接受者，而是积极的参与者和解读人。它成功地将音乐鉴赏从一门“知识性”的学科，转化成了一门“能力型”的素养培养。

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这本教材给我的感觉就像是走进了一个精心布置的音乐殿堂，它没有那种枯燥的说教，而是用一种非常直观和沉浸式的方式，把我这个音乐“门外汉”领进了门。课程的编排逻辑性极强，从最基础的声音元素入手，逐步深入到复杂的音乐结构和历史背景。最让我惊喜的是，它似乎特别理解当代高中生的学习习惯，将那些原本可能晦涩难懂的理论知识，巧妙地融入到耳熟能详的音乐案例中。比如讲解奏鸣曲式时，不是简单地罗列定义，而是通过对比不同时代大师的作品片段，让我清晰地“看到”主题如何呈示、发展和再现。多媒体课件的运用更是点睛之笔，它让抽象的听觉体验变得有形化，色彩、线条甚至是动态的图形都在辅助我理解音乐的情感流动和技术处理。这种将理论与实践、历史与审美品味完美结合的教学设计，极大地激发了我主动探索音乐世界的欲望，不再是将音乐课视为一门应试科目，而是一次次美妙的发现之旅。

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